I ricordi fanciulleschi di David Bromley, quando la nostalgia di un mondo più spensierato diventa arte

Nell’arte contemporanea può capitare di imbattersi in una tipologia di autori che sembrano andare controcorrente rispetto alla tendenza a esplorare le pieghe della realtà attuale con tutta la sua complessità e cone le sfaccettature che spesso divengono spunti a cui appigliarsi per manifestare il proprio atteggiamento espressivo sulla base della scelta stilistica; l’attitudine contraria conduce invece l’osservatore a compiere un viaggio a ritroso verso un passato non troppo lontano eppure già dimenticato che però attraverso la rievocazione compiuta da alcuni interpreti torna a divenire protagonista. In questo caso lo stile più funzionale a compiere il percorso necessario a calarsi in quelle atmosfere distanti nel tempo ma ancora parte di un immaginario comune perché tramandate dai racconti di famiglia, è quello figurativo poiché permette agli autori di descrivere il ricordo attraverso la loro interiorità e l’intenzione narrativa che contraddistingue ogni personalità creativa. David Bromley sceglie una figurazione a metà tra immagine e fumetto per contraddistinguere le sue opere più celebri che mostrano il desiderio di rimanere romanticamente legato a una vita in cui tutto era più semplice, più immediato, più spontaneo rispetto alla realtà attuale.

A seguito della fine della seconda guerra mondiale, si diffuse in tutto l’Occidente un nuovo ottimismo, una serenità che era stata sottratta a causa degli eventi bellici e che aveva fatto sprofondare la società europea e quella americana in un antro buio e spaventoso da cui non si riusciva neanche a sperare di poter uscire; invece gli eventi condussero verso la conclusione di quel periodo e così tutta la società, e di conseguenza l’arte, poterono aprirsi all’esplosione di vitalità che sempre segue a un periodo di oscurità. Fu proprio negli Stati Uniti che alcuni artisti decisero non solo di buttarsi alle spalle il pessimismo e la sofferenza celebrando le nuove mode e abitudini che si stavano consolidando nella società, ma anche di andare verso un pubblico nuovo, più fresco e con un’improvvisa capacità di acquisto proveniente dalla nascita di nuove aziende del terzo settore. La Pop Art vide la luce per conquistare quel tipo di pubblico, parlando un linguaggio comune e quotidiano, rendendo protagonisti delle opere divi del cinema, prodotti di largo consumo, personaggi dei fumetti, stilizzazioni che mescolavano l’Espressionismo al tratto cartoonistico molto in voga negli Stati Uniti. Andy Warhol, il genio fondatore del nuovo stile, concentrò la sua produzione sui miti del cinema, della politica, della televisione, sui prodotti dei supermercati che erano status symbol, irrinunciabili nelle case di ogni americano; Roy Lichtenstein si concentrò invece sui fumetti di cui riproduceva anche i suoni onomatopeici e le nuvolette con le frasi e contraddistinse le sue tele con il tipico Puntinismo che le rende immediatamente riconoscibili; e ancora Steve Kaufman che raccontò il mondo dei supereroi. Ma anche l’Inghilterra ebbe uno dei maggiori esponenti del movimento in quel Richard Hamilton che introdusse nelle sue opere il collage per raccontare vizi, virtù, abitudini e nuove mode nella società dell’epoca, in cui la memoria delle devastazioni del passato aveva lasciato spazio a un edonismo e a un inseguimento della frivolezza che emerge in maniera chiara da tutti i suoi lavori. Peter Blake, a sua volta appartenente alla Pop Art inglese, esplorò e consolidò l’uso della tecnica mista anticipata da Hamilton mescolandola in maniera più evidente all’apporto manuale del colore inserendo solo alcuni frammenti di collage; e infine David Hockney in cui la Pop Art di appartenenza di fatto tendeva in maniera evidente e a volte preponderante verso le tinte più Fauves dell’Espressionismo. In tutti questi autori il focus era, ancora una volta, sulla realtà contemporanea, sulle sue mode, sulla cultura consumistica che stava emergendo e predominando nella quotidianità.

L’arista di origini britanniche David Bromley, ormai da moltissimi anni residente in Australia, assorbe l’approccio pittorico marcatamente Pop sebbene le sue ambientazioni siano sempre sfumate per enfatizzare l’appartenenza a un’epoca lontana, come uscissero dallo scrigno della memoria; dunque nel suo caso non emerge il contatto con le mode, i vizi e le virtù, o le sottili critiche alla contemporaneità dei suoi predecessori, bensì mostra uno sguardo indietro, un desiderio di mettere in evidenza la serenità e la spensieratezza di anni in cui tutto sembrava diverso, meno complesso e sicuramente più sereno. Lo stile figurativo è funzionale dunque a tratteggiare quelle atmosfere che sembrano uscire dalle fotografie color seppia di fine Ottocento, o alle immagini in bianco e nero delle pellicole di Charlie Chaplin che fanno emergere il romanticismo, inteso nel senso più ampio del termine, delle sue ambientazioni soprattutto perché l’autore concentra gran parte della propria produzione sul mondo dei bambini, mettendone in luce la curiosità, la capacità di condivisione, il fascino esercitato da figure singolari come quelle circensi, il desiderio di rendere ogni cosa un magnifico momento di gioco.

Guardando i suoi dipinti si respira la spensieratezza, l’attitudine a sognare un futuro imprevedibile ma determinabile sulla base dell’impegno e del desiderio di realizzarlo e forse è questo il motivo per il quale in molte tele i bambini sono di spalle, appoggiati a una staccionata come se fossero affacciati alla finestra di ciò che potrà essere il domani, uniti dall’amicizia e dalla voglia di stare insieme e condividere che poi è nella natura stessa dell’essere umano fin dagli albori dei tempi.

Nel mondo infantile tutto è possibile, l’immaginazione riesce a far sì che non esistano ostacoli e dunque ogni bambino può credere di trasformarsi magicamente in tutto ciò che vuole, esattamente come avviene nel circo, mondo di cui David Bromley spesso tratteggia le figure emblematiche come i clown e gli acrobati, da sempre ammalante per il suo evocare il senso di libertà, lo spostarsi di città in città e il poter essere protagonisti di ciò che si ama fare senza prendersi le responsabilità di diventare adulti.

Circus friends infatti si sofferma esattamente su questo concetto di divertimento, di gioco perenne in cui tutti i circensi vivono conservando intatte le sensazioni e la purezza del mondo fanciullesco; i bambini sono vestiti come i personaggi emblematici dello spettacolo più coinvolgente, dove trampolieri, ballerine, pagliacci e giocolieri condividono l’aspetto ludico del lavoro e inducono altri bambini a volersi unire a loro, esattamente come il burattino Pinocchio fu attratto dal gatto e la volpe nel Paese dei Balocchi. Nel dipinto di David Bromley tuttavia i giovani si fermano dietro la recinzione, come se fossero consapevoli che non tutto può sempre essere solo sogno e divertimento, esiste anche la necessità di concretezza, di aggrapparsi alla razionalità per costruire un cammino solido e rassicurante.

In Dancing by Moonlight l’autore enfatizza la sua attitudine a rimanere all’interno della fiaba, di una dimensione dove tutto viene ricondotto allo svago, dove gli animali possono assumere sembianze e atteggiamenti umani e ballare alla luce della benevola luna che guarda sotto di sé partecipando alla gioia che vede trasparire dalla volpe e dal coniglietto. Il bambino, vestito da soldatino, scruta all’interno della bottiglia come farebbe un pirata con il suo cannocchiale, pronto a intravedere la prossima avventura dentro a cui lanciarsi; i contorni descrittivi sono scuri e marcati mentre il resto del colore è dato in modo sfumato, quasi invecchiato proprio per sottolineare l’appartenenza delle sue narrazioni a un passato relativamente lontano in cui la società era più pura, meno complessa e ancora desiderosa di apprezzare le piccole cose, le avventure dell’immaginazione che oggi sembrano essere affidate alla tecnologia impedendo ai giovani di vivere davvero.

Questo concetto è ancora più evidente in A moment in time, dove un ragazzo si immerge nel ricordo di momenti di gioco antichi, come la cavallina o il dondolo su cui un coraggioso condottiero sguaina la sua spada e carica con sé la sua dama volendola proteggere. Il protagonista di quelle memorie è un giovane a cui forse quelle esperienze sono state raccontate, e dunque non può che immaginarle, oppure potrebbe essere il fanciullo interiore che si trova nascosto dentro ogni adulto, che prova nostalgia per la spensieratezza di un tempo lontano. Ma a emergere in modo piuttosto chiaro dal dipinto è un sospiro derivante dalla presa d’atto che quella dimensione conviviale, scherzosa e al contempo romantica proprio per la sua attitudine a indurre i protagonisti a trasformarsi di volta in volta in personaggi diversi, non esiste più nella realtà contemporanea e dunque David Bromley la celebra attraverso le sue opere dall’aspetto fortemente Pop che solleticano la memoria comune, lo sguardo indulgente verso l’innocenza del passato e il rammarico per la consapevolezza che tutta quella fantasia non è più stimolata nei bambini di oggi, troppo concentrati sui giochi elettronici che ne deviano la capacità di vivere avventure affascinanti in prima persona.

David Bromley riceve costantemente ampi consensi e notorietà in Australia e a livello internazionale, ha esposto in quasi tutti i continenti, tra cui Asia, Europa, Africa e America e le sue opere fanno parte di collezioni private e pubbliche, come la Art Gallery of South Australia, la National Gallery of Victoria e la Art Gallery of Western Australia.

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David Bromley’s childhood memories, when nostalgia for a more carefree world becomes art

In contemporary art, one may come across a certain type of authors who seems to go against the grain of the prevailing trend to explore the intricacies of current reality, with all its complexity and multifaceted aspects which often serve as starting points for expressing the artistic stance based on stylistic choices; the opposite approach, however, leads the viewer on a journey back to a not-too-distant yet already forgotten past, which through the evocation by certain artists once again takes center stage. In this case, the style best suited to taking the necessary journey to immerse oneself in those atmospheres, distant in time yet still part of a shared imagination because they have been passed down through family stories, is the figurative one as it allows artists to depict memory through their inner world and the narrative intent that distinguishes every creative personality. David Bromley chooses a style halfway between painting and comics to characterize his most famous works, which express a desire to remain romantically attached to a life in which everything was simpler, more immediate, and more spontaneous than in today’s reality.

Following the end of World War II, a new sense of optimism spread throughout the West, a serenity that had been taken away by the events of the war and that had plunged European and American society into a dark and frightening abyss from which there seemed no hope of escape; instead, events led to the conclusion of that period and so society as a whole, and consequently art, was able to open itself up to the burst of vitality that always follows a period of darkness. It was precisely in the United States that some artists decided not only to cast pessimism and suffering aside by celebrating the new fashions and customs taking root in society, but also to reach out to a new, fresher audience with a sudden purchasing power stemming from the emergence of new companies in the third sector. Pop Art emerged to conquer that audience speaking a common, everyday language and making the protagonists of its works movie stars, consumer products, comic book characters, and stylized images which blended Expressionism with the cartoonish style then all the rage in the United States. Andy Warhol, the genius who founded this new movement, focused his work on icons from film, politics, and television, as well as on supermarket products that served as status symbols, items indispensable in every American household; Roy Lichtenstein, on the other hand, focused on comic books even reproducing their onomatopoeic sounds and speech bubbles, and distinguished his canvases with the characteristic Pointillism that makes them instantly recognizable; and then there was Steve Kaufman, who depicted the world of superheroes.

But England too had one of the movement’s leading figures in Richard Hamilton who introduced the collage into his works to depict the vices, virtues, habits, and new fashions of the society of the time in which the memory of past devastation had given way to hedonism and a pursuit of frivolity that emerges clearly in all his canvases. Peter Blake, also part of the British Pop Art movement, explored and refined the mixed-media technique pioneered by Hamilton blending it more visibly with the manual application of color while incorporating only a few collage fragments; and finally, David Hockney whose Pop Art style clearly and at times predominantly leaned toward the more Fauves hues of Expressionism. For all these artists, the focus was, once again, on contemporary reality, its fashions, and the consumer culture that was emerging and dominating everyday life. The British-born artist David Bromley, who has been living in Australia for many years now, embraces a distinctly Pop approach to painting, although his settings are always rendered in soft tones to emphasize their belonging to a distant era, as if they had emerged from the treasure chest of memory; thus, in his case, there is no evident engagement with the fashions, vices, and virtues or the subtle critiques of contemporary society found in the work of his predecessors; rather he offers a look back, a desire to highlight the serenity and carefree spirit of years when everything seemed different, less complex, and certainly more peaceful. The figurative style thus serves to evoke those atmospheres that seem to emerge from late 19th Century sepia toned photographs, or from the black and white images of Charlie Chaplin’s films, which bring out the romanticism, in the broadest sense of the term, of his settings, especially since the artist focuses much of his work on the world of children, highlighting their curiosity, their capacity for sharing, the fascination exerted by unique figures such as circus performers, and their desire to turn everything into a magnificent moment of play. Looking at his paintings, one receives a sense of lightheartedness and a readiness to dream of a future that unpredictable but shapeable with dedication and the desire to bring it to fruition and perhaps this is why, in many of the canvases, the children are depicted from behind, leaning against a fence as if gazing out the window at what tomorrow might hold, united by friendship and a shared desire for togetherness, something that has been part of human nature since the dawn of time. In the world of childhood anything is possible, imagination ensures that no obstacles exist, and so every child can believe he can magically transform into anything he wants, just as happens in the circus, a world whose iconic figures such as clowns and acrobats David Bromley often depicts, a world that has always captivated with its evocation of freedom, the journey from city to city, and the chance to be the protagonists of what one loves to do without having to shoulder the responsibilities of adulthood.

In fact Circus Friends focuses precisely on this concept of fun, an endless game in which all circus performers live while preserving the feelings and purity of a child’s world; the children are dressed as the iconic characters of the most captivating show, where stilt walkers, dancers, clowns, and jugglers share the playful aspect of their work and inspire other children to want to join them, just as the puppet Pinocchio was drawn to the cat and the fox in Toyland. In David Bromley’s painting, however, the young people pause behind the fence, as if aware that not everything can always be just dreams and fun, there is also a need for practicality, for clinging to rationality to build a solid and reassuring path. In Dancing by Moonlight, the artist emphasizes his tendency to remain within the realm of fairy tales, a dimension where everything is reduced to play, where animals can take on human forms and behaviors and dance in the light of the benevolent moon, which looks down from above sharing in the joy radiating from the fox and the little rabbit. The child, dressed as a little soldier, peers into the bottle as a pirate might through his spyglass, ready to catch a glimpse of the next adventure to throw himself into; the descriptive outlines are dark and bold, while the rest of the color is rendered in a soft, almost aged manner precisely to emphasize that these narratives belong to a relatively distant past when society was purer, less complex, and still eager to appreciate the little things, the adventures of the imagination that today seem to be entrusted to technology, preventing young people from truly living.

This concept is even more evident in A Moment in Time where a boy immerses himself in memories of old-fashioned games, such as leapfrog or the seesaw, on which a brave leader unsheathes his sword and charges forward with his lady in tow, determined to protect her. The protagonist of those memories is a young man who may have simply been told about those experiences and can therefore only imagine them, or he might be the inner child hidden within every adult, who feels nostalgia for the carefree days of a bygone era. Yet what emerges quite clearly from the painting is a sigh born of the realization that this dimension convivial, playful and at the same time romantic precisely because it prompts the protagonists to transform into different characters, no longer exists in contemporary reality and so David Bromley celebrates it through works with a distinctly Pop aesthetic that stir the collective memory by evoking an indulgent gaze upon the innocence of the past and a sense of regret over the realization that such imagination is no longer sparked in today’s children who are too focused on electronic games that divert them from experiencing fascinating adventures firsthand. David Bromley consistently receives widespread acclaim and recognition in Australia and internationally, he has exhibited on nearly every continent, including Asia, Europe, Africa, and the Americas, and his works are part of both private and public collections, such as the Art Gallery of South Australia, the National Gallery of Victoria, and the Art Gallery of Western Australia.