I cuori di Lucien Levin, quando l’Espressionismo Astratto incontra l’icona Pop per eccellenza

Spesso nell’immaginario comune si tende a separare nettamente tutto ciò che è concettuale, intellettivo e indefinito dal punto di vista della forma osservata, da ciò che invece appartiene all’emozionalità, a quel filo che unisce l’umanità proprio in virtù di sensazioni legate all’anima piuttosto che alla sfaccettatura individualistica e pragmatica. Nel momento in cui l’arte si pone come ponte tra razionalità e istinto, tra incapacità di esprimersi a parole e consapevolezza dell’universalità del linguaggio pittorico e scultoreo, vi sono pertanto autori che scelgono, all’interno della loro ricerca espressiva, di creare a loro volta una connessione tra simboli e intenti espressivi diversi eppure, grazie a una spiccata capacità di sintesi e di fusione, incredibilmente armonici tra loro. Questo approccio è il fulcro della ricerca pittorica del protagonista di oggi.

Subito dopo la fine della seconda guerra mondiale emerse in tutto il mondo l’esigenza di rimettere al centro l’essere umano con le sue paure, con le sue emozioni rimaste silenti a causa dell’urgenza di combattere un nemico comune che minacciava la pace mondiale. L’arte ebbe dunque due diversi atteggiamenti per superare la fase delicata post-bellica perché da un lato vi furono autori per cui era fondamentale liberare il mondo emozionale permettendo all’interiorità di lasciar fluire tutte le sensazioni che avevano bisogno di far sentire la propria voce, dall’altro vi furono quelli che si focalizzarono sull’ottimismo, sul guardare verso il nuovo mondo che si stava costruendo, più spensierato e superficiale forse proprio come reazione alla gravità di quanto accaduto prima. In questo contesto storico l’Espressionismo Astratto fu il movimento che diede nuova linfa a un’Arte Astratta fino a quel momento troppo asettica, troppo intellettuale e analitica per conquistare un pubblico più ampio e spesso con scarsa formazione specifica. Qualsiasi linea guida fu abbattuta dal gruppo di autori capitanati da Jackson Pollock, impulsivo e irruento dal punto di vista pittorico e che trovò la sua perfetta antitesi nelle atmosfere calme e suggestive di Mark Rothko, perché l’unico elemento che doveva accomunare tutti gli appartenenti al nuovo movimento era l’emozione, la capacità comunicativa che oltrepassava la forma e sceglieva come unico linguaggio il colore e il suo incontro irrazionale con la tela.

La società in via di trasformazione e l’affermarsi di una classe media che accresceva il suo potere di acquisto ma non aveva ancora la capacità di comprendere un’arte troppo indefinita e teorica né la possibilità economica di comprare opere di un livello di fascia alta, fece sì che Andy Warhol elaborasse uno stile in cui la figurazione legata ai simboli e alle icone popolari incontrasse un approccio realizzativo innovativo dando così vita alla serigrafia. Tra i vari soggetti che il genio della Pop Art rese protagonisti, oltre alle dive degli anni Cinquanta come Marylin Monroe, Elisabeth Taylor, Ingrid Bergman e Liza Minnelli, o i grandi personaggi della musica come Mick Jagger, vi furono anche i fiori stilizzati e i cuori che contribuirono a far innamorare il grande pubblico delle sue colorate e vivaci opere. Non solo, anche altri rappresentanti della Pop Art come Keith Haring e Roy Liechtenstein utilizzarono il simbolo del cuore per enfatizzare l’amore romantico, quello tra i personaggi dei fumetti che caratterizzavano lo stile del secondo, e sia per rappresentare l’amore più alto, quello universale in grado di unire le persone al di là delle differenze e dei pregiudizi che il primo, nella società degli anni Ottanta del Novecento, fu costretto a subire.

Entrambe le correnti artistiche, Espressionismo Astratto e Pop Art, opposte dal punto di vista formale, tendevano a focalizzarsi su tutto ciò che apparteneva all’interiorità, al sentire, al considerare la società da un punto di vista soggettivo invece che oggettivo, anche laddove la rappresentazione poteva apparire immediata e superficiale come nell’arte più Pop-olare. L’artista di origini baresi Lucien Levin, ormai da molti anni residente a Torino, costituisce la perfetta fusione e congiunzione tra le caratteristiche dei due movimenti pittorici della metà del Ventesimo secolo, poiché se è vero che le basi, gli sfondi dei suoi dipinti appartengono alla dimensione dell’indefinito, dell’irrazionale necessario all’inconscio per lasciarsi andare dimenticando ogni apporto razionale, lo è anche che la figurazione diviene fondamentale per mettere in evidenza, sotto diversi aspetti collegabili alla sensazione predominante nel momento creativo, il cuore che diviene caratteristica distintiva delle tele dell’autore.

Dunque la Pop Art si lega indissolubilmente alle emozioni dell’Espressionismo Astratto inducendo la gamma cromatica scelta a essere unica voce narrativa in virtù della quale Lucien Levin mostra il suo pensiero, l’accezione che il cuore ha di dipinto in dipinto. La passionalità, la tenerezza, la spontaneità, la forza e la poeticità sono tutti concetti che si legano al simbolo per eccellenza dell’amore, qui inteso nel senso più nobile del termine per sottolineare quel legame che connette gli esseri umani e che va oltre ogni tipo di separazione perché è lo stesso che impedisce all’uomo di dimenticare la propria vera essenza.

L’interconnessione tra anime è dunque posta al centro della ricerca artistica e concettuale dell’autore che utilizza un’immagine iconica per indurre l’osservatore a compiere una riflessione su quanto le energie che attraversano il tempo e lo spazio riescano a fuoriuscire dalla quotidianità creando una dimensione superiore dove la sostanza viene espressa e narrata attraverso la semplicità e l’immediatezza visiva.

Nella tela Alchimia dell’Assenza emerge in maniera intensa la sensazione di nostalgia che prelude tuttavia a un nuovo incontro, pertanto malgrado lo sfondo scuro la percezione è quella di aspettativa di qualcosa che a breve si realizzerà; ecco perché Lucien Levin sceglie il rosa fucsia per raccontare un cuore che vibra di luminosità e allegria nel ricordo dell’emozione e anche nella gioia del ritorno di qualcosa di entusiasmante in grado di coinvolgere l’intera anima. L’assenza è così raccontata dal punto di vista non della mancanza bensì di una presenza costante che accompagna anche i momenti di solitudine, ed è questo il motivo per cui nel titolo l’autore utilizza la parola alchimia, sottintende la magia di un distacco non doloroso piuttosto funzionale a mettere in luce il senso di mancanza di qualcuno che si è allontanato.

In Fiamme dell’Anima predomina invece il caos, quel disordine interiore in cui è difficile distinguere un’emozione dall’altra, né riconoscere quale sia stato l’avvio di un turbinìo di sensazioni troppo ingestibili per essere comprese. Il cuore qui sembra essere reiterato come se ascoltasse la sua stessa eco, come se dovesse fare i conti con una separazione generata da eventi incomprensibili eppure inevitabili forse perché necessari a indurre la riflessione e la presa di coscienza che porteranno al successivo ordine, completamente diverso dal precedente ma certamente più consapevole della propria capacità di rialzarsi dopo una caduta. L’anima non è, e non può essere staccata dalla vita, ne è parte integrante, e dunque tutto ciò che l’individuo compie come esperienza contingente va a generare delle fratture, delle sofferenze o delle evoluzioni che si ripercuotono in essa generando nuovi meccanismi di causa ed effetto attraverso i quali si concretizza il percorso che è chiamata a fare in questo tratto specifico della sua esistenza immortale. Il Dripping è pertanto funzionale a sottolineare quell’incontro tra esperienza temporale e ricezione interdimensionale.

In Love is falling down, Lucien Levin racconta il sogno più romantico, quello a cui il simbolo del cuore viene associato più velocemente nell’immaginario comune, mettendo in luce la poeticità di un sentimento troppo spesso sottovalutato o messo in secondo piano rispetto ad altre esigenze; forse è questo il senso del cadere espresso nel titolo, vuole essere un monito a non dimenticare l’importanza di costruire legami profondi e autentici riconducibili non a fini utilitaristici né a istinti primordiali puramente fisici, bensì alla ricerca di quell’alchimia, quell’affinità elettiva che permetterà all’amore di non perdere la sua vera essenza. Il grigio dello sfondo rappresenta il distacco della società contemporanea, quella tendenza all’isolamento incentivata dall’esistenza dei social media che inducono l’individuo a illudersi di essere parte di una comunità inesistente nella vita reale, mentre il rosa dei cuori in caduta mette in luce il rischio che la tecnologia allontani l’uomo dalla sua umanità, dalla capacità di confrontarsi, di guardarsi negli occhi e di prendersi la mano che sono linfa per il cuore e il fondamento dell’amore.

Due Cuori rappresenta al contrario la poesia del primo incontro, la purezza di sensazioni che portano inevitabilmente i due individui ad avvicinarsi, a percepire la magia nell’aria raccontata da uno sfondo chiaro e luminoso giocato sulle tonalità dell’azzurro, tonalità che da sempre rappresenta la sfera del sogno, della delicatezza, della purezza quasi infantile di tutto ciò che appartiene, appunto, al cuore.

Lucien Levin, noto come L’artista dei cuori, ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive a Bologna, Sarzana, Roma, Venezia e ovviamente Torino, conquistando il pubblico con l’immediatezza del suo messaggio espressivo.

LUCIEN LEVIN-CONTATTI

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The hearts of Lucien Levin, when Abstract Expressionism meets the Pop icon par excellence

In the collective imagination, there is often a tendency to clearly separate everything that is conceptual, intellectual, and undefined in terms of observed form from that which belongs to the emotional realm, to the thread that unites humanity precisely by virtue of sensations linked to the soul rather than to individualistic and pragmatic facets. When art acts as a bridge between rationality and instinct, between the inability to express oneself in words and an awareness of the universality of pictorial and sculptural language, there are therefore artists who choose, within their expressive research, to create a connection between different symbols and expressive intentions which, thanks to a marked ability to synthesize and fuse, incredibly harmonious with each other. This approach is the focus of today’s protagonist’s pictorial research.

Immediately after the end of World War II, there was a worldwide need to put human beings back at the center, with their fears and emotions that had remained silent due to the urgency of fighting a common enemy that threatened world peace. Art therefore took two different approaches to overcoming the delicate post-war period because on the one hand there were artists for whom it was essential to liberate the emotional world, allowing their inner selves to give free rein to all the feelings that needed to be expressed, on the other hand there were those who focused on optimism, on looking towards the new world that was being built, more carefree and superficial, perhaps as a reaction to the gravity of what had happened before. In this historical context, Abstract Expressionism was the movement that gave new life to Abstract Art, which until then had been too sterile, too intellectual, and too analytical to win over a wider audience, often with little specific training. All guidelines were broken down by the group of artists led by Jackson Pollock, impulsive and impetuous from a pictorial point of view who found his perfect antithesis in the calm and evocative atmospheres of Mark Rothko, because the only element that had to unite all the members of the new movement was emotion, the communicative ability that transcended form and chose color and its irrational encounter with the canvas as its only language.

The changes in society and the emergence of a middle class that was increasing its purchasing power but did not yet have the ability to understand art that was too vague and theoretical, nor the economic means to buy high-end works, led Andy Warhol to develop a style in which figuration linked to popular symbols and icons met an innovative approach to creation, thus giving rise to screen printing. Among the various subjects that the genius of Pop Art made protagonists, in addition to the divas of the 1950s such as Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Ingrid Bergman, and Liza Minnelli or the great figures of music as Mick Jagger, there were also stylized flowers and hearts that helped the general public fall in love with his colorful and lively works. Not only that, but other representatives of Pop Art, such as Keith Haring and Roy Liechtenstein, also used the symbol of the heart to emphasize romantic love between the comic book characters that characterized the style of the latter, and to represent the highest form of love, the universal one capable of uniting people beyond the differences and prejudices that the former was forced to endure in the society of the 1980s. Both artistic movements, Abstract Expressionism and Pop Art, although opposed from a formal point of view, tended to focus on everything that belonged to the inner self, to feelings, to considering society from a subjective rather than an objective point of view, even where the representation might appear immediate and superficial, as in more popular art.

The artist Lucien Levin, originally from Bari and now a long-time resident of Turin, represents the perfect fusion and conjunction of the characteristics of the two pictorial movements of the mid-twentieth century, because if it is true that the foundations the backgrounds of his paintings belong to the dimension of the undefined, the irrational necessary for the unconscious to let go and forget all rational input, it is also true that figuration becomes fundamental in highlighting, in various ways connected to the predominant sensation in the creative moment, the heart that becomes the distinctive feature of the author’s canvases. Pop Art is therefore inextricably linked to the emotions of Abstract Expressionism, inducing the chosen color range to be the sole narrative voice through which Lucien Levin expresses his thoughts, the meaning that the heart has in each painting. Passion, tenderness, spontaneity, strength, and poeticism are all concepts linked to the symbol par excellence of love, understood here in the noblest sense of the term to emphasize the bond that connects human beings and goes beyond any kind of separation because it is the same bond that prevents man from forgetting his true essence. The interconnection between souls is therefore at the center of the author’s artistic and conceptual research, who uses an iconic image to induce the observer to reflect on how the energies that traverse time and space manage to escape from everyday life, creating a higher dimension where substance is expressed and narrated through simplicity and visual immediacy. In the canvas L’Alchimia dell’Assenza (Alchemy of Absence), there is an intense feeling of nostalgia that nevertheless preludes a new encounter, so despite the dark background, the perception is that of expectation of something that will soon come to pass; this is why Lucien Levin chooses fuchsia pink to depict a heart that vibrates with brightness and joy in the memory of emotion and also in the joy of the return of something exciting that can engage the whole soul.

Absence is described not from the point of view of loss, but rather as a constant presence that accompanies even moments of solitude and this is why the author uses the word alchemy in the title, implying the magic of a painless detachment that serves to highlight the sense of loss of someone who has gone away. In Fiamme dell’Anima (Flames of the Soul) predominates chaos, that inner disorder in which it is difficult to distinguish one emotion from another or to recognize what started a whirlwind of feelings too unmanageable to be understood. Here the heart seems to be reiterated as if listening to its own echo, as if it had to come to terms with a separation generated by events that are incomprehensible yet inevitable, perhaps because they are necessary to induce reflection and awareness that will lead to the next order, completely different from the previous one but certainly more aware of one’s ability to get back up after a fall. The soul is not, and cannot be, detached from life; it is an integral part of it and therefore everything that the individual does as a contingent experience generates fractures, suffering, or evolutions that reverberate in it, generating new mechanisms of cause and effect through which takes shape the path it is called to follow in this specific stretch of its immortal existence. Dripping therefore serves to emphasize that encounter between temporal experience and interdimensional reception.

In Love is falling down, Lucien Levin recounts the most romantic dream, the one more readily associated with the symbol of the heart in the collective imagination, highlighting the poetic nature of a feeling that is too often underestimated or overshadowed by other needs; perhaps this is the meaning of falling expressed in the title, intended as a warning not to forget the importance of building deep and authentic bonds that are not based on utilitarian purposes or purely physical primordial instincts, but rather on the search for that alchemy, that elective affinity that will allow love to retain its true essence. The gray background represents the detachment of contemporary society, that tendency towards isolation encouraged by the existence of social media, which leads individuals to delude themselves into thinking they are part of a community that does not exist in real life, while the pink of the falling hearts highlights the risk that technology distances humans from their humanity, from the ability to interact, to look each other in the eyes and to hold hands, which are the lifeblood of the heart and the foundation of love. Due Cuori (Two Hearts), on the other hand, represents the poetry of a first encounter, the purity of feelings that inevitably bring two individuals closer together, perceiving the magic in the air conveyed by a clear, luminous background played out in shades of blue, a color that has always represented the realm of dreams, delicacy, and the almost childlike purity of everything that belongs to the heart. Lucien Levin, known as the Artist of Hearts, has participated in group exhibitions in Bologna, Sarzana, Rome, Venice, and, of course, Turin, winning over audiences with the immediacy of his expressive message.