I battiti emotivi della pittura segnica nelle opere di Petra Mattes, quando l’Espressionismo Astratto incontra l’essenziale

A volte l’arte ha bisogno di posizionarsi in un punto a metà tra coscienza e impulso, tra immediatezza e riflessione senza tuttavia che l’atto espressivo sia mediato da una razionalità che diverrebbe solo un limite al libero fluire di tutto ciò che si trova all’interno del sé e che preme per essere spinto verso l’esterno; gli autori che si avvalgono di questa scelta pittorica si orientano prevalentemente verso uno stile in cui la forma si deve dissolvere per permettere all’istinto di guidare l’inconscio, accompagnandolo letteralmente in quel gesto liberatorio in cui l’emergere della consapevolezza si fonde con l’esigenza di comunicare all’esterno tutto ciò che avrebbe bisogno di troppe parole per essere raccontato. Per Petra Mattes l’arte è esattamente questo, un mezzo per dare voce alle sue sensazioni e ai pensieri che si avvolgono confusi dentro la sua interiorità e che si esplicitano nel momento dell’atto creativo, attraverso uno stile fortemente incisivo e al contempo focalizzato sulla sostanza piuttosto che sulla forma.

Poco prima della metà del Novecento e poco dopo la fine del secondo conflitto mondiale, emerse negli Stati Uniti un movimento artistico rivoluzionario poiché ruppe ancor più ogni regola e ogni schema che già in precedenza erano stati sovvertiti a inizio secolo; le correnti artistiche che più di tutte determinarono un distacco netto dalle regole accademiche furono quelle che vollero affermare la supremazia del gesto plastico su qualsiasi riproduzione della realtà, dando vita a quell’Arte Astratta che fu forse il simbolo più incisivo del nuovo mondo che si stava delineando. Tuttavia l’Astrattismo Lirico, il De Stijl, il Suprematismo, il Costruttivismo e il Razionalismo della Bauhaus avevano mostrato un limite che toccava sia le possibilità espressive degli artisti e sia il coinvolgimento del pubblico il quale non riusciva a sentir muovere le corde emotive che da sempre legavano l’arte all’interazione con l’osservatore. L’Espressionismo Astratto degli anni Cinquanta del Novecento si presentò pertanto come punto di svolta e di connessione tra il desiderio di continuare a perseguire il cammino verso un allontanamento dalla realtà visibile, anche a causa delle devastazioni provocate dal conflitto europeo e a volta vissute in prima persona dagli artisti aderenti in fuga per trovare rifugio in America, enfatizzando però la necessità di abbattere ogni regola esecutiva, ogni schematismo geometrico, ogni limitazione all’impulso creativo degli appartenenti al movimento. L’aspetto formale era completamente indefinito e il ruolo del colore, della scelta cromatica, era fondamentale per conformarsi alla personalità narrativa di ciascun autore e dunque l’esuberanza eccentrica di Jackson Pollock trovava la sua piena realizzazione nell’immediatezza del Dripping, la calma meditativa di Mark Rothko si manifestava con un Color Field le cui sfumature variavano sulla base dell’evocazione che l’autore desiderava suscitare, la Pittura segnica di Franz Kline si legava alla purezza di un gesto forte e incisivo ma necessitante di soffermarsi sul contrasto primordiale tra il bianco e il nero, la loro opposizione e la sostanzialità di un atto puro e non mediato da nulla. Dunque l’Espressionismo Astratto dissolse letteralmente ogni regola e ogni riferimento visivo entrando nella dimensione della non forma, ma soprattutto introdusse l’azione nella pratica pittorica dando vita un’Action Painting che nei decenni successivi fu ampliata e applicata ad altri movimenti come l’Informale Materico, puramente emozionale e quasi sofferente come nel caso di Alberto Burri, o lo Spazialismo di Lucio Fontana, privo di qualsiasi riferimento all’interiorità ma fortemente connesso all’atto che diveniva così protagonista assoluto nella realizzazione dell’opera. L’artista tedesca Petra Mattes riattualizza e fa suo l’approccio dell’Espressionismo Astratto adattandolo alla sua natura femminile meditativa ed equilibrata pur scegliendo quell’atto segnico che in lei diviene manifestazione delle proprie emozioni, dei pensieri, delle idee, dei riferimenti che la inducono a comunicare verso l’esterno, come se tutto ciò che entra anche per un solo istante nel suo mondo emozionale dovesse essere interiorizzato e meditato per poter divenire uno spunto ispirativo ma anche un’interpretazione, una soggettivizzazione del concetto espresso.

Dal punto di vista visivo il suo segno è più morbido di quello di Franz Kline, poiché la sua gamma gromatica si modifica sulla base del tema di volta in volta trattato e soprattutto perché per Petra Mattes l’opposizione tra bianco e nero sarebbe troppo limitante per la sua natura aperta alle sfumature e alla gamma infinita di possibilità che si sviluppano in ogni circostanza e davanti a ogni evento; nelle sue tele sono presenti i grigi, i beige, i celesti, i verdi tenui che sottolineano quanto la sua voce espressiva abbia bisogno di restare nella calma, nella serenità che tuttavia non le impedisce di considerare anche le opposizioni, l’irruenza della realtà talvolta inevitabile.

Per questo suo essere morbida e riflessiva si distacca da un’altra grande esponente dell’Espressionismo Astratto, quell’Helen Frankenthaler che esplorò la sintesi tra Color Field e pittura segnica a colori vivaci e solari; ecco, Petra Mattes al contrario ha bisogno del silenzio dell’ombra e dell’ammorbidimento dei contrasti per riuscire a esprimere con pienezza il suo vero sé, i mezzitoni sono funzionali a lasciare che le emozioni fluiscano sapendo di non dover gridare, di non dover lasciare un impatto immediato, piuttosto devono andare a far vibrare le corde interiori in maniera delicata, attraendo l’osservatore in virtù dell’eco sottile che emanano. Il segno è talvolta più evidente e incisivo, in altre più armonico e tenue, sulla base della sensazione che attraversa l’autrice nel momento in cui si siede davanti alla tela per dare inizio a quell’azione imprescindibile dal suo fare arte.

Heart Beat è una delle opere in cui a prevalere è l’ombra, il buio che tuttavia non è mai puro, non è mai privo di luce, perché è esattamente in quel confine di passaggio che l’ascolto diviene più attento, che la coscienza può percepire e trovare un punto di vista personale e unico; il battito del cuore viene idealmente rappresentato come nel grafico dell’elettrocardiogramma, eppure nell’interpretazione di Petra Mattes emerge molto di più, si percepisce l’atmosfera, il palpitare dei sentimenti che si stratificano e prendono forma pur non avendo bisogno di esplodere, come se per lei il cuore dovesse mostrare le sue fragilità e la sua forza nella protezione di uno scrigno segreto che può essere aperto solo davanti a chi sa meritare di scoprirne le sfumature più intense e vivaci.

La riservatezza dell’animo espressivo di Petra Mattes viene confermata dalla serie di tele intitolate Insecure dove è evidente la sofficità di cui ha bisogno per lasciar fuoriuscire le sensazioni che timidamente desidera raccontare, come se il gesto pittorico fosse l’unico mezzo per permettere alla sua interiorità di mettersi a nudo, di mostrarsi nella sua essenza più autentica senza il timore di essere ferita, o giudicata, o limitata nella sua manifestazione. La continuità dei toni del verde acqua, del rosa tenue e del bianco ghiaccio che sembrano costituire un cuscino morbido e avvolgente, sono interrotti dalla presenza del nero, particolarmente evidente nei bordi della tela ma più sottile nel segno al centro, come se quest’ultimo fosse il simbolo della razionalità e della forza che, nella fase di insicurezza, non viene trovata. D’altro canto però quel centro può anche essere un’esortazione dell’autrice ad attingere proprio a quella scintilla di logica per trovare la determinazione necessaria a uscire dalla zona di comfort e avere il coraggio di affermare il proprio punto di vista e di inseguire la propria strada.

Il dipinto Unintentional rappresenta, al contrario, le spine che appartengono alla vita, quegli sbagli che possono generare un concatenamento di eventi, inarrestabili se non riavvolgendo il tempo per tornare all’azione iniziale; eppure Petra Mattes evidenzia quanto l’imprevisto faccia parte del percorso, senza provocare una ripercussione disastrosa o drammatica se osservato come un modo per comprendere la propria capacità di reagire e di far fronte a ciò che, pur non essendo stato causato da una volontà o da una scelta, è comunque accaduto. Il verde chiaro infonde serenità, comunica pace malgrado la presenza di quei segni aggrovigliati fuoriuscenti dal quadrato nero che stanno a rappresentare il susseguirsi delle circostanze come se fossero un gomitolo caduto in discesa e che si dipana velocemente senza poterne arrestare la caduta; eppure la sensazione finale è equilibrata, consapevole proprio perché quell’evento ha permesso di prendere coscienza delle conseguenze di ogni azione generando maggiore sicurezza di sé anche nel momento dell’errore.

Petra Mattes ha mosso i primi passi nel campo artistico nel 1996 e da lì in avanti la sua vita è stata votata all’arte permettendole di creare un suo stile personale e intimista esplorato come autodidatta a causa dell’impossibilità logistica di frequentare una scuola inconciliabile a quei tempi con il suo ruolo di giovane mamma; ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive e premi d’arte in Italia, Spagna, USA, Germania, Cina, Brasile, Giappone, Belgio, Francia, Svizzera, Monaco, Ungheria, le sue opere sono state presenti in due edizioni della Biennale di Venezia e pubblicate nei principali annuari d’arte italiani comprese tre edizioni dell’Atlante dell’Arte Contemporanea.

PETRA MATTES-CONTATTI

Email: petramattes@t-online.de

Sito web: www.petra-mattes.com/

Facebook: www.facebook.com/profile.php?id=100000411554349

Instagram: www.instagram.com/petramattes/

The emotional pulse of sign painting in the artworks by Petra Mattes, when Abstract Expressionism meets the essential

Sometimes art needs to position itself at a point halfway between consciousness and impulse, between immediacy and reflection, without however allowing the act of expression to be mediated by a rationality that would merely become a limitation on the free flow of everything within the self that presses to be pushed outward; artists who embrace this painterly approach mainly orient toward a style in which form must dissolve to allow instinct to guide the unconscious, literally accompanying it in that liberating gesture where the emergence of awareness mixes with the need to communicate outwardly everything that would require too many words to be told. For Petra Mattes, art is precisely this, a means of giving voice to her feelings and thoughts which are tangled and confused within her inner self and which are expressed in the moment of the creative act, through a style that is both highly incisive and focused on substance rather than form.

Shortly before the mid-20th century and shortly after the end of World War II, emerged in the United States a revolutionary artistic movement that broke even further with every rule and every convention that had already been subverted at the turn of the century; the currents that most decisively marked a clear break from academic rules were those that sought to assert the supremacy of the plastic gesture over any reproduction of reality, giving rise to Abstract Art, which was perhaps the most striking symbol of the new world that was taking shape. However, Lyrical Abstraction, De Stijl, Suprematism, Constructivism, and the Rationalism of the Bauhaus had revealed a limitation that affected both the artists’ expressive possibilities and the audience’s engagement, as the public was unable to feel the emotional resonance that had always linked art to its interaction with the viewer. Abstract Expressionism of the 1950s thus emerged as a turning point and a bridge between the desire to continue moving away from visible reality, partly due to the devastation caused by the European conflict which some participating artists had experienced firsthand while fleeing to seek refuge in America, and the need to break down every technical rule, every geometric schema, and any limitation on the creative impulse of the movement’s members.

The formal aspect was completely undefined, and the role of color, the choice of hues, was fundamental to conforming to each artist’s narrative personality, thus Jackson Pollock’s eccentric exuberance found its full expression in the immediacy of his Dripping, Mark Rothko’s meditative calm manifested itself in a Color Field whose nuances varied according to the mood the artist wished to evoke, Franz Kline’s sign painting was linked to the purity of a strong, incisive gesture that required a focus on the primordial contrast between black and white, their opposition, and the substance of a pure act unmediated by anything. Thus, Abstract Expressionism literally dissolved every rule and every visual reference, entering the realm of non-form, but above all, it introduced action into the practice of painting, giving rise to Action Painting which in the following decades was expanded and applied to other movements such as Informal Art, purely emotional and almost anguished as in the case of Alberto Burri, or Lucio Fontana’s Spatialism devoid of any reference to interiority but strongly connected to the act, which thus became the absolute protagonist in the creation of the work.

The German artist Petra Mattes reinterprets and makes her own the approach of Abstract Expressionism, adapting it to her meditative and balanced feminine nature while choosing a form of mark-making that, in her case, becomes a manifestation of her own emotions, thoughts, ideas, and references that prompt her to communicate outwardly, as if everything that enters her emotional world, even for a single moment, must be internalized and contemplated in order to become not only a source of inspiration but also an interpretation, a subjective rendering of the concept expressed. From a visual standpoint her sign is softer than that of Franz Kline, since her color palette shifts according to the theme addressed in each work and, above all, because for Petra Mattes the opposition between black and white would be too limiting for her nature open to nuances and the infinite range of possibilities that unfold in every circumstance and in the face of every event; her canvases feature grays, beiges, light blues, and soft greens that underscore how much her expressive voice needs to remain in a state of calm and serenity that do not, however, prevent her from also considering opposing forces and the sometimes unavoidable turbulence of reality. Because of this soft, contemplative quality, she stands apart from another great figure of Abstract Expressionism, Helen Frankenthaler, who explored the synthesis between Color Field painting and sign painting in vivid, sunny colors; whereas, Petra Mattes, on the other hand, needs the silence of shadow and the softening of contrasts to fully express her true self; the midtones serve to let emotions flow, knowing they need not shout or make an immediate impact, but rather must gently strike a chord within, drawing the viewer in through the subtle resonance they emit.

The sign is at times more evident and incisive, at others more harmonious and subdued, depending on the sensation the artist experiences when she sits down before the canvas to begin that action essential for her artistic process. Heart Beat is one of those works in which prevails shadow, a darkness that is however never pure, never devoid of light because it is precisely at that threshold of transition that listening becomes more attentive, and consciousness can perceive and find a personal and unique perspective; the heartbeat is symbolically represented as in an electrocardiogram, yet in Petra Mattes’ interpretation emerges much more emerges, one senses the atmosphere and the pulse of emotions that layer and take shape without needing to explode as if, for her, the heart must reveal its fragility and strength while guarding a secret treasure chest that can only be opened to someone worthy of discovering its most intense and vibrant nuances. The reserve of Petra Mattes’s expressive spirit is confirmed by the series of canvases titled Insecure where is evident the softness she needs to let the feelings she timidly wishes to convey flow out, as if the act of painting were the only means to allow her inner self to lay itself bare, to reveal in its most authentic essence without fear of being hurt, judged, or limited in its expression. The continuity of the shades in aqua green, soft pink, and icy white which seem to form a soft, enveloping cushion, is interrupted by the presence of black, particularly evident at the edges of the canvas but more subtle in the mark at the center, as if the latter were a symbol of rationality and strength that, in moments of insecurity, remains elusive.

On the other hand, however, that center may also be the artist’s exhortation to draw upon precisely that spark of logic to find the determination needed to step outside one’s comfort zone and have the courage to assert one’s point of view and pursue one’s own path. The painting Unintentional represents the thorns that are part of life, those mistakes that can set off a chain of events, unstoppable unless one rewinds time to return to the initial action; yet Petra Mattes highlights how the unexpected is part of the journey, without causing a disastrous or dramatic repercussion if viewed as a way to understand one’s ability to react and cope with what, though not caused by one’s will or choice, has nonetheless happened.

The light green instills serenity and conveys peace despite the presence of those tangled lines spilling out of the black square which represent the succession of circumstances as if they were a ball of yarn rolling downhill, unraveling rapidly with no way to stop its descent; yet the final impression is of balance and awareness, precisely because that event allowed her to become conscious of the consequences of every action, fostering greater self-confidence even in the face of error. Petra Mattes took her first steps in the art world in 1996, and from that point on, her life has been devoted to it, allowing her to develop her own personal and intimate style which she explored as a self-taught artist due to the logistical impossibility of attending art school, a commitment that was incompatible at the time with her role as a young mother; she has participated in group exhibitions and received art awards in Italy, Spain, the U.S., Germany, China, Brazil, Japan, Belgium, France, Switzerland, Monaco, and Hungary, her works have been featured in two editions of the Venice Biennale and published in major Italian art yearbooks, including three editions of the Atlante dell’Arte Contemporanea.