Il Realismo Pop di Peter Uka, tra nostalgia degli anni Settanta e ricordi della Nigeria

Utilizzare un linguaggio fortemente figurativo consente a un autore di condurre il fruitore all’interno della sua interpretazione di un visibile che diviene un punto di convergenza tra descrizione ed emanazione di tutto quel mondo interiore attraverso il quale può raccontare ciò che le parole non riuscirebbero mai a fare in maniera tanto squisitamente descrittiva. Perché le parole di un artista sono i colori, il disegno, la narrazione di tutto ciò su cui il suo sguardo si posa o su cui la memoria indugia fino a trasferirsi sulla tela ed è solo utilizzando un linguaggio semplice e immediato che può guidare l’osservatore alla scoperta di una storia sempre diversa con cui svela la propria capacità empatica e al contempo la fascinazione che riceve proprio dal mondo che lo circonda. Il protagonista di oggi attinge ai ricordi del periodo più spensierato, quello della giovinezza, per raffigurare un mondo africano che grazie alla sua pittura vive gli eterni Seventies, quegli anni di libertà e pace che si erano diffusi in tutto il mondo.

I primi decenni del Ventesimo secolo indussero gli artisti europei a cercare alternative espressive a tutta la pittura tradizionale che sembrava non essere più al passo con i tempi, soprattutto perché emergeva in maniera sempre più netta l’esigenza di distaccarsi dalla figurazione oggettiva per passare a una narrazione più soggettiva, interiore; fu questo a spingere alcuni autori a tendere verso una deformazione di ciò che veniva visto pur di connettersi fortemente con quell’universo di emozioni e sensazioni che premevano per manifestarsi. Questo fu il compito dell’Espressionismo che più di tutti cercò quella frattura netta con il Realismo precedente, ma anche con l’Impressionismo, entrambi movimenti questi che ricercavano invece la perfezione estetica e l’aderenza alla realtà osservata. Negli Stati Uniti, al contrario, negli stessi anni si affermò e si consolidò un approccio innovativo di quel Realismo che in Europa aveva dominato a metà Ottocento, che si focalizzò sulla società giovane dell’America, sui momenti di svago e di divertimento delle metropoli, sul brulicare delle vie cittadine, i luoghi di lavoro come le tavole calde e i bar che erano punto di aggregazione di una comunità in costante evoluzione, ma anche sulla solitudine che l’uomo viveva pur essendo parte di una moltitudine.

Laddove George Bellows ed Everett Shinn misero in evidenza le occasioni di divertimento e di condivisione culturale come gli incontri di boxe e le giornate al mare del primo, e i balletti e le rappresentazioni teatrali del secondo che presentava un tratto sfumato riconducibile anche all’Impressionismo, Edward Hopper divenne il vero simbolo dello stile, sia per le sue linee pulite e luminose sia per l’approccio intimista che contraddistinse le sue tele in cui raccontava della solitudine cittadina, della vita nei sobborghi, degli agi della classe media emergente inadatti a colmare il vuoto esistenziale che l’autore lasciava fuoriuscire da ogni suo lavoro. L’eredità narrativa di Hopper è stata raccolta dall’autore scozzese, recentemente scomparso, Jack Vettriano che aggiunse un tocco nostalgico e affascinante ai suoi dipinti in cui raccontava degli anni Cinquanta del Novecento, quel periodo in cui l’eleganza e la raffinatezza erano imperativi e segni distintivi di una società che teneva alla forma tanto quanto alla sostanza. Le ambientazioni di Vettriano sono soffuse, sfumate negli ambienti circostanti i personaggi, quasi l’attenzione dovesse mantenersi su di loro, figure d’altri tempi che a volte sembrano uscire dal nulla camminando verso l’osservatore o ballando verso un punto lontano, mentre altre sono perfettamente calate nei contesti delle occasioni di svago in cui l’autore le colloca.

Il Realismo Americano ha dunque segnato un nuovo approccio alla pittura tradizionale, non più mero ritratto, non più denuncia sociale od osservazione delle classi meno abbienti, piuttosto occasione per mettere in luce anche la piacevolezza, la bellezza e la narrazione di una realtà oggettiva che aveva bisogno di essere raccontata nella sua quotidianità. Medesimo percorso è quello intrapreso dall’artista nigeriano Peter Uka, da molti anni residente in Germania, che grazie agli studi presso la Kunstakademie di Düsseldorf ha sviluppato uno stile in cui la sua natura fortemente figurativa si mette al servizio di un’emozionalità intensa ma solare, sorridente, serena nel ripercorrere quei frammenti di vita legati alla giovinezza in Nigeria che racconta sotto vari punti di vista, diverse sfaccettature, rendendo protagonisti personaggi sempre diversi immortalati durante la loro quotidianità o nei momenti di svago.

Il suo tratto è fortemente realista ma la gamma cromatica forte e intensa, imprescindibile dal mondo africano, lo avvicina a una Pop Art in cui a divenire personaggi principali, quasi fossero divi o eroi dei fumetti, sono quella moltitudine di conoscenti, amici, o individui casualmente incontrati in strada che hanno colpito l’attenzione dell’autore.

Dunque nel mondo pittorico di Peter Uka emerge il desiderio innato di non allontanarsi mai troppo emotivamente da quel periodo felice e piacevole, ma anche quello di catalizzare l’attenzione su un mondo, quello africano, che attraverso la sua lente appare decisamente simile e vicino alle abitudini occidentali del periodo tra i Settanta e gli Ottanta, pur avendo un ritmo diverso, meno frenetico, così come un atteggiamento meno politico e più orientato a mettere in risalto la bellezza del colore, la gradevolezza della musica e la spensieratezza di quegli anni.

Playing with the groove rappresenta esattamente la celebrazione del ballo sfrenato, del lasciarsi andare al ritmo che in fondo corrisponde a quello della vita e che viene esaltato da Peter Uka non solo con gli abiti variopinti dei protagonisti del gruppo ma anche da quelle acconciature tipiche celebrate dagli afroamericani come parte dell’orgoglio nero e che in Nigeria erano la normalità del vivere. I corpi sono ritratti nelle movenze tipiche della danza con un approccio personalizzato, ciascuno interpreta e si lascia prendere dalla musica in maniera diversa, ognuno sente e vive il ritmo secondo le proprie personali sensazioni eppure sono tutti lì, insieme, parte di una comunità che proprio in Africa ha il suo senso più profondo, più solido e rappresentativo.

In Still riding l’autore racconta invece una giovane donna su un motorino che ricorda la Vespa, simbolo di un’intera epoca e icona di generazioni di giovani, anche se è ferma, forse in attesa di qualcuno, o forse in procinto di accenderla e di spostarsi per raggiungere gli amici con cui trascorrere il resto della giornata. In qualche modo nelle tele di Peter Uka emerge costantemente un parallelismo, quasi un messaggio su quanto sottili siano le differenze con la società occidentale; nella narrazione dell’autore tutte le mode, le abitudini, i piccoli vezzi sono condivisi e l’unico aspetto che li fa apparire differenti è il colore della pelle che nel suo paese è la normalità ed è proprio qui che si concentra la sua voce espressiva, quel voler sottolineare quanto l’essere umano sia simile indipendentemente dalla cultura, dalla razza, dalla religione del luogo in cui è nato.

Trimming richiama invece l’attenzione sulla serenità della quotidianità, sull’indugiare dello sguardo di Peter Uka su quei piccoli gesti compiuti con maestria e impegno da un barbiere che, in Occidente, come in Oriente, come in Oceania e come in Africa, diviene un punto di riferimento, quasi un amico con cui confidarsi di quando in quando, qualcuno a cui affidare la propria immagine mettendosi nelle sue mani con la certezza che non tradirà la fiducia. Il tratto pittorico dell’autore è vibrante, intenso, definito, quasi scolpito in alcune opere, il confine tra la luce e l’ombra è netto ma ciò che colpisce è quella luminosità sempre presente, quasi fosse imprescindibile dal colore dell’Africa dove l’essere umano sceglie di non rimanere nella tonalità terrosa della savana, che potrebbe essere un’allegoria dell’omologazione, bensì decide di risaltare nettamente proprio attraverso tonalità vivaci e sorridenti.

Ballad of a young man (Odukova) ritrae una scena che sembra uscita da una serie televisiva statunitense degli anni Settanta, con i due protagonisti vestiti con i classici pantaloni a zampa d’elefante e l’atteggiamento degli agenti speciali della Florida o di uno degli stati più caldi degli Usa. Qui però sullo sfondo non ci sono i grattacieli bensì la natura rigogliosa e le case basse di un quartiere residenziale della Nigeria, mentre l’automobile su cui i due uomini sembrano in procinto di salire rappresenta uno status quo, un simbolo di affermazione sociale che li rende orgogliosi e fiduciosi verso il futuro.

Peter Uka ha esposto al National Museum Onikan di Lagos in Nigeria, alla Haus der Kunst di Monaco in Germania, alla Kunsthaus Mettman in Germania e al DIDI Museum di Lagos in Nigeria. Le sue opere fanno parte di collezioni quali la Flag Art Foundation, il CCS Bard Hessel Museum of Art e il Long Museum, ed è recentemente entrato a far parte della collezione permanente della K20 Düsseldorf Kunstsammlung.

PETER UKA-CONTATTI

Email: paris@marianeibrahim.com

Sito web: www.marianeibrahim.com/artists/52-peter-uka/

Instagram: www.instagram.com/peter_uka/

Peter Uka’s Pop Realism, between nostalgia for the 1970s and memories of Nigeria

Using a highly figurative language allows an artist to draw the viewer into his interpretation of the visible world, which becomes a point of convergence between description and the expression of that entire inner world through which he can convey what words could never achieve in such an exquisitely descriptive manner. For an artist the words are the colors, the drawing, the narrative of everything upon which his gaze rests or upon which his memory lingers until it is transferred to the canvas, and it is only by using a simple and immediate language that he can guide the observer to discover an ever-changing story through which he reveals his capacity for empathy and, at the same time, the fascination he derives from the very world that surrounds him. Today’s protagonist draws on memories of the most carefree period, that of youth, to depict an African world that, thanks to his painting, lives through the eternal Seventies, those years of freedom and peace that had spread throughout the world.

The early decades of the twentieth century led European artists to seek alternative forms of expression to traditional painting, which seemed no longer in step with the times, especially as the need to move away from objective representation toward a more subjective, inner narrative became increasingly clear; it was this that drove some artists to distort what was seen in order to connect deeply with that universe of emotions and sensations that were pressing to manifest themselves. This was the task of Expressionism, which more than any other movement sought a clear break with the Realism that preceded it, but also with Impressionism, both movements which instead sought aesthetic perfection and adherence to observed reality.

In the United States, by contrast, during the same years took hold and solidified an innovative approach to the Realism that had dominated Europe in the mid-19th century, which focused on America’s young society, on moments of leisure and entertainment in the metropolises, on the teeming city streets, workplaces such as diners and bars that served as gathering points for a constantly evolving community, but also on the loneliness that man experienced despite being part of a multitude. While George Bellows and Everett Shinn highlighted opportunities for enjoyment and cultural exchange, such as boxing matches and days at the beach in the former’s work, and ballets and theatrical performances in the latter’s who featured a nuanced style reminiscent of Impressionism, Edward Hopper became the true symbol of the style, both for his clean, luminous lines and for the intimate approach that distinguished his canvases, in which he depicted urban loneliness, life in the suburbs, and the comforts of the emerging middle class inadequate to fill the existential void that the artist allowed to seep through every one of his paintings. Hopper’s narrative legacy was taken up by the recently deceased Scottish artist Jack Vettriano, who added a nostalgic and charming touch to his paintings depicting the 1950s, a period when elegance and refinement were imperatives and hallmarks of a society that valued form as much as substance. Vettriano’s settings are soft and blurred in the environments surrounding the characters, as if the focus were meant to remain on them, figures from another era who sometimes seem to emerge from nowhere, walking toward the viewer or dancing toward a distant point, while others are perfectly situated within the contexts of leisure activities in which the artist places them.

American Realism thus marked a new approach to traditional painting, no longer merely portraiture, no longer social criticism or an observation of the less affluent classes, but rather an opportunity to highlight the charm, beauty, and narrative of an objective reality that needed to be portrayed in its everyday life. The same path was taken by the Nigerian artist Peter Uka, a long-time resident of Germany, who thanks to his studies at the Kunstakademie in Düsseldorf developed a style in which his strongly figurative nature serves an intense yet sunny emotionality, smiling, and serene as he revisits those fragments of life linked to his youth in Nigeria, which he portrays from various perspectives and through different facets, making ever-changing characters the protagonists, immortalized in their daily lives or moments of leisure. His style is strongly realistic, yet the bold and intense color palette inherent to the African world brings him closer to Pop Art, where the main characters, almost like movie stars or comic book heroes, are that multitude of acquaintances, friends, or individuals casually encountered on the street who have caught the artist’s attention.

Thus, in Peter Uka’s pictorial world, there emerges an innate desire never to stray too far emotionally from that happy and pleasant period, but also a desire to draw attention to a world, the African one, which through his lens appears strikingly similar to and close to Western customs of the 1970s and 1980s, despite having a different, less frenetic rhythm, as well as a less political attitude, more focused on highlighting the beauty of color, the pleasantness of music, and the carefree spirit of those years. Playing with the Groove is precisely a celebration of unbridled dancing, of letting go to the rhythm that, at its core, corresponds to the rhythm of life, the one that Peter Uka highlights not only through the colorful costumes of the group’s members but also through those iconic hairstyles celebrated by African Americans as part of Black pride and which, in Nigeria, were simply a normal part of daily life.

The bodies are portrayed in the typical movements of dance with a personalized approach, each person interprets and lets be carried away by the music in a different way, each feels and experiences the rhythm according to his own personal sensations, and yet they are all there, together, part of a community that finds its deepest, most solid, and representative meaning precisely in Africa. In Still Riding, the artist depicts a young woman on a scooter reminiscent of the Vespa, a symbol of an entire era and an icon for generations of young people, even though she is stationary, perhaps waiting for someone, or perhaps about to start it up and head out to meet friends with whom she will spend the rest of the day. In some way emerges constantly a parallelism in Peter Uka’s canvases, almost a message about how subtle the differences are with Western society; in the artist’s narrative are shared all fashions, habits, and little quirks and the only aspect that makes them appear different is skin color, which in his country is the norm, and it is precisely here that his expressive voice focuses, on emphasizing how similar human beings are regardless of culture, race, or the religion of the place where they were born.

Trimming, on the other hand, draws attention to the serenity of everyday life, to Peter Uka’s lingering gaze on those small gestures performed with skill and dedication by a barber who, in the West, as in the East, as in Oceania, and as in Africa, becomes a point of reference, almost a friend to confide in from time to time, someone to whom one can entrust one’s image, placing oneself in his hands with the certainty that he will not betray that trust. The artist’s brushwork is vibrant, intense, and precise, almost sculpted in some works, the boundary between light and shadow is sharp, but what strikes the viewer is that ever-present luminosity, as if it were inseparable from the colors of Africa where human beings choose not to remain in the earthy tones of the savanna, that could be an allegory of conformity, but instead decide to stand out clearly through vivid, cheerful hues. Ballad of a Young Man (Odukova) depicts a scene that seems to have come straight out of a 1970s American TV series, with the two protagonists dressed in classic bell-bottom pants and the demeanor of special agents from Florida or one of the hottest states in the U.S. Here, however, the background features not skyscrapers but the lush nature and low-rise houses of a residential neighborhood in Nigeria, while the car the two men appear to be about to get into represents the status quo, a symbol of social achievement that fills them with pride and confidence in the future. Peter Uka has exhibited at the National Museum Onikan in Lagos, Nigeria; the Haus der Kunst in Munich, Germany; the Kunsthaus Mettmann in Germany; and the DIDI Museum in Lagos, Nigeria. His works are part of collections such as the Flag Art Foundation, the CCS Bard Hessel Museum of Art, and the Long Museum, and he has recently been included in the permanent collection of the K20 Düsseldorf Kunstsammlung.