La declinazione Metafisica della Natura Morta nel Realismo ad acquarello di Anna Galea

L’arte mostra continuamente quanto ogni oggetto, ogni paesaggio, ogni volto possa modificare le sue sembianze e il senso profondo della sua essenza sulla base della sensibilità osservativa del singolo autore che diviene la chiave di lettura e di interpretazione di un visibile variabile e cangiante tanto quanto sfaccettata e costantemente in movimento è la realtà. Dunque anche da un tipo di approccio stilistico decisamente connesso a essa sia dal punto di vista formale che da quello narrativo, possono emergere considerazioni differenti in grado di plasmare l’oggettività per adeguarla all’indole più o meno emotiva, più o meno riflessiva, più o meno razionale di ciascun artista. Anna Galea mostra non solo una predilezione per il senso nascosto, quello metaforico in grado di fuoriuscire grazie al suo impeccabile tocco pittorico, ma anche una spiccata capacità di modificare una specifica tecnica rendendola perfettamente affine alla sua esigenza narrativa e di trasformare un genere artistico in un mezzo per mettere in risalto tutta la bellezza che circonda l’essere umano e che troppo stesso viene ignorata, o forse sarebbe meglio dire non vista.

Pur essendovi raffigurazioni anche antecedenti, di fatto la Natura Morta cominciò a divenire un genere pittorico apprezzato e collezionato solo nel Seicento, con le straordinarie opere di Caravaggio e di Fede Galizia, e anche con le tele di alcuni esponenti dell’Arte Fiamminga; da quel momento in avanti furono molti gli artisti che introdussero nella loro produzione questo tipo di rappresentazione, mostrando un crescente interesse per il dettaglio e per la serenità emanata da opere in cui frutta e fiori erano protagonisti assoluti. Nell’Ottocento, soprattutto con i Post-Impressionisti di cui Paul Cézanne fu uno dei maggiori rappresentanti, la Natura Morta cominciò a divenire spunto per la sperimentazione del colore e delle forme che poi si ampliò e seguì nelle avanguardie di fine secolo, ma anche occasione per mettere in luce la bellezza insita in oggetti funzionali alla vita quotidiana eppure osservati solo distrattamente, in cui cominciava a essere evidente l’interesse degli artisti nei confronti dell’uomo inteso come soggetto emozionale. Dopo gli stravolgimenti dei Fauves francesi, particolarmente intense e vivaci furono le Nature Morte di Henri Matisse, ma fatta eccezione per qualche dipinto cubista fu di fatto la Metafisica a proseguire la tradizione di interesse verso i soggetti inanimati, concentrandosi in particolar modo sui vasi e sulle caraffe, come mostra tutta la produzione pittorica di Giorgio Morandi e parte di quella di Giorgio de Chirico che estese il senso della natura morta all’interezza delle sue tele, come mezzo per la meditazione sui concetti esistenziali, sulla connessione tra ricchezza del passato e desolazione del presente che hanno contraddistinto la sua opera. Il silenzio e la suggestione della Metafisica di questi due autori trovò applicazione, diversi decenni dopo, in una delle sfaccettature dell’Iperrealismo, in particolare quello dello statunitense Ralph Goings che descrisse in tutte le sue opere gli oggetti lasciati sulle tavole calde, in un periodo in cui queste ultime erano diventate un modo per i giovani di incontrarsi, socializzare, riunirsi seguendo le mode e consacrando il successo dei poco successivi fast-food. Anche in questo caso la Natura Morta era un modo per mettere in evidenza tutti quei dettagli trascurati, osservando i quali non poteva non emergere la rilevanza sociale che quei luoghi, quei tavoli pieni di condimenti, dolciumi e caffè, avevano nelle persone degli anni Cinquanta del Novecento. L’immagine quasi fotografica tipica dell’Iperrealismo assume qui un aspetto metafisico, induce l’osservatore a considerare quelle opere non solo come una mera riproduzione, piuttosto come la testimonianza di un’epoca.

L’artista Anna Galea, che vive e opera tra Roma e Malta, trova una strada intermedia tra i soggetti più tradizionali della Natura Morta pre-ottocentesca e il senso metaforico che la avvicina fortemente alla Metafisica con due particolarità che rendono il suo percorso unico e distinguibile: da un lato l’attitudine a mettere in primo piano, focalizzandovi tutta l’attenzione, un solo elemento che riempie l’intera superficie dell’opera, dall’altro l’utilizzo di una tecnica come l’acquarello che in lei diviene intenso e pieno, assumendo le sembianze di un colore acrilico o a olio piuttosto che avvicinarsi alla diluizione tipica delle tinte ad acqua. In lei ogni fiore, ogni verdura, assume un aspetto contemporaneo, quasi fashion, e al contempo sembra richiamare l’attenzione sulla metafora che ha bisogno di evocare, prevalentemente quella attraverso la quale Anna Galea desidera mettere in luce, allo stesso modo in cui nell’epoca attuale, votata all’esaltazione della bellezza e della perfezione dell’immagine, ogni persona desidera apparire nella sua veste migliore. Ecco, l’autrice infonde i suoi soggetti della malìa della loro veste migliore, ne esalta le forme e ne evidenzia l’unicità, quasi la sua fosse un’esortazione a non trascurarne l’estetica oltre che la funzionalità, perché secondo la sua filosofia ogni oggetto appartenente alla natura possiede una bellezza implicita, una perfezione formale e sostanziale che difficilmente viene considerata, proprio perché tutto viene dato per scontato in un mondo in cui la fretta di fare, di ottenere e di raggiungere induce a perdere il piacere dell’assaporare attraverso il ritmo lento della contemplazione.

Anna Galea torna verso l’attitudine a osservare, a riflettere sul senso e sul silenzio suggestivo che stimola una riflessione profonda legata al segreto dell’esistenza, quella necessaria capacità di apprezzare la semplicità delle piccole cose, le gioie quotidiane costituite da oggetti essenziali quanto rassicuranti. Lo stile dunque è quello della chiarezza espressiva, quell’Iperrealismo che in lei si riempie di atmosfera, di impalpabilità decontestualizzata e necessaria a mettere i soggetti in primo piano, come si trovassero su un palcoscenico teatrale con una scenografia che ne esalta i colori naturali; la particolarità di Anna Galea è quella di utilizzare l’acquarello, una delle sue tecniche preferite malgrado utilizzi magistralmente anche l’olio su tela, in maniera molto densa, piena, pochissimo diluito, dando perciò la sensazione di trovarsi di fronte a opere realizzate in acrilico. La natura è ùsovrana nella produzione artistica dell’autrice, diviene punto focale di una ricerca pittorica che punta l’attenzione sul dettaglio, sulla perfezione esecutiva, attraendo lo sguardo sull’estetica e sulla plasticità della sua narrazione, per poi successivamente aprirsi al silenzio, alla meditazione suggerita dagli sfondi indefiniti, come se i fiori e le verdure protagoniste fossero sospese in una dimensione incantata, magica e fortemente evocativa.

Just a cabbage mostra la bellezza sorprendente di un cavolo su cui Anna Galea ironizza proprio perché se guardato dalla giusta angolazione anche quella verdura può assumere una sembianza soprendente, simile a un fiore i cui petali sono verdi, rigogliosi, freschi nell’aspetto; la metafora nascosta di quest’opera è quella dell’andare oltre lo sguardo superficiale perché è solo approfondendo che è possibile scoprire uno splendore e un fascino segreti che si rivelano unicamente a chi è capace di soffermarsi invece che passare velocemente oltre. Il cavolo si mostra con tutta la sua spontaneità, cercando di dare il meglio di sé esaltato dal tratto sensibile e minuzioso dell’autrice che si fa voce interpretativa di chi abitualmente non ha voce. In Agreing to disagree fuoriesce il lato più metafisico di Anna Galea poiché qui l’immagine del fiore appare come riflessa su uno specchio, i suoi tre steli confluiscono e al contempo divergono, come se le loro differenze fossero il motivo di distanza tra esseri simili; nel titolo emerge il concetto di base dell’opera poiché in qualsiasi relazione, di qualunque tipo essa sia, è fondamentale accettare l’altro non come opposto a sé, piuttosto come diverso da sé anche se complementare, e dunque prendere atto della possibilità che abbia un pensiero e un’opinione diverse è l’unico modo per convivere in armonia.

Il riflesso dell’acqua in cui gli steli dei fiori sono immersi contribuisce a infondere il senso di mutevolezza, di sfaccettamento della realtà corrispondente ai differenti punti di vista che possono nascere e svilupparsi anche all’interno di una relazione che non necessariamente deve essere simbiotica nel pensiero per essere autentica. Quando si misura con l’olio su tela invece, Anna Galea recupera una struttura più classica della composizione, pur mantenendo uno stile Iperrealista, poiché gli sfondi sono contestualizzati nell’ambiente, nello scorcio che accoglie gli oggetti raccontati suggerendo la presenza umana, il passaggio appena avvenuto, o di lì da avvenire, per cui tutto appare come un racconto di un piccolo scorcio di vita quotidiana; l’atmosfera è sospesa, di attesa, ma al contempo è calda, familare, piena di ordinarietà che, sotto la lente sensibile dell’autrice, diventa straordinaria. Anna Galea è un’artista pluripremiata, i suoi lavori sono stati esposti in numerose località, tra cui Londra, New York, Washington, Parigi, Milano, Roma, Bruxelles, Melbourne, Abu Dhabi, Dubai – anche all’Expo 2020 -, alla Biennale di Firenze 2023, in Cina, Giappone e Malta.

ANNA GALEA-CONTATTI

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The Metaphysical interpretation of Still Life in Anna Galea’s watercolor Realism

Art continually demonstrates how every object, every landscape, and every face can alter its appearance and the profound meaning of its essence based on the observational sensibility of the individual artist, who becomes the key to understanding and interpreting a visible world that is as variable and ever-changing as reality itself, which is multifaceted and constantly in motion. Thus, even from a stylistic approach that is firmly rooted in reality, both formally and narratively, different perspectives can emerge, capable of shaping objectivity to align with each artist’s more or less emotional, more or less reflective, and more or less rational disposition. Anna Galea demonstrates not only a predilection for hidden meaning, the metaphorical sense that emerges through her impeccable painterly touch, but also a remarkable ability to adapt a specific technique, making it perfectly suited to her narrative needs, and to transform an artistic genre into a means of highlighting all the beauty that surrounds human beings and that is all too often ignored, or perhaps it would be better to say unseen.

Although there were earlier depictions, Still Life did not become a widely appreciated and collected genre of painting until the 17th century, with the extraordinary paintings of Caravaggio and Fede Galizia as well as the canvases of certain representatives of Flemish art; from that point onward, many artists incorporated this type of representation into their work, demonstrating a growing interest in detail and in the serenity emanating from works in which fruit and flowers were the undisputed protagonists. In the 19th century, especially with the Post-Impressionists, of whom Paul Cézanne was one of the leading figures, Still Life began to serve as a starting point for experimentation with color and form, an approach that later expanded and continued into the avant-garde movements of the late 19th century, but also as an opportunity to highlight the inherent beauty of everyday objects, often observed only in passing, in which artists’ interest in humanity as an emotional subject began to become evident. Following the revolutionary upheavals of the French Fauves, Henri Matisse’s Still Lifes were particularly intense and vibrant; however, with the exception of a few Cubist paintings, it was in fact Metaphysical Art that carried on the tradition of interest in inanimate subjects, focusing in particular on vases and carafes, as evidenced by the entire body of work by Giorgio Morandi and part of that by Giorgio de Chirico, who extended the concept of the still life to the entirety of his canvases as a means of meditating on existential concepts and on the connection between the richness of the past and the desolation of the present, themes that characterized his production.

The silence and evocative power of these two artists’ Metaphysical Art found application, several decades later, in one of the facets of Hyperrealism, particularly that of the American artist Ralph Goings, who depicted in all his works the objects left on diner tables, at a time when these sites had become a place for young people to meet, socialize, and gather in accordance with the trends of the day, thereby cementing the success of the fast-food restaurants that would soon follow. Here, too, the Still Life served as a way to highlight all those overlooked details, observing them one could not help but recognize the social significance that those places, those tables laden with condiments, sweets, and coffee, held for people in the 1950s. The almost photographic imagery typical of Hyperrealism takes on a metaphysical aspect here, prompting the viewer to consider these works not merely as reproductions, but rather as a testament to an era. The artist Anna Galea, who lives and works between Rome and Malta, finds a middle ground between the more traditional subjects of pre-nineteenth-century still life and the metaphorical meaning that strongly links her work to Metaphysical Art, with two distinctive features that make her artistic journey unique and recognizable: on the one hand, her tendency to bring a single element to the foreground focusing all attention on it as it fills the entire surface of the work and, on the other, her use of a technique like watercolor, which in her hands becomes intense and rich, taking on the appearance of acrylic or oil paint rather than resembling the typical dilution of water-based pigments. In her, every flower and every vegetable takes on a contemporary, almost fashion-forward appearance, while at the same time seeming to draw attention to the metaphor it is meant to evoke, primarily the one through which Anna Galea seeks to highlight how, in today’s world devoted to the glorification of beauty and the perfection of image, every person desires to appear at their best. Indeed, the artist imbues her subjects with the allure of their finest form, enhancing their shapes and highlighting their uniqueness almost as if to urge not to neglect their aesthetics as well as their functionality because, according to her philosophy, every object in nature possesses an inherent beauty, a formal and substantive perfection that is rarely considered, precisely because everything is taken for granted in a world where the rush to act, to obtain, and to achieve leads man to lose the pleasure of savoring life through the slow rhythm of contemplation. Anna Galea returns to the practice of observing, of reflecting on meaning and on the evocative silence that stimulates deep contemplation linked to the mystery of existence, that essential ability to appreciate the simplicity of small things, the everyday joys made up of objects that are as essential as they are reassuring.

Her style, therefore, is one of expressive clarity, that Hyperrealism which in her work is imbued with atmosphere and a decontextualized ethereality necessary to bring the subjects to the forefront, as if they were on a theatrical stage with a set design that enhances their natural colors; what sets Anna Galea apart is her use of watercolor, one of her favorite techniques though she also masterfully employs oil on canvas, applied in a very dense, rich manner, with very little dilution, thus giving the impression of viewing works created in acrylic. Nature reigns supreme in the artist’s production, becoming the focal point of a pictorial exploration that focuses on detail and technical perfection drawing the eye to the aesthetics and plasticity of her narrative, before opening up to silence and the meditation suggested by the undefined backgrounds as if the flowers and vegetables at the center of her work were suspended in an enchanted, magical, and deeply evocative dimension. Just a Cabbage reveals the surprising beauty of a cabbage, which Anna Galea playfully highlights precisely because, when viewed from the right angle, even this vegetable can take on a surprising feature, similar to a flower whose petals are green, lush, and fresh in appearance; the hidden metaphor of this work is that of looking beyond the surface because it is only by delving deeper that one can discover a secret splendor and charm that reveals only to those capable of pausing rather than rushing past. The cabbage shows itself in all its spontaneity, striving to display its best side, enhanced by the artist’s sensitive and meticulous brushwork which serves as an interpretive voice for those who are usually voiceless.

In Agreeing to Disagree emerges Anna Galea’s more metaphysical side as here the image of the flower appears as if reflected in a mirror; its three stems converge and diverge at the same time, as if their differences were the reason for the distance between similar beings; the title reveals the work’s underlying concept that in any relationship, whatever its nature, it is essential to accept the other not as an opposite to oneself, but rather as different from, yet complementary to, oneself; thus, acknowledging the possibility that the other may hold different thoughts and opinions is the only way to coexist in harmony. The reflection of the water in which the flower stems are immersed helps to convey a sense of changeability and the multifaceted nature of reality, corresponding to the different points of view that can arise and develop even within a relationship that need not necessarily be symbiotic in thought to be authentic. When working in oil on canvas, however, Anna Galea returns to a more classical compositional structure while maintaining a hyperrealist style, as the backgrounds are contextualized within the setting in the glimpse that frames the depicted objects, suggesting a human presence, a moment that has just passed or is about to occur, so that everything appears as a narrative of a small gaze of everyday life; the atmosphere is suspended, of waiting, yet at the same time it is warm, familiar, and full of the ordinary which, under the artist’s sensitive gaze, becomes extraordinary. Anna Galea is a multi-award-winning artist, her works have been exhibited in numerous locations as London, New York, Washington, Paris, Milan, Rome, Brussels, Melbourne, Abu Dhabi, Dubai—including at Expo 2020—, the 2023 Florence Biennale, China, Japan, and Malta.