Il Narrativismo di Volker Rossenbach, tra riferimenti alla storia dell’arte e attitudine alla trasversalità espressiva

Esistono percorsi di vita e attitudini appartenenti ad alcuni esponenti del mondo dell’arte contemporanea, che conducono verso la necessità e la presa d’atto che l’approccio figurativo non debba necessariamente essere distinto da quello letterario, filosofico, storico e sociologico che possono così unirsi per dare un punto di vista insolito proprio in virtù della sua indefinitezza di inquadramento all’interno di un unico settore. Non solo, vi sono autori che aggiungono anche la necessità assolutamente contemporanea, di misurarsi con mezzi meno tradizionali, meno ortodossi se così si vuole definirli, e pertanto decisamente distanti dallo stile pittorico che ne risulta eppure incredibilmente armonici e collocati i una modernità ormai irrinunciabile. Il protagonista di oggi è tutto questo e molto di più, poiché attinge alla sua profonda conoscenza della storia dell’arte e della letteratura e le mescola insieme assorbendo le intuizioni e le teorie degli avanguardisti del Novecento.

Nei primi decenni del Ventesimo secolo la società culturale fu suo malgrado costretta ad assistere a uno stravolgimento di tutte le convinzioni, le certezze e le regole che avevano contraddistinto l’arte precedente, nel momento in cui un movimento denominato Dadaismo, nato in Svizzera ma poi allargatosi ad altri paesi europei, cominciò a mostrare un’attitudine dissacratoria, sarcastica e polemica nei confronti del sistema arte di quell’epoca. Al di là della rappresentazione visiva che ne derivò, basata sulla trasformazione ironica di qualsiasi oggetto in opera d’arte, ciò che risultò innovativo fu l’introduzione, o meglio l’unione, di altre discipline nella sperimentazione che autori come Tristan Tzara, Hans Arp e Marcel Duchamp consideravano determinante per l’intero movimento. Teatro, fotografia, collage e fotomontaggio furono le sinergie anticipate dai dadaisti e poi riprese e tradotte in materie di insegnamento della Bauhaus, la grande e rivoluzionaria scuola d’arte applicata della Repubblica di Weimar, in Germania, che non si limitò a utilizzare le intuizioni dei suoi predecessori della corrente svizzera bensì scelse di introdurre anche molte altre tecniche che potevano fondersi all’arte così come anticipato da un altro movimento fondamentale appena antecedente, quello dell’Arts and Crafts.

Essendosi evoluti i tempi ed avendo la società subìto una profonda trasformazione, divenne necessario per il direttore della scuola, Walter Gropius, inserire nel programma di studio materie come l’architettura, il teatro, la grafica, la pubblicità, la tessitoria, i lavori in metallo e molte altre discipline considerate artigianali ma in piena armonia con l’arte intesa nel suo concetto più elevato e completo. Pur ispirandosi formalmente al De Stjil, il percorso della Bauhaus sancì l’importanza della contaminazione tra vari approcci espressivi e attraverso cui era possibile collegare e introdurre quelle innovazioni che nel corso degli anni, e soprattutto dopo la fine del secondo conflitto mondiale, cominciarono a prendere piede. Una fra queste fu la Computer Art, creata da un matematico e da un filosofo, Ben Laposki e Manfred Frank che attraverso degli oscillografi utilizzarono le onde luminose per creare linee artistiche indefinite e astratte; quegli esperimenti furono solo l’inizio di un’Arte Digitale ostacolata e considerata come mezzo espressivo minore perché alla portata di tutti ma che nell’attualità si è perfezionata richiedendo una particolare abilità esecutiva trovando molti ambiti di applicazione, dall’arte alla grafica, dalla pubblicità alle installazioni multimediali soprattutto per quegli autori che amano sperimentare e fondere diverse tecniche, meritandosi un posto di primo livello nel mondo dell’arte contemporanea. L’artista tedesco Volker Rossenbach ha compiuto un cammino professionale che lo ha sempre portato in contatto con le innovazioni ma anche con la sua vivacità mentale e culturale in virtù della quale ha effettuato un approfondimento non solo dell’arte ma anche della letteratura e della storia che sono sempre mescolate a una rappresentazione visiva classica, quasi rinascimentale, che si avvale però della digitalità.

Le infinite possibilità ormai acquisite dall’Arte Digitale, e una necessità di ritorno a un’estetica classica e tradizionale, dunque in qualche modo in opposizione ai primi tempi della sua applicazione pratica, segnano il suo stile visivo che viene eseguito attraverso una fusione di disegni e foto arricchiti con filtri e strutture, poi successivamente scansionati e composti in un’immagine utilizzando Photoshop e Illustrator; su cui poi opera attraverso l’apporto manuale con l’utilizzo di colori acrilici, pennarelli e gesso per infondere all’opera l’aspetto definitivo.

La sua più recente produzione si ispira a motivi tratti dalla letteratura internazionale con i più forti accenti narrativi e li mescola a citazioni e riferimenti a capolavori della storia dell’arte in cui non manca la sua visione ironica e la sua interpretazione legata a riflessioni su temi di attualità, quasi Volker Rossenbach volesse sottolineare quanto in fondo il passato non sia poi così distante dal presente, malgrado l’esteriorità differente.

Questo è forse il senso più profondo della denominazione che ha scelto di dare alla sua arte, al suo approccio pittorico costituito dalla tecnica mista più attuale, quello cioè di Narrativismo, dove la tradizione artistica studiata nel corso degli anni diviene interprete dei riferimenti a pensieri filosofico-narrativi di autori di ogni parte del mondo purché affini al momento esecutivo, e al contempo riconducibili all’osservazione sociologica e personale su un mondo che sembra correre troppo in fretta per essere capace di fermarsi per osservare la bellezza dell’assaporare il singolo momento.

È esattamente questo il filo di pensiero che emerge dall’opera Mystwelt (Autoritratto sull’isola di Myst) dove Volker Rossenbach posiziona se stesso di spalle in uno scenario similare all’opera celeberrima del pittore romantico tedesco Caspar David Friederich intitolata Viandante sul mare di nebbia; diversamente dall’autore ottocentesco, qui l’opera è arricchita di particolari metafisici a simboleggiare quanto ogni cosa seppure chiaramente visibile e non avvolta dal velo di nebbia, possa in ogni caso costituire un mistero inspiegabile a meno che non si abbia la pazienza e la volontà di soffermarsi e andare più a fondo della visione superficiale. La giacca ricorda le sovrapposizioni tra vuoti e pieni delle visioni surrealiste di René Magritte, mentre in basso a destra si scorge uno dei manichini di Giorgio De Chirico; l’opera rappresenta in fondo la sintesi della vita di Volker Rossenbach, un lungo percorso all’interno della storia dell’arte e delle opere letterarie più coinvolgenti da cui emerge il messaggio di Antoine de Saint-Exupéry ne Il piccolo principe, e cioè che l’essenziale è invisibile agli occhi.

Nell’opera Der Wald des magischer Wesen (La foresta delle creature magiche) associa la bellezza variopinta della natura alla presenza di animali tropicali come il pappagallo, il tucano, il camaleonte, mettendo al centro della scena l’immagine di una pittrice considerata un’eroina quasi soprannaturale per la sua capacità di convivere con il dolore ma anche per essere stata capace di lasciare un profondo segno nella storia dell’arte del Novecento, parlo ovviamente di Frida Kahlo. Accanto a lei, in un mondo futuristico, l’autore inserisce una sorta di donna umanoide, proiezione di come potrebbe essere l’uomo del domani in un contesto dove la vivacità della natura viene attenuata forse a causa del mancato rispetto di essa da parte dell’uomo di oggi. La magia a cui fa riferimento il titolo attraversa dunque il tempo azzerando i confini e permettendo una visione trasversale che può diventare monito a prestare più attenzione a come potrebbe diventare il futuro tenendo sempre davanti a sé l’armonia e la vitalità del passato.

Siddharta ha invece un doppio significato perché da un lato costituisce una sintesi visiva da parte di Volker Rossenbach del capolavoro di Herman Hesse a cui si riferisce il titolo, e dall’altro è manifesto del suo significato più profondo, quello per il quale il piccolo romanzo è diventato celebre nell’epoca di pubblicazione, e cioè quella ricerca di sé, dell’ansia di trovare se stessi, dell’orgoglio dell’individuo davanti al mondo e alla storia, in un periodo, quello immediatamente successivo alla seconda guerra mondiale, in cui ogni certezza e ogni riferimento erano stati perduti a causa delle atrocità naziste. Nell’opera emerge tutta l’atmosfera mistica e orientale che contraddistingue il romanzo, così come la simbologia di libertà, di riferimento alla vera essenza più alta e spirituale su cui si era basata la conoscenza e la capacità di autoanalisi di Siddharta; l’aspetto mistico della figura al centro del dipinto è reso persino più suggestivo dalla presenza di colori vivaci e pieni, riconducibili alla filosofia hippie da cui il libro è spesso stato considerato come simbolo dei valori di un movimento che ha cambiato il mondo.

Volker Rossenbach si è laureato in design grafico nel 1969 e dopo aver lavorato come art director e creative director per agenzie internazionali come Leo Burnett o Grey, ha fondato una sua agenzia, la E/B/D a Düsseldorf e le sue opere tra cui la grande campagna Coca Cola dal 1976 al 1978, sono state premiate più volte. Dai lavori di più forte impronta sperimentale dei primi anni del suo percorso, è approdato ora a una visione più figurativa e tradizionale, sempre però mantenendo la sua attitudine a utilizzare e mescolare mezzi espressivi innovativi e fuori dagli schemi; ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive e personali in Germania.

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Narrativism by Volker Rossenbach, between references to art history and a propensity for expressive transversality

There are life paths and attitudes belonging to some exponents of the contemporary art world, which lead to the necessity and the recognition that the figurative approach does not necessarily have to be distinguished from the literary, philosophical, historical and sociological ones, which can thus combine to offer an unusual perspective precisely by virtue of its vagueness of framing within a single sector. Not only that, but there are artists who also embrace the distinctly contemporary need to engage with less traditional, less orthodox—if one wishes to define them thus—media, and therefore ones that are decidedly distant from the resulting pictorial style, yet incredibly harmonious and situated within a modernity that is now indispensable. Today’s protagonist embodies all this and much more, as he draws upon his profound knowledge of art history and literature, blending them together while absorbing the insights and theories of the 20th-century avant-garde. Furthermore, there are authors who also add the absolutely contemporary need to engage with less traditional, less orthodox, if one may call them that, means and therefore decidedly distant from the resulting pictorial style yet incredibly harmonious and situated within a now indispensable modernity. Today’s protagonist is all this and much more, drawing on his profound knowledge of art history and literature and blending them together, absorbing the insights and theories of the twentieth-century avant-gardists.

In the early decades of the Twentieth century, cultural society was reluctantly forced to witness an upheaval of all the beliefs, certainties, and rules that had characterized previous art, when a movement called Dadaism, born in Switzerland but later spreading to other European countries, began to display a desecrating, sarcastic, and polemical attitude toward the art system of the time. Beyond the resulting visual representation, based on the ironic transformation of any object into a work of art, what was innovative was the introduction, or rather the union, of other disciplines into the experimentation that artists like Tristan Tzara, Hans Arp, and Marcel Duchamp considered crucial to the entire movement.

Theater, photography, collage, and photomontage were the synergies anticipated by the Dadaists and later taken up and translated into the teachings of the Bauhaus, the great and revolutionary school of applied arts in the Weimar Republic, Germany, that did not limit itself to utilizing the insights of its predecessors in the Swiss movement, but also chose to introduce many other techniques that could be fused with art, as anticipated by another fundamental movement just before it, that of Arts and Crafts. As times changed and society underwent profound transformation, it became necessary for the school’s director, Walter Gropius, to include in the curriculum subjects such as architecture, theater, graphics, advertising, weaving, metalwork, and many other disciplines considered artisanal yet in full harmony with art, understood in its highest and most comprehensive sense. While formally inspired by De Stjil, the Bauhaus movement established the importance of merging various expressive approaches, enabling the connection and introduction of innovations that began to take hold over the years, especially after the end of the Second World War. One between this was Computer Art, created by a mathematician and a philosopher, Ben Laposki and Manfred Frank, who through oscilloscopes used light waves to create indefinite and abstract artistic lines.

These experiments were just the beginning of a Digital Art movement that was hindered and considered a lesser means of expression because it was accessible to all but that now has evolved requiring special executional skill and finding a wide range of applications, from fine art to graphics, from advertising to multimedia installations, especially for those artists who enjoy experimenting and blending different techniques, earning it a prominent place in the world of contemporary art. German artist Volker Rossenbach followed a professional career path that has always brought him into contact with innovation, but also with his intellectual and cultural vivacity thanks to which he delved not only into art, but also into literature and history, always blending them with a classical, almost Renaissance-style visual representation that albeit draws on digital technology. The infinite possibilities now available to digital art, and a need to return to a classical and traditional aesthetic, someway in opposition with the early days of its practical application, shape his visual style, which is executed through a fusion of drawings and photographs enriched with filters and textures, then scanned and composed into an image using Photoshop and Illustrator; on which he then works on it manually, using acrylic paints, markers, and chalk to give the work its final appearance. His most recent production draws inspiration from motifs drawn from international literature with the strongest narrative overtones, blending them with quotations and references to art history masterpieces, infused with his ironic vision and interpretation, rooted in reflections on current issues, almost as if Volker Rossenbach wanted to emphasize how, ultimately, the past is not so distant from the present, despite its different exterior.

This is perhaps the deepest meaning of the name he chose to give to his art, to his pictorial approach, which utilizes the most contemporary mixed technique, Narrativism where the artistic tradition studied over the years becomes interpreter of references to philosophical and narrative thoughts from authors from around the world, provided they are relevant to the moment of execution and, at the same time, traceable to his sociological and personal observation of a world that seems to move too fast to be capable of stopping to observe the beauty of savoring the individual moment. This is precisely the train of thought that emerges from the artwork Mystwelt (Self-Portrait on the Island of Myst), where Volker Rossenbach positions himself from behind in a setting similar to the celebrated work by the German Romantic painter Caspar David Friederich, Wanderer Above the Sea of ​​Fog; unlike the 19th-century artist, the work is enriched with metaphysical details, symbolizing how everything, even if clearly visible and not shrouded in fog, can nevertheless constitute an inexplicable mystery unless one has the patience and will to linger and delve deeper than the superficial view.

The jacket recalls the overlapping solids and voids of René Magritte‘s surrealist visions, while in the lower right corner one can glimpse one of Giorgio De Chirico‘s mannequins; the work ultimately represents the synthesis of Volker Rossenbach‘s life, a long journey through the history of art and the most engaging literary works from which emerges the message of Antoine de Saint-Exupéry in The Little Prince, namely that what is essential is invisible to the eye. In Der Wald des magischer Wesen (The Forest of Magical Creatures), he combines the colorful beauty of nature with the presence of tropical animals such as parrots, toucans, and chameleons, placing center stage on the image of a painter considered an almost supernatural heroine for her ability to cope with pain but also for leaving a profound mark on the history of Twentieth-century art, I am speaking, of course, of Frida Kahlo. Alongside her, in a futuristic world, the artist places a sort of humanoid woman, a projection of what the man of tomorrow might be like in a context where the vivacity of nature is attenuated, perhaps due to the lack of respect for it by the man of today.

The magic to which the title refers thus spans time, erasing boundaries and allowing for a transversal vision that can serve as a warning to pay greater attention to what the future might be, always keeping the harmony and vitality of the past before us. Siddharta, on the other hand, has a double meaning because, on the one hand it represents Volker Rossenbach‘s visual synthesis of Herman Hesse‘s masterpiece to which the title refers, and on the other, it manifests its deeper meaning, the one for which the short novel became famous when it was published, the search for self, the yearning to find oneself, the individual’s pride in the face of the world and history, in a period, immediately following the Second World War, in which all certainty and direction had been lost due to Nazi atrocities. The work exudes the novel’s distinctive mystical and Eastern atmosphere, as well as the symbolism of freedom, a reference to the true, higher, spiritual essence upon which Siddharta’s knowledge and capacity for self-analysis were based.

The mystical aspect of the figure at the center of the painting is made even more evocative by the presence of bright, full colors, traceable to the hippie philosophy from which the book was often considered a symbol of the values ​​of a movement that changed the world. Volker Rossenbach graduated with a degree in graphic design in 1969 and after working as an art director and creative director for international agencies such as Leo Burnett and Grey, he founded his own agency, E/B/D, in Düsseldorf. His work, including the major Coca-Cola campaign from 1976 to 1978, has received numerous awards. From the more experimental works of his early years, he has now moved towards a more figurative and traditional vision, while maintaining his aptitude for using and combining innovative and unconventional means of expression; he has participated in group and solo exhibitions in Germany.