L’approccio innovativo e filosofico al tema del consumismo nelle opere lineariste di Michael Kaphengst

L’analisi approfondita della società contemporanea con tutti i suoi risvolti e implicazioni sul modo di vivere, ha costituito il focus di molti artisti che hanno trovato voce ed espressione in tutto il periodo moderno, in particolar modo quello seguito all’esplodere di un inaspettato benessere a partire dalla metà del secolo scorso. Gli autori che hanno proseguito il medesimo cammino di studio e osservazione di tutte quelle inconsapevoli abitudini delle persone, quasi divenute parte dell’identità stessa dell’uomo di oggi, hanno messo in evidenza non solo vizi e frivolezze di una comunità globale che risponde a sollecitazioni e impulsi in maniera quasi automatica, ma anche un messaggio sottilmente critico proprio in virtù di immagini accattivanti, sorprendenti e ironiche che richiedono uno sforzo di riflessione ormai perduto nella dimensione della superficie dell’immagine. Il protagonista di oggi è esattamente uno di questi autori.

Intorno alla metà degli anni Cinquanta del Novecento, quando il periodo terrificante delle guerre mondiali cominciava ad allontanarsi lasciando che la società si adattasse ai frenetici ritmi della ricostruzione e di un crescente benessere, di una nuova classe borghese con capacità di acquisto ma senza una cultura di base sufficiente a permetterle di avvicinarsi all’arte intesa nel suo senso più intellettuale e criptico come lo erano state le avanguardie dei primi decenni del secolo, cominciò a farsi strada negli Stati Uniti il pensiero creativo di un innovatore, Andy Warhol, che comprese l’importanza di scegliere un linguaggio comprensibile e immediato proprio per quella nuova classe sociale. La Pop Art si propose dunque di trasformare in opere d’arte tutti quei simboli, le nuove icone in virtù delle quali la cultura si stava trasformando da possibilità di nicchia a fenomeno di massa; le opere di Warhol parlavano di miti del cinema come Marylin Monroe ed Elisabeth Taylor, dei prodotti quotidianamente trovabili negli innovativi supermercati come la zuppa Campbell e il detersivo Brillo, ma soprattutto erano semplici, immediate, colorate ed economiche, grazie alla creazione della serigrafia che proponeva la produzione in copie delle opere. Il movimento che seguì alle idee di quel folletto pioniere prestato all’arte dal mondo della moda ma poi divenutone un protagonista assoluto, mostrò sfaccettature diverse sulla base della narrazione di ciascun interprete. Dunque Roy Liechtenstein e Steve Kaufman esplorarono il mondo dei fumetti, altro fenomeno in forte ascesa negli anni Cinquanta; Robert Rauschenberg e Jasper Johns rimasero invece più legati ai simboli americani come il presidente Kennedy, lo sbarco sulla luna, o più patriottici come le bandiere, nascondendo tra collage e composizioni, anche un’analisi critica sottile quanto percepibile al di sotto dello strato superficiale. E infine l’inglese Richard Hamilton mise in evidenza, attraverso i suoi collage, le nuove abitudini borghesi di riempire le case di oggetti di moda, adeguandosi a tutte le tendenze irrinunciabili ma attraverso cui i media e le pubblicità cominciavano a dettare le regole del mercato, a condizionare all’acquisto e a indurre l’individuo a credere di essere solo se poteva possedere.

Ciò che emerse in maniera evidente dalla ricerca della Pop Art dunque fu l’analisi sagace e acuta di un mondo che vedeva cambiare le sue regole esistenziali, in cui il benessere concedeva piccoli lussi ma anche abitudini comuni e generalizzate che rinchiudevano l’individuo all’interno di processi inconsapevoli; l’arte doveva perciò essere accattivante, popolare e accessibile esattamente come tutti quei marchi e simboli della nuova generazione che stava emergendo modificando le regole della società. L’artista tedesco Michael Kaphengst prosegue dal punto di vista concettuale la ricerca e l’analisi dei pop artists del Ventesimo secolo, seppure scelga un approccio formale differente poiché le sue opere si distaccano in alcuni casi dalla figurazione entrando nella dimensione dell’Astrattismo o restando in una dimensione a metà di impronta puntinista-divisionista, mostrando una poliedricità espressiva che rimane legata solo al concetto filosofico-artistico da lui definito Linearismo sulla base del quale si fonda la sua produzione pittorica.

All’interno di questa meditazione quasi sociologica, la manifestazione creativa ha bisogno di sperimentare, di mescolare materiali e stili pittorici differenti sebbene tutti legati dalla necessità di comprendere quanto il tema del consumismo sia diventato talmente marcato da essersi trasformato in processo lineare, appunto definito Linearismo, da cui diviene impossibile uscire. Ecco perché dal punto di vista visuale Michael Kaphengst tende a circondare i marchi ormai diventati simboli moderni di sfondi puntinisti o divisionisti, proprio per sottolineare quella gabbia inconsapevole dentro cui vive l’uomo contemporaneo; l’impossibilità di sottrarsi a tutto ciò che ormai è un dato acquisito fin dalla nascita, ed enfatizzato con l’acquisto di etichette che si sono sostituite persino al prodotto al loro interno, induce l’autore a considerare l’arte come un mezzo ironico, e a volte ermetico, per cercare di far comprendere all’osservatore questo meccanismo inconscio.

Dunque in alcune tele, quelle in cui il messaggio non è così diretto e facilmente comprensibile, cerca di recuperare quell’immediatezza, quella genuinità che a partire dalla società borghese degli anni Cinquanta è stata perduta e da cui l’uomo attuale non sembra poter più allontanarsi; Michael Kaphengst, inserendo nelle sue tele cenere o foglie nelle mescolate ai colori, suggerisce che è possibile prendere una direzione diversa in cui ciò che conta si può trovare anche all’interno delle piccole cose quotidiane.

Lo sfondo del dipinto Alone, che mostra l’attitudine più Informale dell’autore, è infatti realizzato con la cenere del suo forno, quella sottile patina che resta quando termina il procedimento di cottura; dunque in questo caso, pur essendo comunque un risultato derivante da un processo consumistico inteso nell’accezione più ampia del consumare qualcosa, Michael Kaphengst integra il concetto del riutilizzo e sottolinea quanto possa essere più interessante recuperare piuttosto che acquistare qualcosa di nuovo. La linea gialla è dunque aperta, quasi simboleggiasse una rottura della linearità proprio grazie a un alternativo atteggiamento nei confronti della quotidianità.

Per Funny nature, secondo il medesimo pensiero diretto verso la scoperta di un inedito modo di osservare la realtà, Michael Kaphengst utilizza le foglie del suo giardino per lo sfondo, dando vita così a una composizione in cui tutto sembra fluttuare sulla tela, persino quelle linee discontinue e staccate che sembrano enfatizzare la sensazione già presente nell’opera precedentemente descritta. Le tonalità differenti con cui sono contrassegnati i tubicini svelano le infinite possibilità che si possono presentare nel momento in cui l’individuo riesce a uscire dai quei meccanismi automatici e a recuperare l’essenza del reale che sfugge alle dinamiche di mercato e di condizionamento rendendo così le persone libere di essere ciò che davvero sono.

Il dipinto Snow appartiene invece al lato più esplicito della poetica espressiva di Michael Kaphengst e le tentazioni all’acquisto appaiono reiterate come se fossero un’eco silenziosa che rimbomba nella mente dell’individuo il quale assorbe gli impulsi sussurrati in maniera subliminale attraverso le pubblicità, attraverso la corsa all’oggetto del desiderio di massa, attraverso i messaggi ricevuti continuamente nelle abitudini di tutti i giorni.

Dunque quelle piccole icone scendono come fossero fiocchi di neve da una fetta di formaggio Camembert, che ricorda all’artista la forma di un uomo della neve, mentre al suo interno vengono sistemati come fossero un collage pittorico, tutti quei simboli del consumismo che poi si lasciano cadere singolarmente dal cielo costituito da grandi puntini che ricordano la tecnica del Pointillisme riadatta al Linearismo Pop di Michael Kaphengst.

Il dipinto Dark Shadow rientra invece nello stile del Surrealismo Consumistico, con un’accezione esistenzialista poiché l’ombra citata nel titolo oscura una realtà sottostante alla patina superficiale che contraddistingue la società attuale; sulle nuvolette chiare e leggere l’autore pone ancora una volta quegli emblemi divenuti uno status quo irrinunciabile, oggetti di moda più che prodotti da gustare, evidenziando quanto l’apparenza sia prioritaria in un mondo che sembra ignorare i danni che questo stile di vita provoca all’ambiente. Una società che non ascolta il grido di dolore della natura bruciata, inaridita e soffocata proprio da tutti quei procedimenti, e dagli scarti di utilizzo dei tanto desiderati prodotti di largo consumo, è destinata a non poter mai uscire da quel labirinto dentro cui si è nascosta la propria coscienza e l’attenzione al mondo che la ospita.

Le riflessioni di Michael Kaphengst fuoriescono dunque dalle sue tele in maniera sottile, ogni dettaglio va interpretato sulla base del suo concetto di fare arte che non riesce a essere scisso da quel pensiero filosofico a cui si lega indissolubilmente, confermando quanto la pittura possa essere un mezzo per mettere in risalto fenomeni che appartengono al momento presente e di cui è necessario analizzare le caratteristiche e le implicazioni. Michael Kaphengst ha al suo attivo la partecipazione a molte mostre collettive in Germania, in Italia, in Francia, in Austria, gli sono stati dedicati molti articoli su riviste d’arte e sarà inserito nell’Atlante dell’Arte Contemporanea Giunti 2025-2026 MoMa Edition.

MICHAEL KAPHENGST-CONTATTI

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The innovative and philosophical approach to the theme of consumerism in the linearist artworks by Michael Kaphengst

The in-depth analysis of contemporary society with all its implications on the way of living has been the focus of many artists who have found voice and expression throughout the modern period, especially the one which followed the explosion of unexpected affluence since the middle of the last century. The authors who have pursued the same path of studying and observing all those unconscious habits of people, which have almost become part of the very identity of today’s man, have highlighted not only the vices and frivolities of a global community that responds to urges and impulses almost automatically, but also a subtly critical message precisely by virtue of captivating, surprising and ironic images that call for an effort of reflection now lost in the dimension of the image surface. Today’s protagonist is exactly one of these authors.

Around the mid-1950s, when the terrifying period of the world wars was beginning to recede, leaving society to adapt to the frenetic pace of reconstruction and a growing welfare, of a new bourgeois class with purchasing power but without sufficient basic culture to allow it to approach art understood in its most intellectual and cryptic sense as the avant-garde movements of the first decades of the century had been, began to make its way in the United States the creative thinking of an innovator, Andy Warhol, who understood the importance of choosing a comprehensible and immediate language precisely for that new social class. Pop Art thus set out to transform into works of art all those symbols, the new icons by virtue of which culture was being transformed from a niche possibility to a mass phenomenon; Warhol‘s works spoke of movie legends such as Marylin Monroe and Elizabeth Taylor, of the products daily found in innovative supermarkets such as Campbell’s soup and Brillo detergent, but above all they were simple, immediate, colorful and cheap, thanks to the creation of silk-screen printing, which proposed the production in copies of the artworks.

The movement that followed the ideas of that pioneering pixie lent to art by the fashion world but later became an absolute protagonist, showed different facets based on the narrative of each author. So Roy Liechtenstein and Steve Kaufmann explored the world of comics, another phenomenon on the rise in the 1950s; instead, Robert Rauschenberg and Jasper Johns remained more attached to American symbols such as President Kennedy, the moon landing, or more patriotic ones like flags, hiding between collages and compositions, even a critical analysis as subtle as it is perceptible below the surface layer. And finally, the Englishman Richard Hamilton highlighted, through his collages, the new bourgeois habits of filling houses with fashionable objects, conforming to all the trends that were indispensable but through which the media and advertisements were beginning to dictate the rules of the market, to condition to purchase and to induce the individual to believe that he is only if he can possess. What emerged prominently from the research of Pop Art therefore was the shrewd and acute analysis of a world that saw changing its existential rules in which well-being granted small luxuries but also common and generalized habits that locked the individual within unconscious processes; art therefore had to be appealing, popular and accessible exactly like all those brands and symbols of the new generation that was emerging changing the rules of society.

The German artist Michael Kaphengst continues from a conceptual point of view the research and analysis of the pop artists of the 20th century, although he chooses a different formal approach since his works detach themselves in some cases from figuration by entering the dimension of Abstractionism or remaining in a dimension in the middle of pointillist-divisionist imprint, showing an expressive versatility that remains linked only to the philosophical-artistic concept he calls Linearism on the basis of which his pictorial production is based. Within this almost sociological meditation, the creative manifestation needs to experiment, to mix different materials and pictorial styles although all linked by the need to understand how much the theme of consumerism has become so marked that it has turned into a linear process, precisely defined as Linearism, from which it becomes impossible to exit. That is why from a visual point of view Michael Kaphengst tends to surround the brands that have now become modern symbols with pointillist or divisionist backgrounds, precisely to emphasize that unconscious cage within which contemporary man lives; the inability to escape from all that is now an acquired fact from birth, and emphasized with the purchase of labels that have replaced even the product within them, leads the author to consider art as an ironic, and sometimes hermetic, means to try to make the viewer understand this unconscious mechanism.

So in some of the canvases, those in which the message is not so direct and easily understood, he tries to recover that immediacy, that genuineness that since the bourgeois society of the 1950s has been lost and from which today’s man seems no longer able to move away; Michael Kaphengst, by inserting ashes or leaves in his canvases in the mixed colors, suggests that it is possible to take a different direction in which what matters can be found even within the small everyday things. The background of the painting Alone, which shows the author’s more Informal attitude, is in fact made with the ash from his kiln, that thin patina that remains when the firing process ends; so in this case, even though it is still a result resulting from a consumerist process understood in the broadest sense of consuming something, Michael Kaphengst integrates the concept of reuse and emphasizes how much more interesting it can be to recover rather than to buy something new.

The yellow line is thus open, as if symbolizing a break from linearity precisely through an alternative attitude toward everyday life. For Funny nature, following the same thought directed toward the discovery of an unprecedented way of observing reality, Michael Kaphengst uses the leaves of his garden for the background, thus creating a composition in which everything seems to float on the canvas, even those discontinuous and detached lines that seem to emphasize the feeling already present in the previously described work. The different hues with which the tubes are marked reveal the infinite possibilities that can arise the moment the individual manages to break out of those automatic mechanisms and recover the essence of the real that escapes the dynamics of the market and conditioning, thus making people free to be who they really are. The painting Snow, on the other hand, belongs to the more explicit side of Michael Kaphengst‘s expressive poetics, and the temptations to purchase appear reiterated as if they were a silent echo reverberating in the mind of the individual who absorbs the impulses whispered subliminally through advertisements, through the race for the object of mass desire, through the messages received continuously in everyday habits. So those little icons descend as if they were snowflakes from a slice of Camembert cheese, that reminds the artist the shape of a snowman, while inside it are arranged, as if they were a pictorial collage, all those symbols of consumerism that are then dropped individually from the sky consisting of large dots reminiscent of the Pointillisme technique repurposed in Michael Kaphengst‘s Pop Linearism.

The painting Dark Shadow, on the other hand, falls within the style of Consumerist Surrealism, with an existentialist meaning since the shadow mentioned in the title obscures a reality underlying the superficial veneer that distinguishes today’s society; on the clear and light clouds the author once again places those emblems that have become an indispensable status quo, objects of fashion rather than products to be tasted, highlighting how appearance is prioritized in a world that seems to ignore the damage this lifestyle causes to the environment. A society that does not listen to the cry of pain of nature burned out, parched and suffocated by all those very processes, and the waste from the use of the much-desired consumer products, is destined never to be able to get out of that labyrinth within which it has hidden its consciousness and attention to the world that hosts it. Michael Kaphengst‘s reflections therefore flow out of his canvases in a subtle way, every detail should be interpreted on the basis of his concept of making art that cannot be separated from that philosophical thought to which he is inextricably linked, confirming how painting can be a means of highlighting phenomena that belong to the present moment and whose characteristics and implications need to be analyzed. Michael Kaphengst has to his credit the participation in many group exhibitions in Germany, Italy, France and Austria, many articles in art magazines have been dedicated to him, and he will be included in the Atlas of Contemporary Art Giunti 2025-2026 MoMa Edition.