La pittura su vetro di Eva Edler, quando la trasparenza accoglie la magia del silenzio

Alcuni autori nell’era contemporanea mostrano l’attitudine a dar vita a forme originali di creatività, dove la loro manifestazione interiore incontra tecniche insolite che contribuiscono a mettere in evidenza non solo il loro approccio espressivo bensì anche la necessità di misurarsi con sfide attraverso le quali possano generare linguaggi unici e riconoscibili, oltre a portare l’arte in ambiti in cui è meno frequente trovarla. L’ispirazione in questi casi viene da tecniche artigianali che trovano, grazie a questo tipo di artisti anticonformisti, una nuova ricollocazione all’interno del concetto più alto di arte; questo è il percorso che contraddistingue Eva Edler in cui la bellezza rarefatta della natura incontra la cristallinità del vetro per dar vita a opere pittoriche in cui tutto è diverso da ciò che sembra.

L’arte di decorare il vetro attinge le sue radici a un passato molto antico e il risultato di questo tipo di manifestazione espressiva, più che altro affidata ad artigiani specializzati, era limitato all’utilizzo sui rosoni o sulle finestre delle chiese dove i colori e la frammentazione lasciavano filtrare una luce prismatica che sottolineava la spiritualità di quei luoghi. Dopo secoli in cui le sorti della decorazione del vetro ebbero un andamento alternato, fu la fine del Diciannovesimo secolo a decretarne un nuovo successo non più legato solo a edifici e soggetti religiosi, bensì conobbe una nuova vita grazie alle intuizioni dell’inglese William Morris, fondatore dell’Arts and Crafts, di unire le tecniche artigianali elevandole a manifestazione di espressività non più secondaria bensì parificata alle più blasonate pittura e scultura. I primi del Novecento furono la consacrazione dell’arte vetraia come mezzo per effigiare vetrine dei negozi, vetri di appartamenti, porte interne e portoni dei palazzi, decorati con i motivi floreali e sinuosi tipici dell’Art Nouveau dove la stilizzazione di una natura avvolgente e morbida doveva mettere in evidenza la manualità non ricreabile attraverso la produzione in serie e le innovazioni tecnologiche che avevano seguito la Rivoluzione Industriale. La risposta italiana all’Art Nouveau prese il nome di Stile Liberty che trovò grande sviluppo nel lavoro dei vetrai di Murano ma anche a Milano dove si affermò la ditta Beltrami che per prima cominciò a modificare la tecnica tradizionale in cui si assemblavano vetri dipinti a un nuovo approccio in cui venivano utilizzati pezzi di vetro colorato uniti dal piombo.

Ma furono due veneziani, Teodoro Wolf Ferrari e Vittorio Zecchin a trasformare letteralmente il vetro in una vera propria opera d’arte dove abilità esecutiva e creatività si univano dando vita a oggetti affascinanti; laddove il secondo concentrò la sua produzione sulla decorazione di anfore, vasi e piatti, il primo cominciò a interessarsi alla sperimentazione di piccoli quadri esclusivamente composti in vetro, dove l’arte pittorica si esprimeva mettendo in evidenza la trasparenza delle superfici ed enfatizzando la piacevolezza armonica di paesaggi naturali in cui l’osservatore non poteva che desiderare di immergersi. Antoni Gaudì, interprete catalano del Modernismo, utilizzò il vetro per accompagnare le visioni architettoniche che lo avevano contraddistinto, inducendo l’osservatore a fluttuare o galleggiare nei cromatismi da lui generati, oppure ne utilizzò i frammenti mosaicati per produrre piccoli oggetti da inserire all’interno delle case fruendo della bellezza dell’arte.

Qualche anno dopo fu Frank Lloyd Wright a cambiare completamente l’essenza del vetro adeguandola alle tematiche Art Déco ma anche Razionaliste che contraddistinguevano i suoi progetti architettonici, dandogli così un aspetto più Bauhaus. Nella contemporaneità la possibilità di utilizzare tecniche di stampa innovative permettono a chi si avvale del vetro come materiale di produzione di creare in serie quadri che possono essere inseriti facilmente negli appartamenti contemporanei; tuttavia in questo caso non si tratta di arte, che perde così il concetto di unicità che la contraddistingue. La creazione artistica intesa nel senso più tradizionale del termine è quella che caratterizza invece Eva Edler, la quale mescola nei suoi pezzi unici la maestria artigianale nel saper forgiare il vetro a seconda del proprio istinto creativo, alla capacità di raccontare atmosfere silenziose e magiche dove la lucidità della superficie sembra rarefare lo spazio e il tempo e funge da base immaginativa per le evocazioni floreali e paesaggistiche tipiche delle sue opere.

Nata nella Repubblica Ceca, Eva Edler ha trascorso diverso tempo in Italia, periodo durante il quale ha conosciuto e studiato la tecnica vetraria e a seguito di cui ha deciso di strutturare la sua produzione successiva su questo materiale affascinante e al contempo delicato. La narrazione figurativa è essenzialmente naturalistica e riprende in qualche modo la sinuosità e la stilizzazione dell’Art Nouveau pur attualizzandola e adattandola al suo istinto creativo, generando in tal modo immagini elegiache, evanescenti eppure possibili, quasi si trovassero al confine tra immaginario e reale, tra un racconto fiabesco e il desiderio di trovarsi immersi in quelle atmosfere poetiche.

Ciò che però sorprende più di tutto delle opere di Eva Edler è la tecnica esecutiva poiché non utilizza i pennelli bensì il fusing, cioè un particolare procedimento in cui i colori sono ottenuti tramite frit e polvere di vetro che durante la cottura si fondono nella struttura finale; altro punto focale è la stratificazione della superficie fino a trasformarsi gradualmente nell’eco di sensazioni affini all’intento espressivo del momento in cui inizia il processo creativo. Lo strato lucido del vetro ha dunque una doppia funzione, quella di amplificare le emozioni diffondendole intorno al soggetto dell’opera e quella di mostrare una tridimensionalità che attrae verso l’oltre dell’immagine, come se scrutando con attenzione potessero fuoriuscire dettagli di profondità che si svelano lentamente esaltandone l’effetto suggestivo.

Oppure, come in alcuni lavori, le stratificazioni vanno a costituire una tridimensionalità che esce verso lo spazio circostante, come se tutte le caratteristiche già uniche dell’approccio artistico di Eva Edler non fossero abbastanza per narrare e descrivere la necessità insita nel suo animo di sottolineare l’importanza e la funzione essenziale di una natura che è quadro e cornice della vita stessa, il mezzo in virtù del quale l’uomo può ritrovare la propria vera essenza, una semplicità dimenticata tra la complessità del vivere attuale ma che è la base di una serenità troppo spesso sfuggente esattamente a causa di un allontanamento progressivo dal contatto primordiale con il mondo che esiste al di fuori del caos delle città.

Albero nel silenzio è emblematico di questo concetto, l’atmosfera rarefatta che avvolge il tronco e il ramo costituisce un’oasi di calma e di tranquillità, malgrado la presenza di un lieve vento che ne piega la chioma; il cielo è velato da leggere nubi che hanno il compito di rendere più realistica un’ambientazione elegiaca, magica quasi, dove lo sguardo si perde perché stimolato a lasciarsi cullare, ad abbandonarsi al ritmo lento della natura. Qui il rilievo è limitato ad alcune parti dell’albero ma rende evidente la maestria con cui Eva Edler riesce a plasmare il vetro sulla base del suo sentire più profondo, adeguandolo alla poetica narrativa che di volta in volta la spinge a creare.

Nell’Incanto della notte la sovrapposizione di livelli pittorici è particolarmente evidente, il risultato cromatico finale sembra fuoriuscire da una sovrapposizione di colori che generano la luminosità alternata tipica dei paesaggi notturni dove alcune parti assorbono di più l’ombra e l’oscurità mentre altre colgono il chiarore del cielo e della luna rivelando dettagli diversi da quelli che si noterebbero durante il giorno. In quest’opera la flora, che è tipica dello stile Art Nouveau da cui l’autrice parte e a cui si ispira, non è protagonista bensì semplicemente comprimaria, infatti la sua presenza è limitata a dei sottili steli sul lato sinistro della composizione, perché a predominare è il paesaggio irreale, rarefatto, come appartenesse a una terra di mezzo tra favola e una realtà che sembra più un ricordo, un segreto della memoria anziché qualcosa di osservato solo con gli occhi.

Prato di vetro appartiene invece ai lavori in cui il rilievo è parte integrante quanto indispensabile perché costituisce l’essenza stessa della natura raccontata da Eva Edler, dove il cielo ferma la sua immensità quando incontra il verde del prato corrugato proprio all’orizzonte, sovrastato da quella che potrebbe sembrare una nuvola scura in allontanamento, mentre nella parte più in basso i fiori delicati e poetici fanno sentire la propria presenza con la concretezza della struttura tondeggiante che li contraddistingue. L’opera è in pieno stile Art Nouveau riattualizzato al Minimalismo contemporaneo e non può non richiamare alla memoria, nella parte inferiore, le opere delicate e floreali del Secessionismo di Gustav Klimt.

Eva Edler lavora nel suo piccolo atelier situato nella valle di Bolkov, nel comune di Rudník, nei Monti dei Giganti della Repubblica Ceca, i cui paesaggi costituiscono una continua fonte di ispirazione, e partecipa regolarmente a mostre collettive in tutta la Repubblica Ceca e all’estero.

EVA EDLER-CONTATTI

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Eva Edler’s glass painting, when transparency embraces the magic of silence

Some contemporary artists demonstrate a knack for giving life to original forms of creativity, where their inner expression meets unconventional techniques that help highlight not only their expressive approach but also the need to confront challenges through which they can generate unique and recognizable languages, as well as bring art into spheres where it is less commonly found. In these cases, inspiration comes from artisanal techniques that, thanks to this type of nonconformist artist, find a new place within the broader concept of art; this is the path that distinguishes Eva Edler, where the rarefied beauty of nature meets the crystalline clarity of glass to give life to paintings in which everything is different from what it seems.

The art of decorating glass has its roots in a very ancient past, and the result of this form of expression, primarily entrusted to specialized artisans, was limited to use on church rose windows or stained-glass windows, where colors and fragmentation allowed prismatic light to filter through, emphasizing the spirituality of those places. After centuries in which the fortunes of stained glass fluctuated, it was the late nineteenth century that heralded a new era of success for the art form, one no longer confined to religious buildings and subjects, but rather revitalized thanks to the vision of the Englishman William Morris, founder of the Arts and Crafts movement, who sought to unite artisanal techniques elevating them to a form of expression no longer secondary but on par with the more prestigious painting and sculpture.

The early 20th century marked the consecration of glass art as a medium for adorning shop windows, apartment windows, interior doors, and the main entrances of buildings, decorated with the floral and sinuous motifs typical of Art Nouveau, where the stylization of an enveloping and soft nature was intended to highlight the craftsmanship that could not be replicated through mass production and the technological innovations that had followed the Industrial Revolution. The Italian response to Art Nouveau took the name Stile Liberty, which flourished in the work of Murano’s glassmakers but also in Milan, where the Beltrami firm established and becoming the first to shift from the traditional technique of assembling painted glass panels to a new approach using pieces of colored glass joined by lead. But it was two Venetians, Teodoro Wolf Ferrari and Vittorio Zecchin, who literally transformed glass into a true work of art where technical skill and creativity came together to create fascinating objects; whereas the latter focused his work on decorating amphorae, vases, and plates, the former began experimenting with small paintings composed exclusively of glass, where the art of painting expressed itself by highlighting the transparency of the surfaces and emphasizing the harmonious beauty of natural landscapes into which the observer could not help but long to immerse.

Antoni Gaudí, the Catalan exponent of Modernism, used glass to complement the architectural visions that had distinguished him, inviting the observer to float or drift through the chromatic palettes he created, or employed its mosaic fragments to produce small objects for placement within homes, thereby harnessing the beauty of art. A few years later, it was Frank Lloyd Wright who completely transformed the essence of glass, adapting it to the Art Deco and Rationalist themes that characterized his architectural projects, thus giving it a more Bauhaus-inspired look. In contemporary era the ability to use innovative printing techniques allows those who work with glass as a medium to mass-produce artworks that can easily be incorporated into contemporary homes; however, in this case, it is not art because thus loses the sense of uniqueness that defines it.

Artistic creation in the most traditional sense of the term is what characterizes Eva Edler, who blends in her unique pieces the artisanal mastery of shaping glass according to her creative instinct with the ability to evoke silent, magical atmospheres where the surface’s clarity seems to rarefy space and time, serving as an imaginative foundation for the floral and landscape motifs typical of her artworks. Born in the Czech Republic, Eva Edler spent a significant amount of time in Italy, during which she learned and studied glassmaking techniques, leading her to base her subsequent work on this fascinating yet delicate material. Her figurative narrative is essentially naturalistic and, in some ways, echoes the sinuous lines and stylization of Art Nouveau updated and adapted to her creative instinct, thereby generating images that are elegiac, evanescent, yet plausible, as if they existed on the border between the imaginary and the real, between a fairy tale and the desire to be immersed in those poetic atmospheres.

What is most surprising about Eva Edler’s works, however, is her technique, as she does not use brushes but rather fusing, a specific process in which colors are created using frit and glass powder that fuse into the final structure during firing. Another focal point is the layering of the surface, which gradually transforms into an echo of sensations akin to the expressive intent of the moment when the creative process begins. The glossy layer of glass thus serves a dual purpose: to amplify emotions by diffusing them around the subject of the work, and to reveal a three-dimensionality that draws the viewer beyond the image, as if, upon close scrutiny, might emerge details of depth slowly revealing themselves and enhancing the suggestive effect.

Or, as in some works, the layers come together to form a three-dimensionality that extends into the surrounding space, as if all the already unique characteristics of Eva Edler’s artistic approach were not enough to convey and describe the need inherent in her soul to emphasize the importance and essential function of nature which is both the canvas and the frame of life itself, the means by which humanity can rediscover its true essence, a simplicity forgotten amid the complexity of modern life yet the foundation of a serenity that is all too often elusive precisely because of a gradual distancing from the primordial connection with the world that exists beyond the chaos of cities.

Tree in Silence is emblematic of this concept; the rarefied atmosphere enveloping the trunk and branch constitutes an oasis of calm and tranquility, despite the presence of a gentle breeze that bends its foliage; the sky is veiled by light clouds that serve to make the setting more realistic, an elegiac, almost magical scene where the gaze is lost as it is drawn to let itself be lulled, to surrender to the slow rhythm of nature. Here, the relief is limited to certain parts of the tree but highlights the mastery with which Eva Edler shapes the glass based on her deepest feelings, adapting it to the narrative poetics that inspire her to create. In The Enchantment of the Night the layering of pictorial planes is particularly evident, the final chromatic effect seems to emerge from an interplay of colors that creates the alternating luminosity typical of nocturnal landscapes where some areas absorb more shadow and darkness while others catch the glow of the sky and the moon, revealing details different from those one would notice during the day.

In this work the flora typical of the Art Nouveau style from which the artist draws inspiration, is not the protagonist but merely a supporting element; in fact its presence is limited to slender stems on the left side of the composition, for what predominates is the unreal, ethereal landscape, as if belonging to a middle ground between fairy tale and a reality that seems more like a memory, a secret of remembrance rather than something observed solely with the eyes. Glass lawn, on the other hand, belongs to the works in which relief is as integral as it is indispensable because it constitutes the very essence of nature as depicted by Eva Edler, where the sky halts its immensity as it meets the green of the undulating meadow right at the horizon, overlooked by what might appear to be a dark cloud receding into the distance, while in the lower part the delicate and poetic flowers make their presence felt through the concreteness of the rounded structure that distinguishes them. The work is in full Art Nouveau style, reinterpreted through a contemporary minimalist lens, and its lower section inevitably brings to mind the delicate, floral paintings of Gustav Klimt’s Secessionism. Eva Edler works in her small studio located in the Bolkov Valley, in the municipality of Rudník, in the Giant Mountains of the Czech Republic, whose landscapes serve as a constant source of inspiration, and she regularly participates in group exhibitions throughout the Czech Republic and abroad.