La vitalità positiva della costante trasformazione nell’Astrattismo Lirico di Svetlana Peter

Il messaggio che corre al di sotto della realtà può essere ascoltato solo da chi ha una particolare e spiccata sensibilità; in particolar modo le personalità artistiche hanno la capacità di riuscire ad andare oltre il visibile, sollevando la coltre dell’oggettività per scendere più in fondo, scoprendo e facendo emergere una dimensione fatta di simboli, di cause ed effetti impercettibili eppure in grado di modificare la realtà, svelando la possibilità di avere un approccio all’esistenza più spirituale e più rasserenante per l’essere umano. La protagonista di oggi mostra esattamente questa inclinazione che si traduce in linguaggio artistico con un’apparenza mistica, fortemente suggestivo proprio per il coinvolgimento che va a stimolare nelle corde emozionali dell’osservatore, il quale si sente attratto da una magia sottile e coinvolto dall’armonia cromatica che si sprigiona dai suoi dipinti.

Quando Vassily Kandinsky elaborò le sue teorie su un tipo di arte che fosse libera da tutto ciò che lo sguardo poteva cogliere nella realtà, introducendo nuove possibilità espressive basate sulla rinuncia alla forma osservabile e sulla connessione con le emozioni suscitate dall’ascolto della musica, arrivando persino a legare ogni colore a una specifica nota, il mondo dell’arte non fu pronto ad accogliere il suo approccio innovativo e al contempo conservativo nei confronti dell’interiorità e della manifestazione soggettiva che proprio in quegli anni premeva per uscire. Il distacco dalla contingenza doveva essere però talmente netto e categorico da spingere i suoi collegi a virare verso uno stile che rinnegasse ogni connessione con l’emotività tendendo dunque verso il distacco totale da ogni influenza dell’autore all’interno dell’opera; l’intento del De Stijl e del Suprematismo, questi i principali movimenti di quei primi rivoluzionari anni del nuovo secolo, era infatti di sottolineare l’indipendenza e la purezza del gesto plastico da qualsiasi forma di contaminazione emozionale, generando però dei limiti di comprensione e di coinvolgimento nei confronti delle loro opere. Laddove Malevič lasciò una sensazione di instabilità e dunque di possibilismo in virtù dell’obliquità delle sue figure, Mondrian fu talmente categorico e razionale da eliminare qualsiasi forma che non rispondesse alla rigidità del rettangolo, del quadrato e della linea retta.

Con il proseguire del Novecento tuttavia, anche a seguito dell’affermarsi di tutti quei movimenti che misero l’essere umano e le sue sensazioni più profonde e irrazionali al centro della loro ricerca, l’Arte Astratta cominciò ad avere un’inversione di tendenza, ossia rinunciò ancora più categoricamente a qualsiasi tipo di figurazione conosciuta per entrare nel mondo della non forma che doveva essere dominata dall’impulso e dal sentire emozionale legato alle scelte cromatiche degli autori. La corrente che negli Stati Uniti prese il nome di Espressionismo Astratto e che fu contraddistinta dall’impulsività più completa nel gesto esecutivo, giunse in Europa con un’interpretazione differente, più orientata ad attingere alle radici del vecchio continente e in qualche modo rivalutando le linee espressive che avevano contraddistinto il pensiero poetico di Vassily Kandinsky di cui fu apprezzata esattamente quella capacità di andare a coinvolgere le vibrazioni interiori attraverso la magia magnetica delle sue forme danzanti sulla tela che non richiedevano l’intervento razionale per essere comprese, bensì solo un’apertura empatica verso quella dimensione melodica e fluttuante. Alla luce delle scoperte cromatiche dell’Espressionismo Astratto e della liberazione del colore da qualsiasi delimitazione segnica, gli autori furono in grado di mescolare le due influenze per dar vita a stili personali e fondati sulla propria inclinazione caratteriale ma anche sul proprio concetto di comunicatività narrativa.

L’artista di origini ucraine Svetlana Peter, da molti anni residente a Vienna, mostra la forte attitudine a elaborare un linguaggio che non si limiti solo ad appartenere al mondo dell’Informale, bensì va oltre e utilizza la stratificazione cromatica, e spesso anche materica, per lasciare dei messaggi attraverso cui stimola il fruitore alla riflessione, lo mette in contatto con tutte quelle energie sottili e sussurrate sotto il rumore del mondo contemporaneo, e lo spinge a considerare un punto di vista più ampio, più universale, più orientato verso un’evoluzione positiva della propria spiritualità, perché è proprio da quest’ultima che l’anima può partire per allontanarsi da una contingenza spesso spaventosa e insoddisfacente.

Dunque il suo stile pittorico rientra in quell’Astrattismo Lirico nato in virtù delle intuizioni di Kandinsky mentre dal punto di vista del colore Svetlana Peter non sceglie mai tonalità nette e piene, bensì sono le sfumature a prendere il sopravvento, a mostrare quanto tutto sia interpretabile dal soggetto e potenzialmente persino opposto alla visione di qualcun altro.

Non solo, ciò che emerge in maniera quasi impercettibile dalle tele dell’autrice è un mondo di simboli, di sottili figure che sembrano uscire dallo scrigno dell’immaginazione, o del sogno, quasi fossero evocazioni di un’anima incapace di trattenere la sua intensità e la sua tendenza a trovare la sua voce espressiva. Uno degli elementi più ricorrenti delle tele di Svetlana Peter è quello della forma circolare che sottolinea la morbidezza della compiutezza e della perfezione, ma soprattutto della circolarità dell’esistenza, di quel ritorno verso un guscio protettivo attraverso cui la consapevolezza incontra la spiritualità e l’attitudine all’evoluzione; questo è il motivo per il quale i cerchi trasparenti dell’autrice sono sempre aperti, evidenziano la predisposizione al cambiamento e all’accettazione di quelle modificazioni, piccole e grandi, che permettono all’interiorità di comprendere l’importanza del considerare ogni accadimento come un nuovo spunto di crescita emotiva e personale. In alcune tele invece emerge una figurazione più evidente, legata al mondo femminile poiché appartenente alla dimensione del sentimento, della sensibilità e della capacità di essere una guida per la razionalità maschile, ma anche per essere quella votata a generare nuova vita; perché l’ascolto della spiritualità, l’osservazione dei simboli, il legame con tutta l’energia che ruota intorno all’essere umano, è più tipica della natura femminile.

Spring appartiene a questa particolare serie produttiva, e l’evocazione del dipinto spinge verso l’impalpabilità della stagione a cui fa riferimento il titolo, alla leggerezza degli elementi che rinascono, fiorendo dopo il lungo inverno, tanto quanto l’espressione rapita e appagata della donna sottintende una sua rinascita interiore, una rinnovata coscienza della necessarietà di un evento accaduto da cui si è affinata la sua capacità di connettersi con ciò che le ruota intorno, tanto quanto l’inevitabilità di quel cammino essenziale per la sua evoluzione. I cerchi sembrano appartenere al suo percorso di vita, corrispondono agli eventi che si sono susseguiti e che l’hanno resa più consapevole, eppure Svetlana Peter li posiziona in maniera preponderante sulla sua testa, quasi fossero idee, sensazioni, sogni imprescindibili per il suo equilibrio.

In Until we meet i volti dei due protagonisti sono quasi sommersi dall’Astrattismo, sono avvolti da quelle nubi di sentimenti, di frammenti di vita, di memorie del passato e di percorsi che non possono fare a meno di condurre le due interiorità una verso l’altra, come fossero unite dal filo rosso del destino che in qualche modo ha bisogno di farle passare attraverso diverse esperienze prima di permettere loro di riunirsi. In questo dipinto predominano i toni del rosso, del ruggine, mescolati a dei tocchi dorati, quasi la preziosità dell’incontro stesse per fuoriuscire lasciando presagire la gioia totale e il senso di completezza che ne deriverà; gli elementi metallici inseriti nella composizione sottolineano la difficoltà dell’attesa di provare quell’emozione unica che si svelerà di lì a poco.

Tears of gold, hues of red mostra invece quei simboli quasi invisibili e percepibili solo dopo uno sguardo più accurato, perché nascosti dall’impatto emozionale e travolgente del rosso predominante della tela, così come quelle bolle di sapone di sogni e di desideri che aleggiano intorno al nucleo centrale quasi a essere il punto focale di una sensazione talmente forte da far sgorgare le lacrime dorate a cui fa riferimento il titolo. Che siano di dolore o di commozione non è importante, ciò che suggerisce Svetlana Peter in quest’opera è di lasciar fluire tutto ciò che appartiene all’anima perché è solo attraverso la sua fuoriuscita che diviene possibile prenderne coscienza e trasformarlo in esperienza evolutiva positiva, esattamente come le farfalle che dalla morte della crisalide danno vita alla bellezza della leggerezza e della capacità di volare in alto verso i sogni.

Il pensiero filosofico e poetico di Svetlana Peter si traduce dunque in un linguaggio espressivo magico, magnetico, quasi ecoico, perché le emozioni hanno bisogno di propagarsi dall’interno verso l’esterno, tanto quanto le vibrazioni dell’anima necessitano di entrare in connessione con tutte le energie quasi magiche che permettono alla coscienza istintiva e all’intelligenza emotiva di trovare la saggezza evolutiva di cui ciascun individuo ha bisogno.

Svetlana Peter, diplomata alla scuola d’arte di Mosca, dopo aver trascorso decenni a costruire una carriera di successo nel marketing a Vienna, oggi si dedica alla sua passione come artista freelance; ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive a Vienna, a Budapest e a Venezia.

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The positive vitality of constant transformation in Svetlana Peter’s Lyrical Abstractionism

The message that runs beneath reality can only be heard by those who have a particular and marked sensitivity; artistic personalities in particular have the ability to succeed in going beyond the visible, lifting the blanket of objectivity to descend deeper, discovering and bringing out a dimension made up of symbols, of imperceptible causes and effects yet capable of modifying reality, revealing the possibility of a more spiritual and reassuring approach to existence for the human being. Today’s protagonist shows exactly this inclination, which translates into an artistic language with a mystical appearance, strongly suggestive precisely because of the involvement that stimulates in the emotional chords of the observer who feels attracted by a subtle magic and involved by the chromatic harmony emanating from her paintings.

When Vassily Kandinsky elaborated his theories on a type of art that would be free from all that the eye could grasp in reality, introducing new expressive possibilities based on the renunciation of observable form and on the connection with the emotions aroused by listening to music, even going so far as to link each colour to a specific note, the art world was not ready to accept his innovative and at the same time conservative approach to interiority and subjective manifestation, which in those very years was pressing to emerge. The detachment from contingency, however, had to be so clear and categorical that it drove his colleges to veer towards a style that disavowed any connection with emotionality, thus tending towards total detachment from every influence of the author within the artwork; the intent of De Stijl and Suprematism, these being the main movements of those revolutionary early years of the new century, was in fact to emphasise the independence and purity of the plastic gesture from any form of emotional contamination, generating, however, limits of understanding and involvement with their works. Where Malevič left a feeling of instability and therefore of possibilism by virtue of the obliquity of his figures, Mondrian was so categorical and rational that he eliminated any form that did not respond to the rigidity of the rectangle, the square and the straight line. As the 20th century progressed, however, partly as a result of the emergence of all those movements that placed the human being and his deepest and most irrational feelings at the centre of their research, Abstract Art began to have a reversal, that is, it renounced even more categorically any kind of known figuration to enter the world of non-form that was to be dominated by impulse and emotional feeling linked to the authors’ colour choices.

The current that in the United States took the name of Abstract Expressionism and was characterised by the most complete impulsiveness in the executive gesture, arrived in Europe with a different interpretation, more oriented towards drawing on the roots of the old continent and in some ways re-evaluating the expressive lines that had distinguished the poetic thought of Vassily Kandinsky, of whom was particularly appreciated the ability to engage inner vibrations through the magnetic magic of his dancing forms on canvas that did not require rational intervention to be understood, but only an empathic openness towards that melodic and fluctuating dimension. In the light of the chromatic discoveries of Abstract Expressionism and the liberation of colour from any sign delimitation, the artists were able to mix the two influences to create personal styles based on their own character inclination but also on their own concept of narrative communicativeness. The Ukrainian-born artist Svetlana Peter, who has lived in Vienna for many years, shows a strong aptitude for elaborating a language that does not only belong to the world of the Informal, but goes beyond it and uses chromatic, and often also material, layering to leave messages through which she stimulates the viewer to reflection, puts him in touch with all those subtle energies whispered under the noise of the contemporary world, and urges him to consider a broader, more universal point of view, more oriented towards a positive evolution of his own spirituality, because it is precisely from the latter that the soul can start to move away from an often frightening and unsatisfactory contingency. Thus, her painting style is part of that Lyrical Abstractionism born out of Kandinsky‘s intuitions, while from the point of view of colour, Svetlana Peter never chooses clear and full tones, but rather it is the nuances that take over, showing how everything can be interpreted by the subject and potentially even opposed to someone else’s vision. Not only that, what emerges almost imperceptibly from the author’s canvases is a world of symbols, of subtle figures that seem to come out of the treasure chest of the imagination, or of dreams, almost as if they were evocations of a soul unable to retain its intensity and its tendency to find its expressive voice. One of the most recurring elements of Svetlana Peter‘s canvases is that of the circular form, which emphasises the softness of completeness and perfection, but above all the circularity of existence, of that return to a protective shell through which awareness meets spirituality and the attitude to evolution; this is the reason why the author’s transparent circles are always open, highlighting the predisposition to change and the acceptance of those modifications, small or large, that allow the interiority to understand the importance of considering every event as a new cue for emotional and personal growth. In some of the canvases, on the other hand, emerges a more evident figuration linked to the feminine world because it belongs to the dimension of feeling, sensitivity and the ability to be a guide for male rationality, but also to be the one devoted to generating new life; because the listening to spirituality, the observation of symbols, the connection with all the energy that revolves around the human being, is more typical of the feminine nature.

Spring belongs to this particular production series, and the evocation of the painting pushes towards the impalpability of the season to which the title refers, to the lightness of the elements that are reborn, blooming after the long winter, as much as the woman’s enraptured and fulfilled expression implies her inner rebirth, a renewed awareness of the necessity of an event that has occurred from which her ability to connect with what revolves around her has been refined, as much as the inevitability of that path that is essential for her evolution. The circles seem to belong to her life path, they correspond to the events that have taken place and that have made her more aware, yet Svetlana Peter places them overwhelmingly in her head, almost as if they were ideas, sensations, dreams essential to her balance. In Until we meet, the faces of the two protagonists are almost submerged in Abstractionism, they are enveloped in those clouds of feelings, fragments of life, memories of the past and paths that cannot help but lead the two interiorities towards each other, as if they were united by the red thread of destiny that somehow needs to make them pass through different experiences before allowing them to come together. In this painting predominate tones of red and rust mixed with touches of gold, almost as if the preciousness of the encounter were about to come forth, foreshadowing the total joy and sense of completeness that will ensue; the metallic elements inserted in the composition emphasise the difficulty of waiting to experience that unique emotion which will be revealed shortly afterwards. Tears of gold, hues of red on the other hand, shows those symbols almost invisible and that can only be perceived after a closer look, because they are hidden by the overwhelming emotional impact of the predominant red of the canvas, as well as those soap bubbles of dreams and desires that hover around the central core almost as if they were the focal point of a sensation so strong that it brings forth the golden tears to which the title refers. Whether they are of sorrow or emotion is not important, what Svetlana Peter suggests in this artwork is to let flow everything that belongs to the soul, because it is only through its release that it becomes possible to become aware of it and transform it into a positive evolutionary experience, just like the butterflies that from the death of the chrysalis give life to the beauty of lightness and the ability to fly high towards dreams. Svetlana Peter‘s philosophical and poetic thought is therefore translated into a magical, magnetic, almost echoic expressive language, because emotions need to propagate from the inside out, just as much as the vibrations of the soul need to connect with all the almost magical energies that allow instinctive consciousness and emotional intelligence to find the evolutionary wisdom that each individual needs. Svetlana Peter, a graduate of the Moscow Art School, after spending decades building a successful career in marketing in Vienna, now devotes herself to her passion as a freelance artist; she has participated in group exhibitions in Vienna, Budapest and Venice to her credit.