La poetica delicatezza del Realismo di Annarita Guglielmi, tra mille sfaccettature di femminilità

Osservare con attenzione e sensibilità tutti gli aspetti profondi e spesso nascosti che appartengono indissolubilmente alla donna, implica una forte capacità empatica, l’inclinazione a guardare oltre il velo di apparenza che viene innalzato per proteggersi dal mondo esterno e anche l’attitudine ad ascoltare tutto il non detto che però si rivela attraverso una posa, un atteggiamento, un gesto inconsapevole che racchiude pensieri, sogni e desideri. Lo stile pittorico più conforme a questo tipo di approccio narrativo è quello in cui la realtà viene rappresentata nella sua interezza, nei suoi dettagli, perché è proprio grazie all’aderenza all’osservato che è possibile avvolgere le atmosfere con un’aura soffice, meditativa che induce a scendere verso le profondità dell’essenza più autentica. Annarita Guglielmi compie esattamente questo percorso espressivo per creare una fusione tra equilibrio estetico e sostanza, tra bellezza e capacità di astrarsi dalla contingenza per entrare nel mondo della poesia.

La figura femminile è stata protagonista di moltissimi dipinti che hanno lasciato un segno nella storia dell’arte di ogni tempo, sebbene nel passato più lontano essa sia stata idealizzata al punto di rendere la donna un’entità quasi soprannaturale da venerare, tralasciando così gli aspetti più reali del suo essere. Solo a partire dalla seconda metà dell’Ottocento, dunque con l’affermarsi del Realismo, la figurazione cominciò a soffermarsi e a mettere in evidenza la quotidianità delle persone, dei lavoratori e dei contadini, e dunque anche della donna del popolo, osservandone i gesti e le caratteristiche vere dalle quali però non emergeva ancora l’interiorità. Le contadine di Jean-Francois Millet, sebbene lasciassero trasparire la loro dedizione al compito quotidiano che era stato loro assegnato, non mostravano le proprie sensazioni, le emozioni più segrete, tanto quanto le atmosfere di svago della borghesia narrate dall’artista finlandese Albert Edelfelt erano un puro racconto di momenti sereni in cui la luce illuminava tanto le protagoniste quanto i paesaggi circostanti.

Il poco successivo Impressionismo mise la figura femminile al centro della pittura descrivendone la bellezza, l’attenzione all’estetica ma anche immortalandone momenti di introspezione, di intimità e di amore materno, come nelle tele di una delle maggiori artiste donne di quell’epoca, Berthe Morisot, che seppe mescolare l’attenzione alla perfezione descrittiva e la resa della realtà a quella contaminazione emozionale che cominciava a uscire timidamente dalla tela. Anche Edgar Degas lasciò emergere nelle sue opere dedicate alle ballerine la loro dedizione verso lo studio e la preparazione dietro le quinte degli spettacoli, la ricerca di perfezione e l’emotività di quanto si apprestavano a eseguire. Fu tuttavia necessario attendere qualche decennio, e nello specifico il sorgere del Realismo Magico per assistere a un’inedita interpretazione del precedente Realismo, dove le sensazioni più interiori, l’enigma svelato dagli sguardi distanti e quasi distaccati ma in grado di attrarre l’attenzione proprio in virtù dell’incomprensibilità del messaggio, divennero protagonisti assoluti di un movimento che seppe mettere, ancora una volta, la donna in primo piano.

Le signore eleganti ritratte negli interni di Antonio Donghi che sembrano scrutare punti distanti come fossero rapite da un’idea, da un pensiero che le avvolge completamente, le ambientazioni intimiste e silenziose di Felice Casorati, l’accezione quasi metafisica nella sua decontestualizzazione fiabesca di Ubaldo Oppi, furono di fatto celebrazioni di una figura femminile di cui cominciava a venire esplorata la vera essenza, finalmente veniva ascoltata nelle sue profondità e non più messa su un piedistallo come fosse un’entità eterea ma mancante di veridicità. L’artista vicentina Annarita Guglielmi rende a sua volta la donna protagonista assoluta, mettendone in luce tutti gli aspetti che la rendono tanto affascinante quanto sensibile e orientata a osservare ogni circostanza attraverso il filtro dell’emozione; le pose delle protagoniste hanno uno squisito sapore impressionista, sono spesso ritratte di spalle come se l’autrice non volesse invadere completamente il loro spazio più privato, quello che le farebbe sentire troppo esposte se venisse rivelato.

Ma il tratto pittorico è decisamente realista, persino Art Déco in alcuni tratti, perché è solo attraverso la perfezione narrativa e l’attenzione alla bellezza che si può condurre il fruitore verso una sostanza che non può emergere a uno sguardo superficiale, e dunque il dettaglio conquista lo sguardo invitandolo poi ad andare oltre, a comprendere i motivi di alcuni gesti, le ragioni di quell’indugiare e di quel volgere il capo verso un punto lontano dal centro della tela, di quel nascondere un volto che rivelerebbe troppo di sé.

La donna viene raccontata nella fascia di età giovanile, la stessa in cui tutto può realizzarsi se solo si ha la forza e la determinazione di credere, ma anche quella in cui il pragmatismo del vivere non ha ancora preso il sopravvento ed è possibile sognare, desiderare e lasciarsi prendere da tutto quel mondo emozionale che nell’età adulta viene spesso riposto in un angolo segreto dell’anima. La gamma cromatica è intensa, sfumata nelle pieghe dei tessuti e nel gioco di luci e ombre ma al contempo piena, vivace proprio per sottolineare l’energia di un’esistenza che è solo agli inizi; in alcune tele però a essere protagonista è la scala di grigi dove a prevalere è il chiarore piuttosto che l’ombra, come se Annarita Guglielmi volesse rarefare l’atmosfera e concentrare l’attenzione sull’essenziale, sulla poesia che dalla semplicità di un’osservazione sincera si sprigiona.

L’opera Chignon appartiene alla serie di opere in cui a prevalere è l’equilibrio estetico, la perfezione di un tratto pittorico che mette in evidenza una bellezza impalpabile in cui si nasconde un momento di riflessione, o forse un’aspettativa disillusa che lascia la giovane a meditare su cosa avrebbe potuto fare affinché l’evoluzione della circostanza fosse diversa. Il suo volto è nascosto perché il pensiero da cui si sta lasciando avvolgere deve mantenersi celato all’esterno, è come se fosse troppo delicato e intimo per essere manifestato apertamente persino a se stessa. Ciò che colpisce di questa tela è la luminosità che di fatto mette in evidenza la positività di quel momento di introspezione e in generale del mantenere il contatto con le proprie emozioni; a prevalere infatti sono i toni più chiari del grigio, mentre i più scuri sono limitati ai capelli, protagonisti di fatto del titolo, e all’abito, dunque parti oggettive che vengono ammorbidite da quelle soggettive.

Carpe Diem è un dipinto più simbolista perché la ragazza si china dalla finestra verso il basso dove si trovano delle margherite su cui spicca l’unica di colore rosso corrispondente all’occasione rara e imperdibile che nella vita bisogna essere capaci di cogliere. La giovane nella sua spontaneità forse neanche riflette sul senso più profondo del gesto che sta per compiere, piuttosto viene guidata dall’istinto che la spinge a concentrare la sua attenzione sul fiore colorato e ad afferrarlo prima che appassisca e perda la sua bellezza. Il focalizzarsi sul concetto in questa tela è di impronta esistenzialista, si sintonizza sull’atteggiamento spiritualista di ascoltare i segnali che sopraggiungono, sulla necessità per l’individuo in generale, e per la donna in particolare, di liberarsi dalle convinzioni limitanti e dalle regole imposte dall’esterno e compiere un cammino individuale che sia funzionale alla propria essenza. Ecco il motivo della presenza della finestra da cui la donna si sporge, è il simbolo di un’uscita da qualcosa che in qualche modo imprigiona, pur nell’illusione di proteggere, e da cui l’impulso preme per affrancarsi.

Rinascita è a sua volta intrisa di Simbolismo poiché la ragazza, nuda, appare come una crisalide che esce dal precedente involucro, rifiorisce con una forza rinnovata, più consapevole, più determinata a non farsi abbattere o sopraffare dalle circostanze come accaduto in precedenza. Eppure è stato proprio grazie alla caduta che ha potuto attingere alle sue risorse interiori per rimettersi in piedi trovando l’energia e il coraggio di ricostruirsi. Annarita Guglielmi esorta così l’osservatore a non permettere alle circostanze di travolgere e abbattere, ma anche a considerare quanto sia coriacea, anche se apparentemente delicata come il fiore che si trova al di sotto della protagonista, la natura delle donne, generatrici di vita al punto di dimenticarsi a volte di mettere in primo piano la loro esistenza, eppure capaci di rigenerarsi, circostanza dopo circostanza, evento dopo evento.

Il dipinto Sposa Antica presenta tratti Art Déco mescolati al Realismo che contraddistingue le opere dell’autrice, perché le pieghe dell’abito, l’utilizzo del chiaroscuro, della luce e delle ombre, così come l’attenzione ai dettagli e la vanità raccontata dai monili della donna, appartengono a quel gusto retrò fatto di eleganza e di formalità che tuttavia convive con un mondo interiore ricco che lascia trasparire l’emozione, l’ansia positiva di quello che per molte è considerato il momento più importante della vita.

Annarita Guglielmi, artista fin da piccola, ha alle spalle un percorso espositivo che l’ha portata a mostrare le sue opere in gallerie e spazi pubblici in Italia – Venezia, Jesolo, Milano, Roma, Torino, Vicenza, Napoli – e all’estero – Barcellona, Pechino, Dubai -.

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The poetic delicacy of Annarita Guglielmi’s Realism, among a thousand facets of femininity

Observing with attention and sensitivity all the profound and often hidden aspects that are inextricably linked to women requires a strong capacity for empathy, an inclination to look beyond the veil of appearance that is raised to protect oneself from the outside world, and also an aptitude for listening to everything that is left unsaid but revealed through a pose, an attitude, an unconscious gesture that encapsulates thoughts, dreams, and desires. The pictorial style most suited to this type of narrative approach is one in which reality is represented in its entirety, in its details, because it is precisely thanks to adherence to the observed that it is possible to envelop atmospheres with a soft, meditative aura that induces to descend into the depths of the most authentic essence. Annarita Guglielmi follows precisely this expressive path to create a fusion between aesthetic balance and substance, between beauty and the ability to abstract oneself from contingency in order to enter the world of poetry.

The female figure has been the protagonist of many paintings that have left their mark on the history of art throughout the ages, although in the distant past she was idealized to the point of making women almost supernatural entities to be venerated, thus neglecting the more real aspects of their being. It was only in the second half of the 19th century, with the rise of Realism, that figurative art began to focus on and highlight the everyday lives of ordinary people, workers, and peasants, including women, observing their gestures and true characteristics, which, however, did not yet reveal their inner lives. Jean-Francois Millet‘s peasant women, although they revealed their dedication to the daily tasks assigned to them, did not show their feelings or their most secret emotions, just as the leisurely atmospheres of the bourgeoisie depicted by the Finnish artist Albert Edelfelt were a pure account of serene moments in which the light illuminated both the protagonists and the surrounding landscapes.

The slightly later Impressionism movement placed the female figure at the center of painting, describing her beauty and attention to aesthetics, but also immortalizing moments of introspection, intimacy, and maternal love, as in the canvases of one of the greatest female artists of that era, Berthe Morisot, who was able to combine attention to descriptive perfection and the rendering of reality with the emotional contamination that was beginning to timidly emerge from the canvas. Edgar Degas also allowed his artworks dedicated to dancers to reveal their dedication to study and preparation behind the scenes of performances, their search for perfection, and the emotion of what they were about to perform. However, it was necessary to wait a few decades, and specifically for the emergence of Magical Realism, to witness an unprecedented interpretation of the previous Realism, where the most inner feelings, the enigma revealed by distant and almost detached gazes but capable of attracting attention precisely because of the incomprehensibility of the message, became the absolute protagonists of a movement that once again put women in the spotlight. The elegant ladies portrayed in Antonio Donghi‘s interiors, who seem to be scrutinizing distant points as if captivated by an idea, by a thought that completely envelops them, the intimate and silent settings of Felice Casorati, and the almost metaphysical meaning in Ubaldo Oppi‘s fairy-tale decontextualization were, in fact, celebrations of a female figure whose true essence was beginning to be explored, finally listened to in her depths and no longer placed on a pedestal as if she were an ethereal entity lacking in truthfulness. The Vicenza-based artist Annarita Guglielmi, in turn, makes women the absolute protagonists, highlighting all the aspects that make them as fascinating as they are sensitive and inclined to observe every circumstance through the filter of emotion; the poses of the protagonists have an exquisite impressionistic flavor; they are often portrayed from behind, as if the author did not want to completely invade their most private space, which would make them feel too exposed if revealed.

But the pictorial style is decidedly realistic, even Art Deco in some respects, because it is only through narrative perfection and attention to beauty that the viewer can be led to a substance that cannot emerge at a superficial glance, and so the detail captures the gaze, inviting it to go further, to understand the reasons behind certain gestures, the reasons for that lingering and turning of the head towards a point far from the center of the canvas, for that hiding of a face that would reveal too much of herself. The woman is depicted in her youth, the age when anything is possible if only one has the strength and determination to believe, but also the age when the pragmatism of life has not yet taken over and it is possible to dream, desire, and let oneself be carried away by all that emotional world that in adulthood is often tucked away in a secret corner of the soul. The color palette is intense, nuanced in the folds of the fabrics and in the play of light and shadow, but at the same time full and lively, precisely to emphasize the energy of an existence that is only just beginning; in some paintings, however, the protagonist is the gray scale, where light prevails over shadow, as if Annarita Guglielmi wanted to rarefy the atmosphere and focus attention on the essential, on the poetry that emanates from the simplicity of a sincere observation. The painting Chignon belongs to a series of works in which prevails aesthetic balance, the perfection of a pictorial stroke that highlights an intangible beauty in which is hidden a moment of reflection, or perhaps a disillusioned expectation that leaves the young woman to meditate on what she could have done to change the course of events. Her face is hidden because the thought that is enveloping her must remain concealed from the outside world, as if it were too delicate and intimate to be openly revealed even to herself. What is striking about this canvas is the brightness that highlights the positivity of that moment of introspection and, in general, of maintaining contact with one’s emotions.

In fact, the lighter shades of gray prevail, while the darker ones are limited to the hair, the protagonists of the title, and the dress, thus objective parts that are softened by subjective ones. In fact are the lighter shades of gray to prevail while darker shades are limited to the hair, which is the actual subject of the title, and the dress, thus softening the objective elements with subjective ones. Carpe Diem is a more symbolist painting because the girl leans out of the window towards the daisies below, among which stands out a single red one, corresponding to the rare and unmissable opportunity that one must be able to seize in life. In her spontaneity, the young woman perhaps does not even reflect on the deeper meaning of the gesture she is about to make, but is rather guided by instinct, which prompts her to focus her attention on the colorful flower and grab it before it wilts and loses its beauty. The focus on the concept in this canvas is existentialist in nature, attuned to the spiritualist attitude of listening to the signs that come along, to the need for individuals in general, and women in particular, to free themselves from limiting beliefs and rules imposed from outside and to follow an individual path that is functional to their own essence. This is the reason for the presence of the window from which the woman leans out, symbolizing an escape from something that somehow imprisons, even under the illusion of protection, and from which the impulse to break free presses. Rebirth is in turn imbued with Symbolism, as the naked girl appears like a chrysalis emerging from its previous shell, blossoming with renewed strength, more aware, more determined not to be defeated or overwhelmed by circumstances as had happened before. Yet it was precisely thanks to her fall that she was able to draw on her inner resources to get back on her feet, finding the energy and courage to rebuild herself.

Annarita Guglielmi thus urges the observer not to allow circumstances to overwhelm and overthrow, but also to consider how tough, even if seemingly delicate like the flower that lies beneath the protagonist, is the nature of women is, generators of life to the point of sometimes forgetting to put their existence first, yet they are capable of regenerating themselves, circumstance after circumstance, event after event. The painting Sposa Antica (Ancient Bride) features Art Deco elements mixed with the Realism that characterizes the artist’s work, because the folds of the dress, the use of chiaroscuro, light and shadow, as well as the attention to detail and the vanity conveyed by the woman’s jewelry, belong to that retro taste made up of elegance and formality that nevertheless coexists with a rich inner world that reveals the emotion and positive anxiety of what many consider to be the most important moment in life. Annarita Guglielmi, an artist since childhood, has a history of exhibitions that has led her to show her artworks in galleries and public spaces in Italy—Venice, Jesolo, Milan, Rome, Turin, Vicenza, Naples—and abroad—Barcelona, Beijing, Dubai.