Rivisitare alcuni stili del passato può essere per alcuni artisti il modo migliore per dare una propria impronta personale pur rimanendo legati a una tradizione pittorica che ha costituito di fatto la base espressiva a cui poi gli autori degli anni seguenti, compreso il periodo attuale, hanno attinto per dar vita a qualcosa di nuovo, a rielaborazioni, a evoluzioni che sono l’essenza stessa dell’arte di ogni tempo. La personalizzazione e la libertà di distaccarsi dalle linee guida tradizionali e piuttosto specifiche nel momento in cui i vari movimenti sono nati, ha permesso così agli interpreti dell’epoca moderna di andare a generare sfaccettature impensate e inedite che costituiscono non solo la loro impronta artistica, ma anche un modo per mantenere vivi stili che altrimenti resterebbero legati solo al periodo storico in cui sono nati; la protagonista di oggi affronta questo tipo di percorso dando una visione decisamente innovativa e originale a un’espressività pittorica legata alla pura estetica e alla decoratività dei soggetti raccontati, ma nel caso specifico più orientata a lasciar fuoriusciti significati e simboli.
A seguito del veloce processo di industrializzazione che il continente europeo ebbe nella seconda metà dell’Ottocento e alla spersonalizzazione dell’individuo considerato solo come parte di una catena di montaggio, molti artisti vollero riprendere in mano il concetto di artigianalità intesa come manifestazione del talento creativo dell’essere umano ben lontano da quello asettico e impersonale delle macchine; così verso l’ultimo decennio del secolo e a cavallo con l’inizio del Ventesimo, nacque dalle intuizioni e dalle linee guida dell’Arts and Crafts inglese, il movimeno dell’Art Nouveau, anche definito Jugendstil o Stile Liberty o Secessionismo o Modernismo, sulla base del paese di appartenenza degli artisti. Le caratteristiche più evidenti erano le linee curvilinee, armoniose, delicate e la forte presenza della natura come elemento decorativo, simbolo di una grazia e di una maestria esecutiva che potevano essere realizzate solo con un sapiente tocco manuale e pertanto non riproducibile attraverso un procedimento meccanico e industriale. L’eleganza dunque era il punto comune tra le opere poetiche e raffinate del ceco Alfons Mucha, considerato uno degli artisti più simbolici dell’Art Nouveau, e le tele sontuose e signorili di Gustav Klimt, grande esponente del Secessionismo viennese, e ancora con le rappresentazioni allegoriche dei dipinti dell’olandese Jan Toorop.
Il tema floreale era fortemente presente in ciascuno di questi grandi esponenti dello stile artistico e andava a interagire direttamente con le protagoniste prevalentemente femminili e fortemente stilizzate trasformandosi in decorazione o, viceversa, partendo da un dettaglio dei capelli o degli abiti si estendeva modificando la sua struttura per divenire gradualmente un ramo o lo stelo di una ghirlanda di fiori. Ma la forza del movimento fu anche quella di aprirsi all’utilizzo e all’applicazione dei temi principali su una molteplicità di materiali, favorendo così l’ampia diffusione delle opere create, per esempio, da Alfons Mucha che creò molti manifesti pubblicitari modificando letteralmente il gusto estetico europeo, oppure di realizzare le forme sinuose e decorative su ogni tipo di superficie, dal legno al ferro battuto, dal vetro e i cristalli alla gioielleria, determinando così lo sviluppo e la presenza delle caratteristiche Art Nouveau negli edifici, nei portoni, negli ingressi della metropolitana delle principali città europee, come nel caso dell’architetto Victor Horta, simbolo belga del movimento.
La bellezza e l’estetica, seppur in modo completamente differente, hanno una grande rilevanza anche nella società contemporanea, sebbene oggi l’uomo si sia completamente consegnato alla tecnologia, alle macchine fotografiche da cui gli esponenti della pittura di inizio Novecento tanto avevano cercato di distinguersi, e dunque, in alcuni artisti come l’udinese Federica Rampazzo, nasce l’esigenza di ritornare a una rappresentazione tradizionale, legata a quel passato Art Nouveau che rimane un segno importante e che costituisce l’ispirazione di base della sua pittura, ma che viene da lei completamente rielaborato inserendo all’interno del concetto di equilibrio tra individuo e natura tutta la modernità a cui lei e le sue protagoniste appartengono.
Diplomata presso l’Istituto Statale d’Arte di Udine, con specializzazione in arte dell’oreficeria, sbalzo e cesello, successivamente intraprende lo studio anatomico dal vero dal sotto la guida di insegnanti d’ Accademia di Belle Arti di Venezia e di Brera, eseguendo in tre anni circa duemila bozzetti da cui ricava le sue attuali opere; la sua personalizzazione dell’Art Nouveau tende però verso uno spiccato Simbolismo e una variazione sul tema poiché spesso nelle tele viene introdotta la presenza di animali di cui studia la semiotica occidentale ma anche quella orientale, greca, romana, indigena affinché il senso della loro presenza all’interno di un dipinto sia più chiaro e di conseguenza maggiormente comprensibile dall’osservatore.
L’armonia tra sentire intuitivo ed emozionale, e approfondimento su ciò che ciascun animale rappresenta nel contesto di culture lontane eppure significative anche nel presente caratterizza pertanto le opere di Federica Rampazzo che mostra una forte predilezione per il tratto grafico, seguendo così in qualche modo le orme dell’esponente dell’Art Nouveau ottocentesca Aubrey Beardsley, arricchita però dalla presenza dei pigmenti oro che infondono alle sue tele un aspetto fresco, vivace e sbarazzino in cui riesce a mettere in luce il contrasto tra l’armonia quasi tradizionale costituita dalla presenza della flora e della fauna, e la modernità delle pose, dell’aspetto e degli atteggiamenti a volte romantici e altre irriverenti o disinibiti delle sue protagoniste. Il risultato visivo è una cromia interessante ed effervescente, dove il Simbolismo emerge non in maniera misteriosa e inquietante bensì come energia positiva in grado di armonizzarsi all’atteggiamento delle donne ritratte, accompagnandone le sensazioni e il sentire colte da Federica Rampazzo.
La tela Anima ricca mostra pertanto un’armonia totale tra la ragazza, abbigliata e acconciata come se uscisse direttamente dagli anni Cinquanta mettendone così in evidenza l’aspetto curato e armonico, e l’ambiente circostante attraverso cui l’artista sottolinea un’essenza molto più profonda di quanto apparirebbe in superficie; la vicinanza dei fiori di papavero, che sembra esaltare il concetto di perfezione estetica, viene integrata e arricchita con quella delle api, portatrici di vita attraverso il loro incessante lavoro di impollinamento e di creazione di uno degli alimenti più preziosi, il miele.
L’esortazione di Federica Rampazzo è dunque quello di non fermarsi all’apparenza, piuttosto di andare a scoprire quale e quanta ricchezza possa celarsi oltre l’immagine, anche laddove l’essenza sia messa in secondo piano rispetto alla forma, perché è esattamente al di sotto di una patina scintillante che si nasconde una silenziosa richiesta di essere compresi fino in fondo.
In Acqua spirituale invece la natura si armonizza completamente all’espressione rapita e sognante della donna che sembra immersa nelle sue sensazioni, nell’attento ascolto dell’energia intorno a sé, nella consapevolezza di quanto tutto possa essere significativo per l’esperienza evolutiva che è necessario compiere; la posa della giovane mostra un’arrendevolezza, l’esigenza di lasciarsi andare alle emozioni per poter comprendere meglio se stessa e il cammino che deve intraprendere. Lo sfondo e i fiori di cui Federica Rampazzo la circonda imitano pertanto il fluire spirituale, sembrano fluttuare intorno alla donna come se fossero un flusso costante in piena comunicazione tra interiorità e ambiente naturale esterno a proteggere quel momento di profonda introspezione.
Nel dipinto Leggerezza l’artista manifesta tutta la sua effervescenza espressiva, la modernità che contraddistingue le sue opere e che rappresenta una connessione tra l’armonia Art Nouveau del passato, testimoniata dallo sfondo in foglie di edera sul giallo dei pigmenti oro, e la freschezza irriverente del presente dove la donna pur essendo consapevole di essere ritratta non si fa problemi a fare un palloncino con la gomma da masticare, come a voler mostrare all’osservatore tutta la sua insolenza anticonformista che non riesce tuttavia a nascondere uno sguardo puro, limpido, perché in fondo spesso il suo è solo un atteggiamento difensivo.
In Spiritual, al contrario, la ragazza è più ingenua, meno consapevole ma al contempo istintivamente orientata a fare la scelta migliore per sé; l’artista la circonda infatti di animali fortemente simbolici e significativi di tutto ciò di cui ha bisogno per effettuare il cammino di crescita interiore e di maturazione verso l’età adulta. Il serpente rappresenta l’astuzia ma anche le conoscenze occulte intese come tesori da conservare e da utilizzare in caso di necessità, il cervo è invece allegorico della gioventù, della forza e dell’amore e infine il gatto che tiene tra le braccia è associato, secondo la mitologia scandinava, alla fertilità, all’amore e alla fortuna ma anche all’indipendenza e alla destrezza.
Il sorriso della giovane mostra la serenità che prova nel sentirsi rassicurata dalla presenza dei tre animali pur trovandosi immersa in una sorta di giungla. Federica Rampazzo ha al suo attivo mostre in Italia e all’ estero – Austria, Germania, Svezia, Norvegia, Danimarca, Finlandia, Estonia, Lettonia, Lituania, Polonia, Repubblica Ceca, Canada, Dubai, Bruxelles, Cina, New York, Parigi, Salisburgo, Barcellona -. Consegue premi e riconoscimenti dalla critica in diverse manifestazioni collettive d’arte.
FEDERICA RAMPAZZO-CONTATTI
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The lively and effervescent reinterpretation of Art Nouveau in the artworks by Federica Rampazzo, when nature embraces contemporaneity
Revisiting certain styles of the past can be for some artists the best way to give their own personal imprint while remaining tied to a pictorial tradition that has in fact constituted the expressive basis on which the authors of the following years, including the current period, have drawn to give life to something new, to reworkings, to evolutions that are the very essence of art of all times.
The customisation and freedom to break away from the traditional and rather specific guidelines at the time when the various movements were born, has thus allowed the interpreters of the modern era to go on to generate unthought-of and unprecedented facets that constitute not only their artistic imprint, but also a way of keeping alive styles that would otherwise remain tied only to the historical period in which they were born; today’s protagonist tackles this type of path by giving a decidedly innovative and original vision to a pictorial expressiveness linked to the pure aesthetics and decorativeness of the subjects depicted, but in this specific case more oriented towards to let emerge meanings and symbols.
Following the rapid process of industrialisation that the European continent underwent in the second half of the 19th century and the depersonalisation of the individual considered only as part of an assembly line, many artists wanted to revive the concept of craftsmanship understood as a manifestation of the creative talent of the human being far removed from the aseptic and impersonal one of machines; thus, towards the last decade of the century and at the turn of the 20th century, the Art Nouveau movement, also called Jugendstil or Stile Liberty or Secessionism or Modernism according to the artists’ country of origin, was born from the insights and guidelines of English Arts and Crafts. The most evident characteristics were the curvilinear, harmonious, delicate lines and the strong presence of nature as a decorative element, symbol of a grace and craftsmanship that could only be achieved by a skilful manual touch and therefore could not be reproduced by a mechanical, industrial process.
Elegance was thus the common point between the poetic and refined works of the Czech Alfons Mucha, considered one of the most symbolic artists of Art Nouveau, and the sumptuous and stately canvases of Gustav Klimt, the great exponent of Viennese Secessionism, and again with the allegorical representations of the paintings of the Dutchman Jan Toorop. The floral theme was strongly present in each of these great exponents of the artistic style and interacted directly with the predominantly female and highly stylised protagonists, transforming itself into decoration or, vice versa, starting from a detail of the hair or clothing it extended modifying its structure to gradually become a branch or the stem of a garland of flowers. But the movement’s strength was also to open up the use and application of its main themes on a multiplicity of materials, thus favouring the wide dissemination of the artworks created, for example, by Alfons Mucha who created many advertising posters, literally changing European aesthetic taste, or to realise the sinuous and decorative forms on all kinds of surfaces, from wood to wrought iron, from glass and crystal to jewellery, thus determining the development and presence of Art Nouveau features in buildings, doorways and underground entrances in major European cities, as in the case of the architect Victor Horta, the Belgian symbol of the movement. Beauty and aesthetics, albeit in a completely different way, also have a great relevance in contemporary society, although today man has completely surrendered himself to technology, to the cameras from which the exponents of early 20th-century painting had tried so hard to distinguish themselves, and therefore, in some artists such as Federica Rampazzo from Udine, arose the need to return to a traditional representation, linked to that past Art Nouveau that remains an important sign and constitutes the basic inspiration of her painting, but which she completely reworked, inserting within the concept of balance between the individual and nature all the modernity to which she and her protagonists belong.
She graduated from the State Institute of Art in Udine, with a specialisation in goldsmithing, embossing and chiselling, and subsequently undertook anatomical study from life under the guidance of teachers from the Academy of Fine Arts in Venice and Brera, producing around two thousand sketches in three years from which she derived her current works; however, her personalisation of Art Nouveau tends towards a pronounced Symbolism and a variation on the theme as she often introduces the presence of animals in her canvases, of which she studies Western semiotics as well as Eastern, Greek, Roman and indigenous ones so that the sense of their presence within a painting is clearer and consequently more comprehensible to the observer. The harmony between intuitive and emotional feeling, and an in-depth study of what each animal represents in the context of distant cultures that are also significant in the present, therefore characterises the works of Federica Rampazzo, who shows a strong predilection for the graphic stroke, thus following in some ways in the footsteps of the 19th century Art Nouveau exponent Aubrey Beardsley, enriched, however, by the presence of gold pigments that infuse her canvases with a fresh, lively and jaunty appearance in which she succeeds in highlighting the contrast between the almost traditional harmony constituted by the presence of flora and fauna, and the modernity of the poses, appearance and behaviours that are sometimes romantic and other times irreverent or uninhibited of her protagonists. The visual result is an interesting and effervescent colour scheme, where Symbolism emerges not in a mysterious and disturbing manner but as a positive energy capable of harmonising with the attitudes of the women portrayed, accompanying the sensations and feelings captured by Federica Rampazzo.
The canvas Anima ricca (Rich soul) therefore shows a total harmony between the girl, dressed and coiffed as if she were straight out of the 1950s, thus highlighting her well-groomed and harmonious appearance, and the surrounding environment through which the artist emphasises an essence that is much deeper than it would appear on the surface; the proximity of the poppy flowers, which seems to enhance the concept of aesthetic perfection, is integrated and enriched with that of the bees, bearers of life through their incessant work of pollinating and creating one of the most precious foods, honey. Federica Rampazzo‘s exhortation is therefore not to stop at appearances, but rather to go and discover what and how much richness can be concealed beyond the image, even where the essence is overshadowed by the form, because it is precisely beneath a glittering patina that hides a silent demand to be understood to the full. In Acqua spirituale (Spiritual water), on the other hand, nature harmonises completely with the enraptured and dreamy expression of the woman who seems immersed in her sensations, in the attentive listening to the energy around her, in the awareness of how significant everything can be for the evolutionary experience that needs to be fulfilled; the young woman’s pose shows a surrender, the need to let go of her emotions in order to better understand herself and the path she must take.
The background and the flowers with which Federica Rampazzo surrounds her, therefore imitate the spiritual flow, they seem to float around the woman as if they were a constant flow in full communication between interiority and external natural environment to protect that moment of deep introspection. In the painting Leggerezza (Lightness), the artist manifests all her expressive effervescence, the modernity that characterises her works and which represents a connection between the Art Nouveau harmony of the past, evidenced by the ivy leaf background against the yellow of the gold pigments, and the irreverent freshness of the present, where the woman, despite being aware of being portrayed, has no problem making a balloon out of chewing gum, as if to show the observer all her non-conformist insolence that nevertheless fails to conceal a pure, limpid gaze, because after all, hers is often just a defensive attitude.
In Spiritual, on the contrary, the girl is more naïve, less aware but at the same time instinctively oriented towards making the best choice for herself; in fact, the artist surrounds her with animals that are highly symbolic and significant of everything she needs to make the journey of inner growth and maturation towards adulthood. The snake represents cunning but also occult knowledge understood as treasures to be preserved and used in case of need, the deer is allegorical of youth, strength and love, and finally the cat she holds in her arms is associated, according to Scandinavian mythology, to fertility, love and luck, but also to independence and dexterity. The young woman’s smile shows the serenity she feels in feeling reassured by the presence of the three animals despite being immersed in a kind of jungle. Federica Rampazzo has to her credit exhibitions in Italy and abroad – Austria, Germany, Sweden, Norway, Denmark, Finland, Estonia, Latvia, Lithuania, Poland, Czech Republic, Canada, Dubai, Brussels, China, New York, Paris, Salzburg, Barcelona -. She has been awarded prizes and critical acclaim at various collective art events.