Ispirazioni Fauves con influenze simboliste nelle stilizzate ma vibranti opere di Tunji Adeniyi-Jones

Esistono alcune espressività che hanno bisogno di far sentire la loro voce in maniera profonda ma non immediatamente esplicita, quasi avvertissero l’urgenza di indurre l’osservatore a fare quello sforzo di approfondimento necessario a decifrare tutto ciò che questi artisti immettono nelle loro opere, ermetiche ma con un impatto visivo che non può non conquistare. Alcuni autori si posizionano in quella terra di mezzo tra figurazione e astrazione, come a voler mettere in evidenza l’essenza, la sostanza più solida e coriacea che sopravvive quando tutti i veli della superficie sono caduti. Il protagonista di oggi effettua questo percorso attingendo alle esperienze del secolo scorso per strutturare una cifra stilistica in cui le radici del suo popolo di origine emergono e si attualizzano emanando tutta la vivacità esistenziale e al contempo la magia mistica che le sue figure rappresentano.

La nascita dell’Espressionismo è imprescindibile da quelle sperimentazioni Fauves in cui venne rivoluzionata non solo la gamma cromatica ma anche un’immagine non più orientata all’esteticamente equilibrato e fedele all’osservato; venne così rovesciato il senso del fare arte che doveva appartenere a un sentire interiore, a un’emozionalità fino a prima completamente esclusa dall’esecuzione di un’opera. Henri Matisse, Maurice de Vlaminck e André Derain colpirono la sensibilità del mondo culturale dell’epoca con i colori aggressivi, pieni, debordanti al punto di meritarsi l’appellativo di bestie, questo il significato della parola Fauves tradotto dal francese, eppure, nonostante le resistenze e lo scandalo iniziali, diedero inizio a un movimento più grande e destinato a cambiare per sempre l’arte seguente. Laddove de Vlaminck rimase fortemente legato al paesaggio e a una rappresentazione ancora reale sebbene contraddistinta dai colori improbabili e poco sfumati tipici della nuova corrente che si andava a delineare, e André Derain non disdegnò le influenze puntiniste, Henri Matisse compì un percorso singolare perché nel corso degli anni si spostò verso una sempre più evidente stilizzazione delle figure protagoniste dei suoi dipinti, quasi come se dall’emozione avvertisse il bisogno di passare all’essenza, a ciò che deve toccare le corde interiori in virtù dell’assenza di orpelli e di contestualizzazioni superflue nel contesto della purezza espressiva.

L’attitudine narrativa di Matisse coincise con un’esigenza fisica, quella del calo della vista che lo costrinse a estremizzare il concetto di stilizzazione fino a dover ricorrere al collage; le ultime tele, con i suoi omini sagomati immersi nella natura e quasi fluttuanti nell’ambiente, furono di ispirazione per tutto quel trasversale gruppo di autori che accolsero l’idea di rendere indefinita la caratterizzazione dei loro protagonisti per mettere in evidenza la sensazione, il concetto che quei corpi dovevano esprimere. La Metafisica, seppure con un tocco pittorico più aderente alla realtà, ebbe uno dei maggiori esponenti della spersonalizzazione dei tratti in Giorgio de Chirico il quale utilizzò spesso l’evocazione di manichini per rappresentare un uomo che aveva perso il contatto con la realtà della storia; la Pop Art ebbe, e ha tutt’oggi, in Mark Kostabi la conferma di quanto l’espressività non dovesse essere legata alla descrizione dei particolari, bensì alla posizione dei corpi, al contesto nel quale vengono raccontati e alle sensazioni che l’autore fa loro esprimere; e infine il Surrealismo scultoreo di Rabarama di cui sono protagoniste figure ibride, avatar la cui pelle è costituita da segni, simboli, geroglifici, figure che infondono nell’osservatore la sensazione di trovarsi davanti a un puzzle da comporre per andare a scoprire il senso dell’espressività che dalle loro pose emerge. L’artista Tunji Adeniyi-Jones, nato in Inghilterra ma con origini dell’Africa occidentale, raccoglie le esperienze pittoriche fino a ora raccontate e le immerge in un Simbolismo che non può non legarsi alle radici yoruba dei suoi avi, quasi i suoi personaggi fossero individui ancestrali sospesi su una linea che va oltre il tempo e lo spazio, rappresentando tutto ciò che appartiene indissolubilmente alla spiritualità politeista e alla sua forte presenza nella vita quotidiana.

Dal punto di vista puramente espressivo, le figure, riconoscibili solo e unicamente per l’appartenenza al mondo maschile o a quello femminile, come fossero parti di una stessa unità e come se la presenza di entrambi fosse funzionale all’evoluzione dell’umanità, sono contraddistinte dalla forte stilizzazione presente in Henri Matisse e dalle tonalità eccentriche e intense dei Fauves riattualizzate però a tonalità più tenui e a volte insolite, come l’arancio e il viola.

Anche il posizionamento nello spazio, nella decontestualizzazione dell’ambiente che le circonda, ricorda i personaggi fluttuanti della produzione più matura del maestro francese, soprattutto nelle pose in cui Tunji Adeniyi-Jones sistema i suoi protagonisti che divengono iconici simboli legati alle credenze, alla tradizione spirituale del popolo yoruba, ai ritmi lenti e suggestivi dell’Africa dove ogni elemento, ogni gesto, ogni collocazione nello spazio ha un suo intrinseco significato. Quella dimensione a metà tra divino e terreno, tra solennità e terrestrità, infonde alle tele dell’autore un aspetto quasi ipnotico, in virtù delle pose galleggianti e della presenza di un Espressionismo così vicino all’Astrattismo da destabilizzare lo sguardo costringendolo a cercare i riferimenti più visibili; ecco che a quel punto vengono notati gli occhi delle figure, spesso femminili perché è nella donna che si delinea il confine tra sacro e profano, oppure i loro corpi pieni e flessuosi, o ancora le foglie e gli elementi della natura che spuntano dai colori vivaci e intensi. La vitalità cromatica si riallaccia anch’essa alla tradizione africana, quell’allegria visiva che riempie le strade e gli edifici, spesso di tonalità polverose e anonime, grazie alla quale l’essere umano diviene primo attore.

Sunset Duet mostra le due figure al centro della scena avvolte di tonalità che variano dal rosa intenso al rosso e all’arancio, ripercorrendo dunque i colori del cielo al tramonto, con i corpi in movimento, come se stessero ballando sensualmente in attesa del sopraggiungere della notte; la coppia guarda verso l’osservatore quasi distrattamente, come se non si sentissero disturbati da una presenza esterna perché ciò su cui sono concentrati è l’avvicinarsi l’uno verso l’altra preludendo a un abbraccio che di lì a poco li unirà. Dunque in qualche modo i colori di questa opera fanno riferimento anche alla passionalità, all’energia vitale di un sentimento, sia esso profondamente emotivo o superficialmente fisico, che si diffonde nell’intero lavoro, rompe i confini e deborda a infiammare tutto ciò che lo circonda.

Blue Dancer è invece una tela più notturna, la ballerina è raffigurata sottosopra, quasi stesse compiendo dei virtuosismi acrobatici attraverso i quali cattura l’attenzione del pubblico, rendendo magnetiche le sue movenze; eppure l’immagine che Tunji Adeniyi-Jones ne dà è di solitudine, la ragazza appare sola rendendo di fatto quella danza una pura e semplice espressione di un sé in attesa di qualcuno con cui comunicare, a cui mostrare la propria vera anima e da cui farsi ascoltare al di là della sua abilità nel ballo. Il motivo della forte presenza delle foglie è pertanto un invito a mostrare la propria vera anima perché è solo attraverso quella che una persona davvero interessata si può avvicinare per restare.

La tela Triple Dive Violet racconta invece di un tuffo nella natura, come testimoniato dallo sfondo floreale che infonde un senso di morbidezza e sofficità all’intera composizione, ricordando quanto sia importante per l’essenza più autentica non dimenticarsi di coltivare il contatto con tutto ciò che è ancestrale, atavico, e che nel passato era considerato la base della sopravvivenza. Tunji Adeniyi-Jones, nato a Londra, lascia emergere dunque una sottile nostalgia per le tradizioni e il modo di vivere dei suoi avi che, pur non avendo conosciuto il progresso e la modernità occidentali, hanno avuto tuttavia il privilegio di abitare immersi in quella natura a volte implacabile ma nella maggior parte dei casi avvolgente e ricca di doni. Il viola è il colore della spiritualità, della coscienza superiore che emerge proprio nel contatto con la spontaneità del sé, mentre i tocchi di arancione dello sfondo rappresentano l’energia rigenerante di quell’immersione nella flora che circonda l’essere umano.

Dance in the Heat II è realizzato nei colori rosso e giallo e rappresenta la forza necessaria per essere in grado di ballare anche nelle avversità, anche nelle condizioni più estreme, come simboleggia il caldo evocato dal titolo. Ma può esservi un’altra lettura in questa tela, quella della passionalità che si sprigiona nel momento in cui si lascia andare il corpo alla danza liberatoria, quasi rituale, per porsi in contatto con la parte più spirituale della vita, esattamente come indicato dalle tradizioni tribali africane.

Tunji Adeniyi-Jones ha al suo attivo mostre personali a Londra, Charleston, New York e Los Angeles, è stato presentato in recenti mostre collettive presso a Stoccolma e a Los Angeles. Le sue opere fanno parte delle collezioni pubbliche del Birmingham Museum of Art, a Birmingham in Alabama, del Dallas Museum of Art, in Texas e del Pérez Art Museum, a Miami in Florida.

TUNJI ADENIYI-JONES-CONTATTI

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Fauvist inspirations with Symbolist influences in the stylized yet vibrant works of Tunji Adeniyi-Jones

There are certain forms of expression that need to make their voice heard in a profound yet not immediately explicit way, as if sensing the urgency to prompt the viewer to make the necessary effort to delve deeper and decipher everything these artists imbue in their works, hermetic yet possessing a visual impact that cannot fail to captivate. Some authors position themselves in that middle ground between figuration and abstraction, as if wanting to highlight the essence, the most solid and leathery substance that survives when all the veils of the surface have fallen away. Today’s protagonist follows this path by drawing on the experiences of the last century to structure a stylistic signature in which emerge and are actualized the roots of his people of origin, emanating all the existential vitality and, at the same time, the mystical magic that his figures represent.

The birth of Expressionism is inseparable from those Fauve experiments in which not only was revolutionized the chromatic range but also an image no longer oriented towards aesthetic balance and faithfulness to the observed; thus was overtuned the meaning of making art which had to belong to an inner feeling, to an emotionality until previously completely excluded from the execution of an artwork. Henri Matisse, Maurice de Vlaminck and André Derain struck the sensibility of the cultural world of the time with their aggressive, full, overflowing colours to the point of deserving the nickname of beasts, this is the meaning of the word Fauves translated from French, and yet, despite the initial resistance and scandal, they started a larger movement destined to change the art of the following century forever.

While de Vlaminck remained strongly tied to the landscape and to a representation that was still real, although characterised by the improbable and poorly nuanced colours typical of the new movement that was emerging, and André Derain did not disdain the pointillist influences, Henri Matisse followed a singular path because over the years he moved towards an increasingly evident stylisation of the figures that were the protagonists of his paintings, almost as if he felt the need to move from emotion to the essence, to what must touch the inner chords by virtue of the absence of frills and superfluous contextualisations in the context of expressive purity. Matisse‘s narrative approach coincided with a physical need, that of failing eyesight, which forced him to push the concept of stylization to the extreme, to the point of resorting to collage; his last canvases, with their silhouetted figures immersed in nature and almost floating in the environment, inspired that entire cross-section of artists who embraced the idea of ​​blurring the characterization of their subjects to highlight the sensation, the concept those bodies were meant to express. Metaphysical Art, albeit with a more realistic pictorial touch, had one of its greatest exponents of the depersonalization of features in Giorgio de Chirico, who often used the evocation of mannequins to represent a man who had lost touch with the reality of history; Pop Art found, and still has, in Mark Kostabi the confirmation that expressiveness should not be tied to the description of details, but rather to the position of bodies, the context in which they are depicted, and the sensations the artist makes them express; and finally the sculptural Surrealism of Rabarama, whose protagonists are hybrid figures, avatars whose skin is made up of signs, symbols, hieroglyphics, figures that instill in the observer the sensation of being in front of a puzzle to be composed to discover the sense of expressiveness that emerges from their poses.

The artist Tunji Adeniyi-Jones, born in England but with West African origins, collects the pictorial experiences just described and immerses them in a Symbolism that cannot help but be linked to the Yoruba roots of his ancestors, almost as if his characters were ancestral individuals suspended on a line that goes beyond time and space, representing everything that inextricably belongs to polytheistic spirituality and its strong presence in daily life. From a purely expressive point of view, the figures, recognisable only and exclusively for belonging to the male or female world, as if they were parts of the same unity and as if the presence of both was functional to the evolution of humanity, are characterised by the strong stylisation present in Henri Matisse and by the eccentric and intense tones of the Fauves, however updated to more subtle and sometimes unusual shades, such as orange and purple. Even the positioning in space, in the decontextualization of the environment that surrounds them, recalls the floating characters of the French master’s more mature production, especially in the poses in which Tunji Adeniyi-Jones arranges his protagonists who become iconic symbols linked to beliefs, to the spiritual tradition of the Yoruba people, to the slow and evocative rhythms of Africa where every element, every gesture, every placement in space has its own intrinsic meaning. This dimension, halfway between divine and earthly, between solemnity and earthliness, imbues the artist’s canvases with an almost hypnotic look, thanks to the floating poses and the presence of an Expressionism so close to Abstractionism that it destabilizes the gaze, forcing it to seek out the most visible references. At this point come into focuso the eyes of the figures, often female because it is in women that is delineated the boundary between sacred and profane, or their full supple bodies, or even the leaves and natural elements that emerge from the vivid, intense colors.

The chromatic vitality also harks back to African tradition, that visual joy that fills the streets and buildings, often with dusty and anonymous hues, thanks to which the human being becomes the main actor. Sunset Duet shows the two figures at the center of the scene enveloped in shades ranging from intense pink to red and orange, thus retracing the colors of the sky at sunset, with their bodies in motion, as if they were dancing sensually while waiting for the night to arrive; the couple looks towards the observer almost distractedly, as if they do not feel disturbed by an external presence because what they are focused on is getting closer to each other, preluding an embrace that will soon unite them. So in some way the colours of this work also refer to passion, to the vital energy of a feeling, be it deeply emotional or superficially physical, which spreads throughout the entire work, breaks boundaries and overflows to inflame everything around it. Blue Dancer is instead a more nocturnal canvas, the dancer is depicted upside down, almost as if she were performing acrobatic virtuosity through which she captures the audience’s attention, making her movements magnetic; yet the image that Tunji Adeniyi-Jones gives of her is one of solitude, the girl appears alone, making that dance a pure and simple expression of a self waiting for someone to communicate with, to whom she can show her true soul and to whom letting be heard beyond her dancing ability. The reason for the strong presence of the leaves is therefore an invitation to show one’s true soul because it is only through that that a truly interested person can get closer to stay. The canvas Triple Dive Violet tells instead of a dive into nature, as evidenced by the floral background that infuses a sense of softness and fluffiness to the entire composition, reminding on how important it is for the most authentic essence not to forget to cultivate the contact with everything that is ancestral, atavistic, and which in the past was considered the basis of survival.

Tunji Adeniyi-Jones, born in London, thus reveals a subtle nostalgia for the traditions and way of life of his ancestors who, despite not having experienced Western progress and modernity, nevertheless had the privilege of living immersed in that nature that was at times relentless but in most cases enveloping and rich in gifts. Purple is the color of spirituality, of the higher consciousness that emerges precisely through contact with the spontaneity of the self, while the touches of orange in the background represent the regenerating energy of that immersion in the flora that surrounds the human being. Dance in the Heat II is created in red and yellow and represents the strength needed to be able to dance even in adversity, even in the most extreme conditions, as symbolized by the heat evoked by the title. But there could be another reading of this painting, that of the passion unleashed when one lets the body go in a liberating, almost ritualistic dance, to connect with the most spiritual side of life, exactly as indicated by African tribal traditions. Tunji Adeniyi-Jones has had solo exhibitions in London, Charleston, New York, and Los Angeles, and has recently been featured in group shows in Stockholm and Los Angeles. His works are part of the public collections of the Birmingham Museum of Art in Birmingham, Alabama, the Dallas Museum of Art in Texas and the Pérez Art Museum in Miami, Florida.