Il protagonismo assoluto della vivacità cromatica nelle opere tra Pop Cubismo e Astrattismo Surrealista di Luigi Di Paolo

Esistono percorsi espressivi che si legano in maniera quasi univoca ad alcune tipologie stilistiche, attingendo ai movimenti del secolo scorso fonte continua di ispirazione per gli interpreti contemporanei, e poi ve ne sono altri in cui l’indole sperimentatrice induce gli autori a mescolare, sinergizzare e plasmare le caratteristiche delle correnti più avanguardiste del Novecento per armonizzarle alla propria natura creativa. Nel caso di questi artisti l’impulso verso una nuova rappresentazione si lega alla ricerca personale e individuale perché nell’era contemporanea appartenere a un gruppo o a un movimento è quasi anacronistico rispetto all’esigenza di far sentire la propria voce solista. Luigi Di Paolo rientra in questo gruppo di autori che mostrano una forte personalità espressiva al punto di aver bisogno di scrivere percorsi nuovi in cui tutto ciò che era stato in passato diviene scintilla propulsiva per la trasformazione e personalizzazione nel presente.

Tra fine Ottocento e inizio Novecento l’arte subì un vero e proprio terremoto formale nel momento in cui decise di staccarsi dal legame con l’estetica che aveva contraddistinto le correnti precedenti fino all’Impressionismo che, sebbene avesse aperto la strada alle innovazioni che si susseguirono di lì a poco, tendeva ancora a riprodurre la realtà osservata nella maniera più fedele possibile dal punto di vista cromatico, della luce e della prospettiva. A partire dal Post-Impressionismo invece, a fuoriuscire in maniera via via più evidente non fu più l’oggettività, piuttosto gli autori come Paul Cézanne, Vincent Van Gogh e Paul Gauguin, ma anche gli estremisti assoluti come gli ideatori del Puntinismo George Seuraut e Paul Signac, si concentrarono sulla soggettività, sull’esaltazione delle tonalità purché si adeguassero alle sensazioni degli autori. La conseguenza naturale di quei segni di distacco dalla tradizione fu l’Espressionismo, per quanto riguarda la ricerca dell’interazione tra colore e interiorità, e tutte le correnti avanguardiste come il Futurismo, il Cubismo e l’Astrattismo, per quanto riguarda l’enfatizzazione della scomposizione dell’immagine distaccandola completamente dalla realtà. Proprio su questi ultimi tre movimenti si creò una netta distinzione tra quelli che esaltarono il cromatismo, con la stessa intensità sebbene con motivazioni diverse rispetto all’Espressionismo, come il Futurismo, e quelli che invece puntarono più a mettere l’accento su una frammentazione talmente forte da far perdere il contatto con l’osservato come nel Cubismo che rinunciò però al colore vivace per mettere in risalto la ricerca analitica che i suoi autori davano come prioritaria. Fu proprio il Cubismo a presentare una frattura al suo interno, costituita da due artisti e coniugi, Robert e Sonia Delaunay, che vollero prendere una direzione diversa dalla linea tracciata da Pablo Picasso e da Georges Braque introducendo tonalità più forti e vibranti in una rappresentazione formale che non cercava più di raccontare in alcun modo l’osservato.

L’esaltazione cromatica era dunque divenuta importante e prioritaria, al punto di contaminare persino quell’Arte Astratta che per un lungo periodo aveva provato a rimanere legata solo e unicamente ai colori primari. Il periodo bellico costrinse l’arte e gli artisti a una battuta d’arresto ripresa nel secondo dopoguerra da quello stile solare e divertente che prese il nome di Pop Art e che seppe unire la supremazia del colore ipotizzata dai Fauves francesi, a un rinnovato ottimismo generato dal sopraggiungere di una fase di pace in cui emerse una nuova società borghese che voleva trovare i simboli e le immagini più familiari anche all’interno di un’opera d’arte. Fu Andy Warhol a esaltare in maniera particolare il cromatismo più esuberante ed energico applicandolo a quei simboli, a quei miti, a quelle immagini familiari all’emergente società e che, grazie alla sua arte, divennero vere e proprie icone di metà Novecento. L’artista abruzzese Luigi Di Paolo compie una ricerca pittorica basata principalmente proprio sul colore, sulla forza cromatica in grado di avere un impatto immediato sullo sguardo, travolgendo l’osservatore, per poi mostrare l’altra sua caratteristica principale, quella capacità di attingere ai vari stili fin qui citati per elaborare un linguaggio visivo in cui non c’è spazio per la conformazione a qualcosa di già esistente, piuttosto a essere fondamentale per lui è il trovare la propria strada, quella che riesca ad armonizzarsi perfettamente con il suo intento creativo.

Il risultato visivo è un perfetto incontro, un’armonica fusione tra la geometricizzazione dei soggetti rappresentati che strizza l’occhio al Cubismo per poi espandersi verso il colorismo vibrante del Cubismo Orfico che si trasforma, nelle tele meno rigorose e angolate, nella solarità e nell’allegria ironica della Pop Art attraverso cui Luigi Di Paolo rende protagonisti simboli popolari e familiari. Nella versione più figurativa del suo lavoro la scomposizione in forme geometriche appare meno incisiva, sembra quasi una cornice funzionale a sottolineare ed enfatizzare le luci e le ombre dei personaggi ritratti, come è perfettamente evidente in Ladies & Gentlemen Bruce Springsteen dove la figura del protagonista della musica statunitense degli anni Ottanta e Novanta è sfaccettata, quasi metafora della sua personalità istrionica ed esplosiva, mettendone però in luce anche la riservatezza legata alla sua sfera privata.

I colori sono infatti più vividi e pieni nel volto in primo piano, mentre decisamente più soffusi e sfumati per la sua immagine riflessa in uno specchio immaginario attraverso il quale Luigi Di Paolo mostra il lato non pubblico della grande rockstar del Novecento. La scelta di raccontare un personaggio tanto noto quanto popolare è una caratteristica fortemente riconducibile alla Pop Art, il cui desiderio originario era di parlare al grande pubblico, anche se qui il desiderio dell’autore è quello di celebrare un’icona esaltandone il lato luce ma osservandone il lato ombra, quello più intimo che grazie alla scomposizione geometrica può emergere in maniera più chiara.

Trasgressione comincia invece ad addentrarsi nelle riflessioni contemporanee, in quella necessità attuale di accogliere e comprendere tutte le scelte personali compiute dall’altro senza giudicare o senza basarsi sulle proprie convinzioni per stabilire cosa sia giusto o cosa sia sbagliato; qui il Cubismo Orfico si mescola magistralmente a una figurazione espressionista attraverso cui Luigi Di Paolo racconta i volti delle due donne che svelano la tensione, il timore di mostrarsi per come sono e, a causa di questo, di non essere accettate. I colori vivaci che le circondano sembrano voler essere una protezione per la loro delicata interiorità ma anche per la loro passione inconfessabile, tanto quanto l’apporto materico della catena enfatizza la necessità di entrambe di vivere quel sentimento come se fosse un meraviglioso rifugio dal mondo esterno.

Banana sui monti perde la caratteristica più geometrica del Cubismo e si manifesta in tutta la sua ironica popolarità, quella che aveva permesso a Andy Warhol di rendere iconico un frutto, la banana appunto, per realizzare la copertina del disco dei Velvet Underground; Luigi Di Paolo ne esplora il significato più sottinteso, quell’esaltare un oggetto della cultura di massa e del consumismo iniziato proprio nel periodo a cavallo tra gli anni Cinquanta e i Sessanta e proseguito fino all’era contemporanea. Qui però l’oggetto diventa più intimista, sembra voler riflettere sull’universo, sulle sue dinamiche, lasciandosi cullare da una natura quasi essa fosse non solo il punto da cui l’oggetto stesso è nato, ma anche quello dove non può fare a meno di tornare. Ecco dunque che lo sguardo attuale vira verso l’attitudine più esistenzialista senza tuttavia perdere la necessità di vivere a tinte forti, immergendosi in quelle tonalità intense funzionali a regalare allegria, vivacità e un sorriso davanti alla metafora quasi fumettistica di un sé fuori dagli schemi eppure fortemente umana. Affiancata alla linea principale realizzata in olio su tela, Luigi Di Paolo esplora anche le possibilità narrative dell’Astrattismo che il cui prende un’accezione surrealista proprio per la caratteristica di inserire simboli e segni appartenenti al suo immaginario con riferimenti ai grandi interpreti dell’Astrattismo Surrealista, o Surrealismo Astratto, e dell’Astrattismo Lirico come Joan Mirò e Wassily Kandinsky, affiancati da altri più suoi, più fortemente legati al proprio immaginario espressivo ma anche in fondo attingendo alle sue opere principali, quasi come se le tele fossero una sintesi tra le ispirazioni e i movimenti su cui ha basato la sua intera ricerca artistica.

Variazioni in bianco è l’esatto esempio di questo concetto poiché racchiude al suo interno, una tela con base perfettamente bianca, la banana, la luna, la stella, tutte icone popolari e familiari al bambino nascosto dentro ogni adulto, le figure tipiche di Kandinsky e di Mirò e altri oggetti e segni che contribuiscono a infondere l’idea della pluralità di pensieri, di idee e di circostanze che si susseguono nell’esistenza di ciascun individuo, come se un ordine non fosse possibile all’interno di quel caos calmo, e forse neanche auspicabile in fondo.

Luigi Di Paolo ha al suo attivo la partecipazione a numerose esposizioni in Italia – Roma, Chieti, Pescara, Firenze, Milano – e all’estero – Los Angeles, New York, Zurigo – ha vinto numerosi premi e contest artistici e le sue opere sono inserite nei più autorevoli cataloghi e riviste d’arte.

LUIGI DI PAOLO-CONTATTI

Email: ludipaolo@gmail.com

Sito web: https://ldpaolo.altervista.org/

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Instagram: www.instagram.com/gigidipaolo/

The undisputed leading role of vibrant color in Luigi Di Paolo’s works between Pop Cubism and Surrealist Abstraction

There are expressive paths that are almost exclusively linked to certain stylistic categories, drawing on the movements of the last century a constant source of inspiration for contemporary artists and then there are others in which an experimental spirit leads artists to blend, synergize, and reshape the characteristics of the most avant-garde currents of the twentieth century to harmonize them with their own creative nature. For these artists, the drive toward a new form of representation is tied to personal and individual exploration, because in the contemporary era, belonging to a group or movement is almost anachronistic compared to the need to make one’s own solo voice heard. Luigi Di Paolo belongs to this group of artists who display such a strong expressive personality that they feel compelled to forge new paths, in which everything from the past becomes a driving force for transformation and personalization in the present.

Between the late nineteenth and early twentieth centuries, art underwent a veritable formal upheaval when it broke away from the aesthetic traditions that had characterized earlier movements up to and including Impressionism, which although it had paved the way for the innovations that followed shortly thereafter, still tended to reproduce observed reality as faithfully as possible in terms of color, light, and perspective. Starting with Post-Impressionism, however, what emerged with increasing clarity was no longer objectivity; rather, artists such as Paul Cézanne, Vincent van Gogh, and Paul Gauguin as well as absolute extremists like the founders of Pointillism, Georges Seurat and Paul Signac, focused on subjectivity and the exaltation of hues, provided they aligned with the artists’ own sensibilities. The natural consequence of these signs of a break from tradition was Expressionism, in terms of the exploration of the interaction between color and inner life, and all the avant-garde movements, such as Futurism, Cubism, and Abstract Art, in terms of the emphasis on the decomposition of the image, completely detaching it from reality. It was precisely within these last three movements that emerged a clear distinction between those who emphasized color, with the same intensity, though for different reasons than Expressionism, such as Futurism and those who, on the other hand, focused more on emphasizing a fragmentation so extreme that it severed the connection with the observed subject, as in Cubism, which, however, eschewed vivid color to highlight the analytical inquiry that its practitioners regarded as a priority.

It was Cubism itself that experienced an internal split, led by two artists and spouses, Robert and Sonia Delaunay, who chose to take a different direction from the path charted by Pablo Picasso and Georges Braque, introducing stronger and more vibrant hues into a formal representation that no longer sought to depict the observed subject in any way. The celebration of color had thus become so important and central that it even influenced Abstract Art, which for a long time had sought to remain tied solely to primary colors. The war years brought art and artists to a standstill, but after World War II, they rebounded with that cheerful and playful style known as Pop Art, which successfully combined the supremacy of color envisioned by the French Fauves, with a renewed optimism sparked by the arrival of a period of peace, during which emerged a new middle-class society that sought to find the most familiar symbols and images even within a work of art. It was Andy Warhol who particularly exalted the most exuberant and energetic use of color, applying it to those symbols, myths, and images familiar to the emerging society which, thanks to his art, became true icons of the mid-20th century.

The Abruzzo-born artist Luigi Di Paolo conducts a painterly exploration based primarily on color, on the chromatic power capable of making an immediate impact on the viewer, overwhelming him, and then revealing his other key characteristic, the ability to draw upon the various styles mentioned above to develop a visual language in which there is no room for conforming to anything that already exists, rather, what is fundamental for him is finding his own path that harmonizes perfectly with his creative intent. The visual result is a perfect union, a harmonious fusion between the geometrizationof the depicted subjects, which nods to Cubism, and the vibrant colorism of Orphic Cubism, which, in the less rigorous and angular canvases, transforms into the radiance and ironic cheerfulness of Pop Art, through which Luigi Di Paolo elevates popular and familiar symbols to the forefront.

In the more figurative version of his work, the breakdown into geometric shapes appears less pronounced, almost seeming like a functional frame designed to highlight and emphasize the lights and shadows of the portrayed figures, as is perfectly evident in Ladies & Gentlemen Bruce Springsteen, where the figure of the leading American musician of the 1980s and 1990s is multifaceted, almost a metaphor for his theatrical and explosive personality, while also bringing to light the reserve associated with his private life. The colors are, in fact, more vivid and rich in the foreground portrait, while they are decidedly more subdued and nuanced in his reflection in an imaginary mirror through which Luigi Di Paolo reveals the private side of the great 20th-century rock star. The decision to portray a figure as well-known as he is popular is a characteristic strongly associated with Pop Art, whose original aim was to speak to the general public, however, here the artist’s intention is to celebrate an icon by highlighting its bright side while also examining its shadow side, the more intimate aspect that, thanks to geometric decomposition, can emerge more clearly.

Trasgressione (Transgression), on the other hand, begins to delve into contemporary reflections, specifically the current need to accept and understand all the personal choices made by others without judging them or relying on one’s own convictions to determine what is right or wrong; here, Orphic Cubism masterfully blends with Expressionist figuration through which Luigi Di Paolo portrays the faces of the two women, revealing their tension and fear of showing themselves as they are and, because of this, of not being accepted. The lively colors surrounding them seem to serve as a shield for their delicate inner selves but also for their unspoken passion, just as the textural element of the chain emphasizes the need for both to experience that feeling as if it were a wonderful refuge from the outside world.

Banana sui monti (Babana on the mountains) sheds Cubism’s most geometric characteristic and reveals itself in all its ironic popularity, the very quality that allowed Andy Warhol to turn a piece of fruit, the banana, into an icon for the Velvet Underground’s album cover; Luigi Di Paolo explores its deeper meaning, the exaltation of an object of mass culture and consumerism that began precisely at the turn of the 1950s and 1960s and has continued into the contemporary era. Here, however, the object takes on a more intimate quality, it seems to reflect on the universe and its dynamics, allowing itself to be lulled by nature as if it were not only the source from which the object itself was born, but also the place to which it cannot help but return. Thus, the current perspective shifts toward a more existentialist attitude without, however, losing the need to live life to the fullest, immersing itself in those intense hues designed to bring joy, liveliness, and a smile in the face of the almost comic-book-like metaphor of a self that is unconventional yet deeply human.

Alongside his main body of work in oil on canvas, Luigi Di Paolo also explores the narrative possibilities of Abstract Art, which takes on a Surrealist character precisely because of his tendency to incorporate symbols and signs drawn from his own imagination, with references to the great masters of Surrealist Abstract Art, or Abstract Surrealism, and Lyrical Abstraction such as Joan Miró and Wassily Kandinsky and other objects and signs that help convey the idea of ​​the multiplicity of thoughts, ideas, and circumstances that succeed one another in each individual’s existence as if order were impossible within that calm chaos, and perhaps not even desirable, deep down.

Variazioni in bianco (Variations in white) is the perfect embodiment of this concept, as it encompasses a canvas with a pristine white background, a banana, the moon, and the star, all icons familiar and dear to the child hidden within every adult, alongside figures typical of Kandinsky and Miró, as well as other objects and signs that evoke the multitude of thoughts, ideas, and circumstances that unfold in every individual’s life, suggesting that order within this calm chaos is neither possible nor, ultimately, even desirable. Luigi Di Paolo has participated in numerous exhibitions in Italy—Rome, Chieti, Pescara, Florence, Milan—and abroad—Los Angeles, New York, Zurich—has won numerous awards and art contests, and his works are featured in the most authoritative art catalogs and magazines.