La dissoluzione pittorica tra applicazione e rimozione del Color Field di Callum Innes

Esistono processi creativi che trasformano il concetto e l’azione in elementi determinanti del gesto artistico, come se il semplice dipingere, mettere il colore sulla tela, non fosse sufficiente a soddisfare una natura espressiva troppo sfaccettata e complessa, facendo così emergere quella vivacità mentale e analitica che appartiene ad alcuni protagonisti dell’arte contemporanea. L’approfondimento sul significato profondo dei temi universali come il tempo e il suo passaggio rapido, la necessità dell’interiorità di riflettere su tutto ciò che sfugge allo sguardo superficiale con cui spesso l’uomo moderno affronta la realtà in cui vive sono il fulcro della produzione del protagonista di oggi che si ispira a una delle tecniche tipiche dell’Espressionismo Astratto per poi superarla dando vita a un percorso personale di ricerca sulla non-pittura che contraddistingue la sua produzione.

Il percorso che condusse, intorno agli anni Cinquanta del Novecento, a far nascere un movimento rivoluzionario quanto necessario in quel particolare contesto storico, fu graduale e generato dalle modificazioni che cominciarono a manifestarsi già agli inizi del Ventesimo secolo quando l’osservazione pittorica cominciò a distaccarsi dalla realtà circostante per entrare nel mondo dell’astrazione. I movimenti pionieri dell’Arte Astratta vollero tuttavia dimenticare la connessione con l’emozionalità per sottolineare quanto il gesto plastico fosse indipendente da qualsiasi soggettivismo e quanto potesse sopravvivere e rimanere distante dalle vicissitudini belliche che si susseguirono in quei primi decenni del secolo; solo Wassily Kandinsky provò a connettere le sue figure piatte e fluttuanti sulla tela alla piacevolezza delle note musicali che accompagnavano il suo momento creativo associandogli un particolare colore. Per il resto tutto il mondo geometrico successivo, dal De Stijl di Piet Mondrian al Suprematismo di Kazimir Malevic, compì un’estrema razionalizzazione dell’arte che provocò un vero e proprio allontanamento di tutta quella fetta di pubblico non-intellettuale per cui comprendere un concetto tanto ermetico diveniva troppo difficile. Fu così che negli Stati Uniti i fondatori dell’Espressionismo Astratto decisero di opporsi a quella scelta tanto razionalista e vollero recuperare le sensazioni e le emozioni che dovevano permeare ogni tela e comunicare verso l’esterno; in questo percorso più tendente all’idea di Wassily Kandinsky piuttosto che al distacco formale di Piet Mondrian, gli interpreti dell’Espressionismo Astratto come Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline e Arshile Gorky introdussero l’azione esecutiva che divenne parte essenziale dell’opera stessa, dando così vita all’Action Painting.

Il gesto entrò così di diritto all’interno del dipinto che, anche in virtù dell’intensità del movimento compiuto, rivelava la personalità e l’interiorità del singolo autore. Ben presto anche gli artisti europei risposero all’innovazione dell’Espressionismo Astratto trasformandolo però in un’Arte Informale dove anche la materia trovò spazio sulla tela, cercando la terza dimensione ma anche un approccio più concettuale sia per il significato del collocare gli elementi sull’opera, come nel caso di Antoni Tàpies, e sia per studiare la reazione chimica dei materiali a contatto con solventi e bruciature, come nelle tele sofferenti e intense di Alberto Burri o in quelle evanescenti ma stratificate di Jean Fautrier. In tutti questi autori a emergere chiaramente era la personalità espressiva di ciascun interprete, a volte più irruenta, altre più moderata e contemplativa, altre ancora scientifica e quasi ironica; tra gli autori che mostrarono un atteggiamento riflessivo ed evocativo vi furono Mark Rothko, di fatto l’ideatore del Color Field, Helen Frankentahler e Barnett Newman che declinarono la tecnica in maniera differente sulla base del proprio intento creativo. In tutte le loro opere però è evidente la calma e la necessità di perdersi dentro atmosfere suggestive e non gridate dove il tempo sembra rarefarsi ed espandersi verso il silenzio. L’artista scozzese Callum Innes, pur attingendo esattamente al Color Field di Mark Rothko, ne trasforma l’essenza concettuale ampliandone il senso intrinseco poiché le sue tele normalmente bicrome vanno a esplorare la dissoluzione, la destrutturazione che da un lato lo avvicina al fermo immagine fotografico, dall’altro invece sottolineano l’atteggiamento analitico e al contempo filosofico dell’autore.

La sua non-pittura si basa infatti sull’azione del diluire con la trementina il colore precedentemente steso e poi di nuovo dipingere e diluire, in un processo che infonde al risultato finale un aspetto stratificato dove si alterna la sostanza alla fragilità evidenziata dalle strisce evanescenti e dalle impercettibili colate di colore. La sensazione che si riceve osservando le sue opere è quella di una calma apparente, di trovarsi di fronte a un processo in divenire che è stato improvvisamente arrestato congelando letteralmente il tempo in un preciso e determinato istante sospeso, paragonabile a quello colto dal fotografo durante lo scatto.

In qualche modo la cancellazione di ciò che esiste al di sotto si riallaccia all’Espressionismo Astratto di Gerard Richter, sebbene in Callum Innes il gesto di dissoluzione non avviene meccanicamente attraverso una spatola bensì si genera attraverso un processo chimico che lo riconduce agli esperimenti sulla materia e sul colore di Jean Fautrier e di Alberto Burri. L’aspetto bicromo e quasi geometrico delle sue tele ricorda invece il lavoro di Barnett Newmann perché la suggestione evocata riconduce l’osservatore alle proprie emozioni, all’eco intenso che l’interiorità riceve osservando i lavori di Callum Innes lasciandosi avvolgere dalle tonalità in contrasto, come il nero associato al turchese, o al viola, o al fucsia, il bianco avvicinato al rosso intenso oppure lasciato come unico protagonista.

Eppure all’interno di quella geometricità si percepisce il disequilibrio, il fuori squadra che conduce la mente verso l’associazione quasi inconsapevole con la stessa essenza umana, quella natura imperfetta alla costante ricerca di un bilanciamento apparentemente impossibile da trovare. L’alternarsi tra controllo e fluidità, tra costruzione e distruzione, diviene quindi un’allegoria dell’esistenza, dello sforzo che ogni individuo compie per gestire una vita che di fatto mostra costantemente la sua ingestibilità e alla quale non si può che lasciarsi andare senza aggrapparsi a convinzioni rigide – lo strato di colore -, che possono essere spazzate via da un evento che costringe a cambiare punto di vista – la trementina -, su cui ricominciare a costruire nuove convinzioni successivamente ancora una volta cancellate e modificate.

La stratificazione del processo va a generare quella consapevolezza evolutiva del doversi arrendere al flusso della vita piuttosto che combattere faticosamente per rimanere rigidi su posizioni incompatibili con il fluire acquatico delle circostanze. Anche i titoli-non-titoli svelano l’invito sussurrato di Callum Innes a respirare la suggestione, a lasciarsi trasportare dai colori e dalle sottili venature che li attraversano amplificando la riflessione sul senso dell’esistenza, sulla necessità di comprendere le sfumature e di scegliere il silenzio come momento essenziale per compiere quell’approfondimento introspettivo necessario in ogni processo di crescita interiore e di consapevolezza di sé.

Decostruire prima di ricomporre, dissolvere prima di creare un nuovo strato, concretizzare prima di fluidificare, sono tutti concetti che appaiono come metafora di un vivere contemporaneo che sembra aver perso il senso più autentico perché orientato alla ricerca perpetua del semplice, del facilmente ottenibile, di un effimero che non riuscirà mai a concretizzare quell’inevitabile percorso che ha bisogno di ostacoli, di cadute funzionali a rialzarsi, di distruzioni necessarie per rinascere, di annullamento di certezze troppo spesso determinate non tanto dalla coscienza del singolo quanto da quella collettiva con tutti i limiti e i condizionamenti che essa implica.

Le opere di Callum Innes risuonano dunque di poesia, di lirismo filosofico ed esistenziale, come se le imperfezioni esecutive, a fronte di una tecnica reale impeccabile, fossero una provocazione e al contempo uno stimolo per l’essere umano attuale che forse ha solo bisogno di una guida, di uno spunto di riflessione per recuperare quelle profondità perdute in un mondo troppo pragmatico e orientato a mostrare solo la parte superficiale e apparentemente forte, invece di lasciar fuoriuscire anche le fragilità che inevitabilmente fanno parte della complessa struttura interiore di ciascun individuo. La presenza dunque si alterna all’assenza intesa non come qualcosa di esterno al sé bensì come quella parte mancante che solo attraverso la riflessione può essere recuperata e condotta verso la coscienza che diviene il punto di incontro tra emozionalità e logica, tra sensazione e analisi di tutto ciò che circonda la vita.

Callum Innes, che vive e lavora tra Edimburgo e Oslo, ha partecipato a importanti mostre personali e collettive in tutto il mondo, ha ricevuto premi internazionali e le sue opere sono presenti in numerose e prestigiose collezioni pubbliche, tra cui la Tate di Londra, il Centre Pompidou di Parigi, la Kunsthaus Zürich, il Solomon R. Guggenheim Museum di New York, l’Art Gallery of Ontario di Toronto e la National Gallery of Australia di Canberra.

CALLUM INNES-CONTATTI

Email: gallery@kerlin.ie

Sito web: www.calluminnes.com/

www.kerlingallery.com/artists/callum-innes#tab:thumbnails

Instagram: www.instagram.com/studiocinnes/

The pictorial dissolution between application and removal in Callum Innes’s Color Field

There are creative processes that transform concept and action into defining elements of the artistic gesture, as if the simple act of painting, applying color to the canvas, were not enough to satisfy an expressive nature that is too multifaceted and complex, thereby bringing to the fore the mental and analytical vitality characteristic of certain leading figures in contemporary art. An in-depth exploration of the profound meaning of universal themes such as time and its rapid passage, and the need for introspection to reflect on everything that escapes the superficial gaze with which modern man often confronts the reality in which he lives, are at the heart of today’s protagonist who draws inspiration from one of the typical techniques of Abstract Expressionism to then transcend it, giving rise to a personal journey of exploration into non-painting that distinguishes his artistic production.

The path that led, around the 1950s, to the birth of a movement that was as revolutionary as it was necessary in that particular historical context was gradual, driven by changes that had already begun to manifest themselves at the start of the 20th century, when pictorial observation started to detach itself from the surrounding reality and enter the world of abstraction. The pioneering movements of Abstract Art, however, sought to sever the connection with emotion in order to emphasize how independent the artistic gesture was from any subjectivity and how it could survive and remain detached from the vicissitudes of war that unfolded during those early decades of the century; only Wassily Kandinsky attempted to connect his flat, floating figures on the canvas to the pleasure of the musical notes that accompanied his creative moment, associating each with a specific color. For the rest, the entire subsequent geometric movement, from Piet Mondrian’s De Stijl to Kazimir Malevich’s Suprematism, underwent an extreme rationalization of art that led to a veritable alienation of the entire non-intellectual segment of the public, for whom understanding such an esoteric concept became too difficult. And so it was that in the United States the founders of Abstract Expressionism decided to oppose that highly rationalist approach and sought to recapture the sensations and emotions that were meant to permeate every canvas and be communicated to the outside world; in this approach, which leaned more toward Wassily Kandinsky’s ideas than toward Piet Mondrian’s formal detachment, the artists of Abstract Expressionism, such as Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline, and Arshile Gorky, introduced the act of creation itself as an essential part of the work, thus giving rise to Action Painting. So the gesture became an integral part of the painting which, partly due to the intensity of the movement performed, revealed the personality and inner world of the individual artist.

Soon also European artists responded to the innovation of Abstract Expressionism, transforming it, however, into Informal Art where the material itself found a place on the canvas, seeking not only the third dimension but also a more conceptual approach both in terms of the significance of placing elements within the work, as in the case of Antoni Tàpies, and in studying the chemical reaction of materials when exposed to solvents and burning, as seen in Alberto Burri’s intense, tormented canvases or in Jean Fautrier’s evanescent yet layered works. In all of these artists emerge the expressive personality of each of them, at times more impetuous, at others more restrained and contemplative, and still others scientific and almost ironic. Among the artists who displayed a reflective and evocative approach were Mark Rothko, who was in fact the founder of Color Field painting, Helen Frankenthaler and Barnett Newman, which applied the technique differently based on their own creative intent. In all their works, however, there is a palpable sense of calm and a need to lose oneself in evocative, understated atmospheres where time seems to thin out and expand toward silence. The Scottish artist Callum Innes, while drawing directly from Mark Rothko’s Color Field, transforms its conceptual essence by expanding its intrinsic meaning because his typically two-tone canvases explore dissolution and deconstruction which, on the one hand, bring him closer to a photographic still image, and on the other, underscore the artist’s analytical yet philosophical approach.

His non-painting is based on the process of diluting previously applied paint with turpentine, then painting and diluting again, a process that imbues the final result with a layered appearance where substance alternates with fragility, highlighted by evanescent streaks and imperceptible drips of color. The sensation one gets when observing his works is that of apparent calm, of being faced with an ongoing process that has been suddenly halted, literally freezing time at a precise and specific suspended moment comparable to the one captured by a photographer at the moment the shutter is released. In some ways, the erasure of what lies beneath echoes Gerard Richter’s Abstract Expressionism, although in Callum Innes’s work the act of dissolution does not occur mechanically with a palette knife but is generated through a chemical process that connects it to the experiments on matter and color conducted by Jean Fautrier and Alberto Burri. The two-tone and almost geometric appearance of his canvases, on the other hand, recalls the work of Barnett Newman because the atmosphere evoked draws the viewer back to his own emotions, to the intense resonance that his inner self experiences when observing Callum Innes’s paintings allowing oneself to be enveloped by contrasting hues, such as black paired with turquoise, or purple, or fuchsia, white juxtaposed with deep red or left as the sole protagonist. Yet within that geometricity, one perceives imbalance, and a sense of being out of alignment which leads the mind toward an almost unconscious association with human esssence itself, that imperfect nature constantly seeking a balance that seems impossible to find.

The alternation between control and fluidity, between construction and destruction, thus becomes an allegory of existence, of the effort every individual makes to manage a life that, in fact, constantly reveals its unmanageability, and to which one can only surrender without clinging to rigid convictions —the layer of color— which can be swept away by an event that forces a change in perspective —the turpentine— upon which to begin building new convictions, only to have them erased and altered once again. The layering of this process generates an evolving awareness of the need to surrender to the flow of life rather than struggle exhaustively to remain rigidly fixed on positions incompatible with the fluid, water-like flow of circumstances. Even the titles-non-titles reveal Callum Innes’s whispered invitation to breathe in the atmosphere, to let oneself be carried away by the colors and the subtle veins that run through them, amplifying reflection on the meaning of existence, on the need to understand nuances, and to choose silence as an essential moment for undertaking the introspective deepening necessary in every process of inner growth and self-awareness.

Deconstructing before reconstructing, dissolving before creating a new layer, solidifying before liquefying, are all concepts that serve as metaphors for a contemporary way of life that seems to have lost its most authentic meaning because it is oriented toward the perpetual pursuit of the simple, the easily attainable, and the ephemeral which will never succeed in embodying that inevitable journey that requires obstacles, falls whic serve as stepping stones to rise again, destruction necessary for rebirth, and the dismantling of certainties too often determined not so much by individual consciousness as by collective consciousness, with all the limitations and conditioning that it entails. Callum Innes’s works thus resonate with poetry, with philosophical and existential lyricism, as if the imperfections in their execution, in the face of an impeccable technical skill, were both a provocation and a stimulus for contemporary humanity that perhaps needs only guidance, a spark of reflection to recover those depths lost in a world that is too pragmatic and focused on displaying only the superficial and seemingly strong, rather than allowing to emergethe fragilities that are inevitably part of each individual’s complex inner structure.

Presence, therefore, alternates with absence—understood not as something external to the self but as that missing part that can only be recovered through reflection and brought into consciousness, which becomes the meeting point between emotion and logic, between sensation and analysis of everything that surrounds life. Callum Innes, who lives and works between Edinburgh and Oslo, has participated in major solo and group exhibitions around the world, has received international awards, and his works are included in numerous prestigious public collections, including the Tate in London, the Centre Pompidou in Paris, the Kunsthaus Zürich, the Solomon R. Guggenheim Museum in New York, the Art Gallery of Ontario in Toronto, and the National Gallery of Australia in Canberra.