La reinterpretazione delle origini e degli eventi del Brasile nell’Espressionismo Surrealista di Antonio Obá

Affrontare e conoscere il presente non può non includere anche tutto il percorso che ha condotto alle osservazioni e alle considerazioni di ciò che appare davanti agli occhi, soprattutto perché ogni cosa è di fatto un’evoluzione degli accadimenti precedenti, come se il momento attuale non potrebbe mai essere ciò che è se non vi fosse stato il passato che lo ha generato. Questo vale tanto per il cammino individuale quanto per quello di intere popolazioni le quali hanno saputo resistere e reinventarsi malgrado un destino avverso, circostanze sfavorevoli che hanno permesso a una tempra più coriacea di generarsi. Questo è esattamente l’approccio dell’artista di cui vi racconterò oggi poiché egli racconta attraverso uno stile semplice nell’aspetto ma enigmatico nel significato, tutte le consapevolezze di un’etnia, quella africana del Brasile, che ha dovuto attendere secoli prima di poter far emergere la propria identità e le proprie radicate credenze.

Il Brasile è stato a lungo un paese coloniale, in cui la cultura portoghese venne imposta sugli schiavi deportati dall’Africa per servire i proprietari terrieri bianchi, spesso anche imponendo trattamenti violenti e soffocando le radici culturali delle persone di razza nera; va da sé che per lungo tempo il campo artistico e culturale fosse riservato ai signori bianchi mentre i lavoratori, a quel tempo considerati di proprietà dei loro padroni, venivano lasciati nell’analfabetismo e nell’impossibilità di accedere alla possibilità di fare arte. Intorno agli inizi del Novecento tuttavia, a seguito dell’abolizione della schiavitù e dei venti di cambiamento che giungevano dal Vecchio Continente, l’arte cominciò a interessarsi di quella cultura africana a lungo soffocata, includendo pertanto all’interno di opere di artisti di pelle bianca anche tradizioni, usi e costumi di quella parte di popolazione a cui troppo a lungo era stata tolta la voce. L’adesione al Modernismo di molti autori brasiliani condusse verso una liberazione stilistica ma anche condusse ad affrontare tematiche espressive che permisero a grandi rappresentanti dell’arte di quel periodo come Emiliano di Cavalcanti, di stile cubista-espressionista, ad Anita Malfatti, aderente all’Espressionismo, ma soprattutto a Candido Portinari, vicino al Primitivismo cubista del primo periodo di Picasso, di raccontare scene di quella popolazione africana che tanto era stata fondamentale nella crescita del paese. Djanira da Motta e Silva fu forse la prima pittrice meticcia, la madre austriaca e il padre indigeno, a emergere nel mondo artistico brasiliano; nelle sue opere raccontava le abitudini della sua gente, il forte legame con il Candomblé, la religione Yoruba dell’Angola che gli schiavi avevano continuato a professare nonostante i divieti e le imposizioni legate alla religione cattolica considerato il culto ufficiale del Brasile, la spiritualità del suo popolo. Gli spaccati di vita indigena emergevano nelle sue opere Naif affascinando quel mondo moderno che aveva bisogno di ricevere un punto di vista diverso rispetto al precedente, e soprattutto voleva scoprire tutto ciò che fino a poco prima era rimasto nascosto. Ciò che contraddistinse l’arte brasiliana del Ventesimo secolo fu dunque l’esigenza di distaccarsi dalle influenze europee per dare una visione propria, generando uno stile riconoscibile del più grande paese dell’America Latina che poteva così affrancarsi anche dal punto di vista artistico da un Vecchio Continente che non comprendeva più le sfaccettature del nuovo mondo; tra le autrici che più di tutte rappresentarono il Modernismo Brasiliano, in grado di oltrepassare e reinterpretare le influenze del Primitivismo e del Surrealismo segnando l’inizio dell’Antropofagismo, il movimento in cui letteralmente venivano invitati gli artisti a fagocitare le regole e gli stili artistici europei per far nascere un originale e riconoscibile stile brasiliano, vi fu la grande Tarsila do Amaral. Il contemporaneo Antonio Obá compie invece un cammino a ritroso nella cultura originaria dei suoi antenati, lui che appartiene a quel mondo di pelle nera un tempo discriminato e assoggettato dai padroni bianchi, ripercorrendo tutti gli eventi, ricordando gli imprescindibili legami con la religione originaria dell’Africa, immettendo nelle sue tele tutta la spiritualità, il mistero, il senso di disagio e spesso di superamento di quegli accadimenti rimasti indelebili nella memoria collettiva della sua gente, monito affinché ciò che è stato non si ripeta.

Lo stile pittorico è espressionista, eppure si possono intravedere elementi del Surrealismo come la decontestualizzazione, la spiccata simbologia che emerge dalle sue atmosfere misteriose, gli elementi disorientanti di alcuni dettagli che danno un aspetto onirico alle ambientazioni dell’autore. Dunque i ricordi, gli accadimenti che hanno condotto alla libertà attuale della sua gente, sono subliminati, raccontati con uno sguardo intenso e al contempo desideroso di mantenere quel forte legame con tutto il significante che dalle sue tele fuoriesce, conservando la spiritualità che da sempre appartiene a un popolo incapace di dimenticare o di rinnegare le radici da cui si è evoluto e il luogo da cui si è allontanato.

I suoi messaggi sono criptici, ermetici, inducono l’osservatore ad avvicinarsi alle opere scrutando con attenzione ogni singolo dettaglio perché in ciascuno si nasconde un sotto messaggio quasi come se fosse la porta di accesso a un ulteriore mondo di sensazioni e di pensieri; l’opera Sentinela Kinda sottolinea la dissonanza tra i due protagonisti della tela, il ragazzo moderno completamente concentrato su se stesso e sul piacere effimero di accendersi una sigaretta, e la fiamma molto più sacrale del santo alle sue spalle che sembra inorridire per il gesto dell’altro. Tra loro un’aiuola con una pianta fiorita che proietta la sua ombra sottolineando la distanza insormontabile tra le due figure, una appartenente al mondo reale e l’altra a quella protezione animista che gli schiavi hanno sempre voluto mantenere al punto di nascondere i loro rituali e i nomi dei loro santos dietro la denominazione dei santi cattolici pur di non essere soppressi nella loro libertà di culto.

In Paisagem com criança il Surrealismo emerge dall’ambientazione che appare riferirsi a una scena marina in virtù della sabbia sotto i piedi del giovane alla base del dipinto, ma subito dopo l’attenzione viene attratta da tre cigni che non potrebbero mai solcare l’acqua salata; pertanto l’esortazione implicita di Antonio Obá è di interrogarsi sul significato di quegli animali, di scoprire la simbologia a cui si legano e soprattutto a cercare di capire come mai il ragazzo non viene attratto dalla loro bellezza. È forse un sogno la loro presenza? Oppure un messaggio trascendente che ancora non riesce a cogliere? Questa è la forza delle opere dell’artista, quel suscitare domande a cui spesso diviene impossibile dare una risposta inducendo a continuare a guardare la tela come se lo sguardo fosse calamitato subendo la fascinazione delle sue atmosfere a metà tra realtà e sogno.

Desdobramentos sobre Sankofa evidenzia ancor più questo concetto, questo restare costantemente sospeso tra realtà e immaginazione, tra contingenza e sussurro spirituale di tutto ciò che avvolge il vissuto, ecco perché Antonio Obá colloca il protagonista all’interno di una stanza con una prospettiva improbabile e illusoria, attingendo alle idee di Escher ma riadattandole al suo stile espressivo, inserendo al suo interno degli uccelli che evocano le idee, i concetti di quello sviluppo di cui accenna nel titolo e che provano a librarsi in volo malgrado l’effettiva impossibilità di farlo. Sembra quasi una riflessione su se stesso, quella che compie l’uomo davanti allo specchio, un percorso a ritroso sui suoi sogni, sui desideri e sulle origini; il dipinto è pieno di molti simboli criptici che evocano il difficoltoso cammino della sua gente in un paese che è stato l’ultimo del continente americano ad abolire la schiavitù.

La destabilizzazione surrealista emerge in maniera chiara anche dall’opera Eucalipto, corpo elétrico, dove l’albero sempreverde che simboleggia l’immortalità e la protezione spirituale in virtù della sua robustezza, viene rappresentato tagliato a metà pur tuttavia senza perdere quella capacità di restare in piedi in maniera quasi magica, come se la parte superiore fosse sostenuta dalle nuvole intorno alla sua chioma. Alla base, sdraiato in terra, un giovane uomo che tiene tra le mani una clessidra, sottolineando il veloce passare e inarrestabile del tempo e che dunque è un monito sulla precarietà della vita umana, e in qualche modo chiedendo la protezione dell’albero nella speranza di essere in grado di utilizzare al meglio il suo passaggio in questo mondo. L’atmosfera è ferma, sognante, quasi onirica grazie alla presenza di quella piccola luna tanto lontana quanto essenziale per la sua luminosità, suggerendo forse che seppur apparentemente inafferrabile una possibilità di pace e di serenità esiste.

Antonio Obá, per molti anni insegnante d’arte per bambini, a partire dal 2001 partecipa a mostre collettive in Svizzera, Olanda, Cina, UK, Sud Africa, Francia e ovviamente in Brasile.

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The reinterpretation of Brazil’s origins and events in the Surrealist Expressionism by Antonio Obá

Facing and getting to know the present cannot but also include the whole path that led to the observations and considerations of what appears before one’s eyes, especially since everything is in fact an evolution of previous events, as if the present moment could never be what it is if there had not been the past that generated it. This applies as much to the individual journey as it does to that of entire populations that have been able to resist and reinvent themselves in spite of an adverse fate, unfavourable circumstances that have allowed to be generated a tougher temperament. This is exactly the approach of the artist I am going to tell you about today, as he recounts, through a style that is simple in appearance but enigmatic in meaning, all the consciousness of an ethnic group, the African of Brazil, which has had to wait centuries before its identity and deep-rooted beliefs could emerge.

Brazil was for a long time a colonial country, in which Portuguese culture was imposed on the slaves deported from Africa to serve the white landowners, often even imposing violent treatment and stifling the cultural roots of the black people; it goes without saying that for a long time the artistic and cultural field was reserved for the white lords while the workers, at that time considered a property of their masters, were left illiterate and unable to access the possibility of making art. Around the beginning of the 20th century, however, following the abolition of slavery and the winds of change coming from the Old Continent, art began to take an interest in that African culture that had been stifled for so long, thus including in the works of white-skinned artists also the traditions, customs and habits of that part of the population whose voice had been taken away for too long. The adherence to Modernism by many Brazilian authors led towards a stylistic liberation, but also to expressive themes that allowed great representatives of the art of that period such as Emiliano di Cavalcanti, of Cubist-Expressionist style, Anita Malfatti, adherent to Expressionism, but above all Candido Portinari, close to the Cubist Primitivism of Picasso‘s early period, to depict scenes of that African population that had been so fundamental in the growth of the country. Djanira da Motta e Silva was perhaps the first mestizo painter, her mother Austrian and her father indigenous, to emerge in the Brazilian art world; in her artworks, she recounted the customs of her people, the strong link with Candomblé, the Yoruba religion of Angola that the slaves had continued to profess despite the prohibitions and impositions linked to the Catholic religion considered the official cult of Brazil, the spirituality of her people.

Glimpses of indigenous life emerged in her Naïve paintings, fascinating the modern world that needed to be given a different point of view from the previous one, and above all wanted to discover all that until recently had remained hidden. What distinguished Brazilian art in the 20th century was thus the need to detach itself from European influences in order to give it a vision of its own, generating a recognisable style of the largest country in Latin America that could thus free itself also from an artistic point of view from an Old Continent that no longer understood the facets of the new world; among the authors who most represented Brazilian Modernism, capable of going beyond and reinterpreting the influences of Primitivism and Surrealism, marking the beginning of Anthropophagism, the movement in which artists were literally invited to swallow up European rules and artistic styles in order to create an original and recognisable Brazilian style, was the great Tarsila do Amaral. The contemporary Antonio Obá, on the other hand, goes backwards in time to the original culture of his ancestors, he who belongs to that black-skinned world once discriminated against and subjugated by the white masters, retracing all the events, recalling the inescapable ties with the original religion of Africa, injecting into his canvases all the spirituality, mystery, sense of unease and often of overcoming those events that have remained indelible in the collective memory of his people, a warning so that what has been does not repeat itself. The pictorial style is expressionist, yet one can glimpse elements of Surrealism such as decontextualisation, the marked symbolism that emerges from his mysterious atmospheres, the disorienting elements of certain details that give a dreamlike aspect to the author’s settings.

Thus, the memories, the events that led to his people’s current freedom, are sublimated, recounted with a gaze that is intense and at the same time eager to maintain that strong link with all the signifier that emerges from his canvases, preserving the spirituality that has always belonged to a people incapable of forgetting or denying the roots from which they evolved and the place from which they moved away. His messages are cryptic, hermetic, inducing the observer to approach the artworks by carefully scrutinising every single detail because in each one there is a hidden sub-message almost as if it were the gateway to a further world of sensations and thoughts; the painting Sentinela Kinda emphasises the dissonance between the two protagonists of the canvas, the modern boy completely focused on himself and on the ephemeral pleasure of lighting a cigarette, and the much more sacred flame of the saint behind him who seems to be horrified by the other’s gesture. Between them is a flowerbed with a plant casting its shadow, emphasising the insurmountable distance between the two figures, one belonging to the real world and the other to that animist protection that slaves have always wanted to maintain to the point of hiding their rituals and the names of their santos behind the denomination of Catholic saints so as not to be suppressed in their freedom of worship.

In Paisagem com criança, Surrealism emerges from the setting, which appears to refer to a marine scene by virtue of the sand beneath the young man’s feet at the base of the painting, but immediately afterwards attention is drawn to three swans that could never plough salt water; therefore, Antonio Obá‘s implicit exhortation is to question the meaning of those animals, to discover the symbolism to which they are linked and above all to try to understand why the boy is not attracted by their beauty. Is their presence perhaps a dream? Or a transcendent message that he cannot yet grasp? This is the strength of the artist’s works, that of arousing questions to which it often becomes impossible to give an answer, inducing one to continue looking at the canvas as if one’s gaze were magnetised by the fascination of his atmospheres somewhere between reality and dream.

Desdobramentos sobre Sankofa underlines this concept even more, this constant suspension between reality and imagination, between contingency and the spiritual whispering of everything that envelops experience, which is why Antonio Obá places the protagonist inside a room with an improbable and illusory perspective, drawing on Escher‘s ideas but readapting them to his expressive style, placing birds inside it that evoke the ideas, the concepts of that development he alludes to in the title, and that try to soar despite the actual impossibility of doing so. It almost seems to be a reflection on himself, the one that the man makes in front of the mirror, a journey backwards on his dreams, desires and origins; the painting is filled with many cryptic symbols that evoke the difficult journey of its people in a country that was the last on the American continent to abolish slavery.

The Surrealist destabilisation also emerges clearly from the work Eucalypto, corpo elétrico, where the evergreen tree, symbolising immortality and spiritual protection by virtue of its sturdiness, is depicted cut in half yet without losing that ability to stand upright in an almost magical manner, as if the upper part were supported by the clouds around its crown. At the base, lying on the ground, a young man holds an hourglass in his hands, emphasising the fast passing and unstoppable nature of time and thus serving as a warning about the precariousness of human life, and somehow asking for the tree’s protection in the hope of being able to make the most of his passage through this world. The atmosphere is still, dreamy, almost oneiric thanks to the presence of that small moon that is as distant as it is essential for its luminosity, suggesting perhaps that although apparently elusive a possibility of peace and serenity exists. Antonio Obá, for many years a children’s art teacher, has taken part in group exhibitions in Switzerland, Holland, China, the UK, South Africa, France and, of course, Brazil since 2001.