Il Realismo sottilmente inquietante di Anna Weyant, tra le righe della realtà per spiare risvolti inconfessabili

Nell’arte contemporanea il confine tra i vari stili è sempre più indefinito, perché gli autori hanno bisogno di far sentire la loro voce unica e inconfondibile sfuggendo alle regole e alle definizioni per tracciare un percorso che dia loro l’opportunità di assecondare la propria indole narrativa traendo ispirazione dagli interpreti del passato ma riadattandoli a una poetica completamente nuova. Questo accade sia negli stili più informali, dove a essere preponderante è l’utilizzo del colore e la sua mescolanza con materiali inediti o con tecniche esecutive innovative, e sia negli stili figurativi dove le sfaccettature visive assumono caratteristiche che cambiano completamente il messaggio della realtà che viene raffigurata. Anna Weyant, stella nascente protagonista del panorama artistico internazionale, sceglie di rappresentare ambientazioni familiari inserendovi elementi distopici, suggerendo la possibilità che si stiano per verificare circostanze che infondono la sensazione di trovarsi davanti a un thriller o a un film giallo.

Nel momento in cui il Realismo, nella prima metà dell’Ottocento, vide la luce dovette opporsi a una tendenza a proporre eventi e temi mitologici come nell’Arte Romantica, ma anche con un tipo di pittura che lentamente introduceva la sensazione interiore dell’artista sulla tela e un utilizzo della tecnica pittorica al di fuori delle regole e dei parametri tradizionali, come ben evidente nel Romanticismo Inglese di William Turner e John Constable. Ma l’esigenza di ritrarre dal punto di vista più oggettivo quella classe operaia, i lavoratori nella loro quotidianità, spinse molti artisti a dare una versione asciutta, senza fronzoli, di una realtà che non poteva più rimanere ignorata e inascoltata, trasformando così il popolo che non avrebbe mai potuto commissionare un dipinto in protagonista assoluto delle case e delle collezioni dei ricchi mercanti e delle famiglie dell’alta borghesia. I movimenti della seconda metà del Diciannovesimo secolo e le avanguardie di inizio Novecento allontanarono il focus culturale dal Realismo che sopravvisse nel tratto pittorico solo nella sua declinazione più estrema e irreale, cioè nel Surrealismo Metafisico di René Magritte. Qualche decennio dopo fu negli Stati Uniti che nacquero nuove interpretazioni di un Realismo che mostrava il bisogno di adeguarsi al cambiamento dei tempi e di raccontare l’evolvere della società in transizione verso un progresso rapido e inatteso, verso un’espansione urbanistica e un benessere finanziario che tuttavia tendeva a far sentire sole le persone.

Furono queste le tematiche principali di Edward Hopper, uno dei simboli del Realismo Americano le cui atmosfere malinconiche ritraevano le strade illuminate e i locali delle città tanto quanto la luminosità solare dei sobborghi cittadini e la bellezza delle case vittoriane in riva al mare costantemente permeate da un senso di solitudine, di emarginazione dovuta all’incapacità di relazionarsi davvero con gli altri. Nell’epoca più recente gli autori hanno approfondito la tematica esistenzialista di cui è stato pioniere Hopper arricchendola con variazioni personalizzate sulla base della propria indole, pertanto Philip Pearlstein inserisce nelle sue immagini chiare e irrorate di luce rappresentanti scene quotidiane quella leggera decontestualizzazione e quello straniamento riconducibili al Realismo Magico; Rackstraw Downes si sofferma invece sulle vedute urbane in cui le persone, quando presenti, appaiono come una moltitudine persa tra le vie e il traffico cittadino; Catherine Murphy rende protagonisti dettagli di gesti quotidiani consumati in interni domestici familiari e rassicuranti rendendo straordinario l’ordinario; e infine David Kassan mostra un’attitudine ritrattistica quasi classica attraverso cui mette in luce sguardi, atteggiamenti e pensieri nascosti dei suoi protagonisti. L’artista canadese Anna Weyant, pur appartenendo alla corrente del Realismo, si avvicina alle atmosfere enigmatiche e leggermente sinistre del Surrealismo Metafisico di René Magritte, arricchite dal gusto noir che lascia sottintendere il verificarsi, o l’essersi appena verificato, di un accadimento imprevisto provocato dalle protagoniste le quali rimangono destabilizzate dal loro stesso atto o preferiscono ignorarlo sebbene il pensiero e la coscienza le riportino costantemente lì.

In alcune tele invece sembra che l’azione sia appena stata compiuta da qualcuno di esterno, come fosse avvenuto un passaggio inatteso che ha lasciato testimonianza di sé attraverso un quadro caduto o un fotogramma immortalato dalla fantasia dell’autrice; in tutti i dipinti, rigorosamente realizzati in olio su tela, la dominante è scura, gli sfondi sono spesso neri, proprio per sottolineare l’atmosfera misteriosa che Anna Weyant desidera imprimere in tutta la sua produzione artistica, quasi i suoi fossero thriller psicologici che trasmettono una costante tensione all’osservatore. Per questo l’autrice può anche essere avvicinata al Pop Surrealismo, sebbene rinunci alla componente più estrema e talvolta cruenta del movimento, trattenendo solo il lato più sinistro e misterioso, laddove inserisce sottintesi elementi inquietanti che creano contrasto tra l’apparente innocenza e normalità delle figure raccontate, e l’inconfessabile che nascondono dietro il loro aspetto patinato e quasi angelico.

Questo è il caso del dipinto Sophie in cui Anna Weyant ritrae una ragazza in una posa intensa, sollevata e quasi silenziosamente esultante per un traguardo raggiunto, un obiettivo conseguito o semplicemente per aver compiuto quel salto verso una maggiore consapevolezza di sé a lungo inseguita; poi però sorprendentemente al di sotto del suo piede, e dunque in terra alla base della tela, l’autrice nasconde un volto che forse corrisponde alla vecchia sé, o forse a qualcuno che la ragazza ha dovuto prevaricare per riuscire a conseguire il risultato per cui mostra appagamento. Il volto schiacciato dal piede della protagonista la guarda con soddisfazione sarcastica, come se fosse consapevole che quell’essersi spogliata della propria coscienza, anche se solo una volta e per un singolo episodio, la perseguiterà a lungo rimanendole attaccato addosso.

In Feted la ragazza è riversa sulla torta del suo compleanno, se solo sfinita, o alticcia, o vittima di un omicidio questo è lasciato all’interpretazione dell’osservatore perché una delle caratteristiche di Anna Weyant è quella di non raccontare mai tutto, piuttosto fornisce degli indizi funzionali a trarre le ciascuno proprie conclusioni, a scrivere la propria narrazione e girare il proprio film. L’immaginazione è sollecitata a darsi delle risposte che l’autrice sussurra senza definire, come se stesse scrivendo una storia a quattro mani dove chi guarda ha la possibilità di determinare la sceneggiatura e darvi la fine più adatta alla sua fantasia; il mistero emerge come in un romanzo di Agatha Christie e non si può fare a meno di domandarsi cosa sia successo, se la ragazza sia stata avvelenata, da chi e perché, suggerendo altresì che da un momento all’altro potrebbe svegliarsi rendendo vana ogni precedente ipotesi.

L’attitudine al thriller emerge però in maniera inequivocabile nel dipinto It’s Coming From Inside, dove una scena quotidiana mattutina, il momento rilassante e piacevole della colazione, nasconde una pericolosa insidia solleticata dal titolo che spinge a osservare con attenzione il motivo delle parole riuscendo così a intravedere nella superficie specchiante della teiera un’entità, una presenza minacciosa che si avvicina al protagonista tranquillamente immerso nella lettura del suo giornale. Anche questo dettaglio appare però decontestualizzato e straniante poiché le pagine sono vuote, non hanno scritte né titoli, amplificando la dimensione surreale e inquietante della composizione, quasi come se tutto fosse sospeso nell’attesa che si verifichi l’avvenimento presagito e supportato dall’ombra specchiata sulla teiera, e di cui il protagonista è totalmente ignaro. L’abilità di Anna Weyant è quella di creare tensione in ambienti familiari che normalmente dovrebbero infondere pace e sicurezza, trasformando la quotidianità in potenziale scena di un crimine o di un trauma di lì a verificarsi che le sue protagoniste subiscono e poi cercano di nascondere in maniera quasi goffa.

Nel momento in cui sceglie di rinunciare alla presenza umana, la sua narrazione si divide tra il suo lato più sinistro, visibile nel lavoro House Exterior, dove il palazzo vittoriano assoluto protagonista è contraddistinto da un aspetto spettrale, da un colore terroso e da dettagli che ne sottolineano l’inquietante fatiscenza, come se da un momento all’altro si potesse intravvedere la presenza di un fantasma o di una figura spaventosa; e l’altro lato più enigmatico che mantiene la stranezza di fondo, caratteristica di tutta la sua produzione artistica, il quale si svela nelle nature morte dove a volte a essere protagonisti sono fiori reali mescolati a fiori finti, e pertanto lasciando sempre emergere la sensazione di destabilizzazione dovuta all’interrogativo sul perché gli steli in plastica siano messi in acqua come nel caso delle rose vere, oppure oggetti fuori contesto o rivelatori di scene appena avvenute o di lì a succedere.

Anna Weyant, nata a Calgary in Canada, ma divisa tra la sua nazione e New York dove vive e lavora, è rappresentata dalla galleria Gagosian e ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive negli Usa, in Belgio, a Singapore, a Hong Kong, in Francia, e in UK, al suo attivo ha mostre personali a New York, Los Angeles, Tokio, Parigi, Londra, Madrid, e le sue opere fanno parte di collezioni private e pubbliche come il Museo Nacional Thyssen-Bornemisza di Madrid in Spagna, Tiffany & Co. di New York, Femmes Artistes du Musée de Mougins in Francia, Olivia Foundation a Mexico City e Addison Gallery of American Art, Andover Massachusetts.

ANNA WEYANT-CONTATTI

Email: newyork@gagosian.com

Sito web: www.annaweyant.com/

Instagram: www.instagram.com/annaweyant/

Anna Weyant’s subtly unsettling Realism, between the lines of reality to uncover unspeakable truths

In contemporary art, the boundary between different styles is becoming increasingly blurred, as artists seek to make their unique and unmistakable voices heard by breaking free from rules and definitions to chart a course that allows them to indulge their narrative instincts, drawing inspiration from the masters of the past but adapting them to an entirely new poetic vision. This occurs both in the more informal styles, where the predominant feature is the use of colour and its blending with unconventional materials or innovative techniques, and in figurative ones where visual facets take on characteristics that completely alter the message of the reality being depicted. Anna Weyant, a rising star on the international art scene, chooses to depict familiar settings whilst incorporating dystopian elements, suggesting the possibility that circumstances are about to unfold which evoke the sensation of being in the midst of a thriller or a crime film.

In the moment when Realism emerged, in the first half of the nineteenth century, it had to counter a tendency to depict mythological events and themes, as seen in Romantic Art, but also a style of painting that gradually began to convey the artist’s inner feelings on the canvas and employed painting techniques that broke with traditional rules and conventions, as is clearly evident in the English Romanticism of William Turner and John Constable. However, the need to portray the working class, the labourers in their everyday lives, from the most objective perspective prompted many artists to offer a stark, unadorned depiction of a reality that could no longer be ignored or overlooked, thereby transforming the common people, who would never have been able to commission a painting, into the undisputed protagonists of the homes and collections of wealthy merchants and upper-middle-class families. The movements of the second half of the Nineteenth century and the avant-garde movements of the early Twentieth century shifted the cultural focus away from Realism which survived in painting only in its most extreme and unreal form, namely in René Magritte’s Metaphysical Surrealism. A few decades later, it was in the United States that new interpretations of Realism emerged, reflecting the need to adapt to changing times and to depict the evolution of a society in transition towards rapid and unexpected progress, towards urban expansion and financial prosperity which, however, tended to leave people feeling lonely. These were the central themes of Edward Hopper, one of the icons of American Realism, whose melancholic atmospheres depicted the brightly lit streets and city bars just as much as the sun-drenched suburbs and the beauty of Victorian seaside homes, all constantly permeated by a sense of loneliness and marginalisation stemming from an inability to truly connect with others.

In more recent times, artists have explored the existentialist theme pioneered by Hopper enriching it with personalised variations based on their own temperament, thus, Philip Pearlstein infuses his clear, light-drenched images depicting everyday scenes with that slight decontextualisation and alienation characteristic of Magic Realism; Rackstraw Downes, on the other hand, focuses on urban vistas in which people, when present, appear as a crowd lost amongst the streets and city traffic; Catherine Murphy focuses on the details of everyday gestures carried out in familiar and reassuring domestic settings, transforming the ordinary into something extraordinary; and finally, David Kassan displays an almost classical approach to portraiture, through which he highlights the glances, demeanours and hidden thoughts of his subjects. The Canadian artist Anna Weyant, whilst belonging to the movement of Realism, draws on the enigmatic and slightly sinister atmospheres of René Magritte’s Metaphysical Surrealism, enriched by a noir sensibility that suggests the occurrence, or has just taken place, of an unforeseen event triggered by the protagonists who are unsettled by their own actions or choose to ignore them, even though their thoughts and consciousness constantly draw them back to that moment. In some canvases, however, it seems as though the action has just been carried out by an outsider, as if an unexpected occurrence had taken place, leaving evidence of itself through a fallen picture or a frame immortalised by the artist’s imagination; in all the paintings, strictly executed in oil on canvas, the dominant tone is dark, and the backgrounds are often black, precisely to emphasise the mysterious atmosphere that Anna Weyant seeks to imbue throughout her artistic output, almost as if her works were psychological thrillers that convey a constant sense of tension to the viewer.

For this reason, the artist can also be associated with Pop Surrealism, although she eschews the movement’s most extreme and at times gruesome elements, retaining only its most sinister and mysterious aspects, into which she weaves subtle, unsettling undertones that create a contrast between the apparent innocence and normality of the figures depicted, and the unspeakable truths they conceal behind their polished, almost angelic appearance. This is the case with the painting Sophie, in which Anna Weyant depicts a young woman in an intense pose, lifted up and almost silently exulting at a milestone reached, a goal achieved, or simply for having taken that long-sought leap towards greater self-awareness; yet, surprisingly beneath her foot, and thus on the ground at the base of the canvas, the artist conceals a face that perhaps corresponds to her former self, or perhaps to someone the girl had to overcome in order to achieve the result for which she now shows satisfaction.

The face, crushed under the protagonist’s foot, looks at her with sarcastic satisfaction, as if aware that having stripped herself of her conscience, even if only once and for a single episode, will haunt her for a long time, clinging to her. In Feted the girl is sprawled across her birthday cake, whether she is simply exhausted, a little tipsy, or the victim of a murder is left to the viewer’s interpretation, because one of Anna Weyant’s hallmarks is that she never tells the whole story, rather she provides clues that enable each viewer to draw his own conclusions, write his own narrative and direct his own film. The imagination is challenged to come up with answers that the artist hints at without spelling them out, as if she were co-authoring a story in which the viewer has the chance to shape the script and give it the ending that best suits their imagination; the mystery unfolds as in an Agatha Christie novel, and one cannot help but wonder what has happened, if the girl has been poisoned, by whom and why, while also suggesting that she might wake up at any moment, rendering all previous hypotheses futile.

The thriller element, however, emerges unequivocally in the painting It’s Coming From Inside, where an everyday morning scene, the relaxing and pleasant moment of breakfast, conceals a dangerous threat hinted at by the title, which prompts the viewer to observe the arrangement of the words carefully, thus managing to catch a glimpse in the reflective surface of the teapot of an entity, a menacing presence approaching the protagonist, who is calmly immersed in reading his newspaper. However, this detail too appears out of context and unsettling, as the pages are blank, they contain neither text nor titles, thereby amplifying the surreal and disturbing nature of the composition, almost as if everything were suspended in anticipation of the foreshadowed event suggested by the shadow cast on the teapot of which the protagonist is completely unaware.

Anna Weyant’s skill lies in creating tension within familiar settings that would normally instil a sense of peace and security, transforming everyday life into a potential scene of a crime or a trauma yet to unfold that her protagonists endure and then attempt to conceal in an almost clumsy manner. When she chooses to forgo human presence, her narrative splits between its more sinister side visible in the work House Exterior where the Victorian mansion, the undisputed protagonist, is characterised by a ghostly appearance, earthy colours and details that emphasise its unsettling state of disrepair, as if at any moment one might catch a glimpse of a ghost or a frightening figure; and the other, more enigmatic side, which retains the underlying strangeness characteristic of her entire body of work, is revealed in her still lifes where the protagonists are sometimes real flowers mixed with artificial ones, thereby always evoking a sense of disorientation stemming from the question of why the plastic stems are placed in water as with real roses, or why objects appear out of context or seem to reveal scenes that have just taken place or are yet to unfold. Anna Weyant, born in Calgary, Canada, but divided between her home country and New York, where she lives and works, is represented by the Gagosian Gallery and has taken part in group exhibitions in the US, Belgium, Singapore, Hong Kong, France and the UK, she has also held solo exhibitions in New York, Los Angeles, Tokyo, Paris, London and Madrid and her works are part of private and public collections such as the Museo Nacional Thyssen-Bornemisza in Madrid, Spain; Tiffany & Co. in New York; the Femmes Artistes du Musée de Mougins in France; the Olivia Foundation in Mexico City; and the Addison Gallery of American Art in Andover, Massachusetts.