Le ambientazioni neozelandesi di Nigel Brown, tra spontaneità quotidiana e attenzione al mantenimento dell’equilibrio della natura

Esistono artisti che non riescono a prescindere dal luogo che respirano e vivono ogni giorno, rendendolo assoluto protagonista della loro produzione pittorica attraverso la quale svelano le piccole abitudini, l’atteggiamento verso l’esistenza, i panorami appartenenti indissolubilmente a quel posto specifico costantemente davanti ai loro occhi e che diviene fonte inesauribile di ispirazione. Descrivere ciò che vedono e che attrae il loro interesse proprio per l’immediatezza e la spontaneità di quanto vivono e riconoscono perché parte indelebile di una società in cui si sentono immersi e con la consapevolezza di avere la capacità di poter rendere eterne atmosfere che senza il loro apporto resterebbero sconosciute o relegate alla realtà locale, diviene pertanto una missione artistica che necessita la scelta di uno stile figurativo ed esplicito, proprio per lasciare quella traccia di riconoscibilità che permetta di scoprire e lasciarsi affascinare da una cultura diversa e in molti casi lontana. Nigel Brown, attraverso una cifra stilistica singolare e fortemente personale, lascia un’intensa traccia di un paese, la Nuova Zelanda, che è stata in grado di mantenere un forte equilibrio tra cultura indigena e cultura occidentale.

Tra la fine del Diciannovesimo secolo e gli inizi del Ventesimo si delineò nella società europea una prospettiva nuova, quella cioè della facilità dei viaggi e degli spostamenti grazie alla riduzione dei tempi di percorrenza navali e al desiderio di scoperta di nuove culture da parte della borghesia; questo interesse ebbe ampia eco anche nell’arte che vide molti interpreti dell’epoca mostrare in maniera esplicita l’influenza che i viaggi conoscitivi intrapresi avevano determinato nella loro arte. Già il Post-Impressionismo, movimento in cui l’emozionalità prese il sopravvento sulla ricerca di perfezione estetica dell’Impressionismo, ebbe in Paul Gauguin l’autore che più di tutti applicò le prime linee guida che si sarebbero trasformate in Espressionismo al racconto di un paese lontano, la Polinesia, di cui lasciò testimonianza della spontaneità, della purezza e della mancanza di filtri e dell’ipocrisia della borghesia parigina ed europea. Ma anche autori più rivoluzionari e innovativi ebbero un inizio influenzato dal Primitivismo e dalle maschere indigene africane, riscontrabili nei volti distanti e privi di espressività dei protagonisti del periodo pre-cubista di Pablo Picasso, nella produzione pittorica dell’italiano Amedeo Modigliani, nel cromatismo intenso e aggressivo di Henri Matisse; in tutti questi casi, sebbene la narrazione non fu strettamente legata all’esotismo, le iconografie e le simbologie indigene entrarono all’interno dell’arte trasformando la struttura stilistica dei dipinti.

Il tratto grafico dei contorni netto e definito, la stilizzazione delle ambientazioni, i colori stesi in modo piatto e privi di sfumature, furono caratteristiche anche dell’arte dell’America Latina i cui autori raccontavano esattamente, e soprattutto in prima persona, quel mondo indigeno e animista che avvolgeva la loro quotidianità e che doveva essere portato all’attenzione generale attraverso l’arte. Proprio l’artista brasiliana Tarsila do Amaral narrò, attraverso ambientazioni essenzializzate, quasi fumettistiche dal punto di vista rappresentativo, la vita nelle piantagioni, lo spiritualismo simbolista, e l’immediatezza che l’arte doveva avere per riuscire a parlare a un pubblico ampio, ma soprattutto doveva mostrare un suo affrancamento della cultura europocentrica che voleva predominare il quel periodo di inizio Novecento. Anche Diego Rivera, prima che la sua produzione pittorica si politicizzasse divenendo un mezzo di denuncia sociale, raccontò nelle sue tele la vita messicana, le tradizioni culturali, religiose di un popolo ricco di cultura inconosciuta in Occidente. L’artista neozelandese Nigel Brown raccoglie questo tipo di eredità espressiva così come l’intento di mostrare al mondo contemporaneo la cultura di un paese affascinante eppure completamente sconosciuto ai più, come se l’emisfero australe costituisse un mondo a sé staccato da tutto ciò che avviene in quello boreale. Nelle sue tele tuttavia è chiaramente visibile una forte connessione con il passato poiché l’Espressionismo tende quasi spontaneamente al Primitivismo che in lui diviene mezzo per mettere in luce personaggi, abitudini e scorci di vita comune, paesaggi incontaminati e l’amore per la natura che appartiene alla sua cultura di origine.

Non solo, negli ultimi lavori Nigel Brown introduce anche un forte e marcato Puntinismo ripercorrendo quella poetica post-impressionista dove però il colore non ha più l’accezione Fauves del passato, bensì si adatta alle tonalità terrose e neutre che appartengono al cromatismo tipico dell’autore. Altra caratteristica fortemente distintiva è quella di scrivere i titoli e il senso delle tele all’interno di esse, con caratteri ben visibili e definiti come fossero una narrazione imprescindibile da quella visiva; le figure sono gigantografate come quelle di Tarsila do Amaral, inducendo a riflettere su quanto gli artisti più legati all’immediatezza espressiva abbiano una visione comune che li porta a essenzializzare le immagini raccontate soprattutto quando desiderano mettere in luce l’essere umano come veicolo di un messaggio o come testimone di tradizioni.

E il messaggio nelle opere di Nigel Brown è sempre quello della salvaguardia della natura, della biodiversità e della biosfera che devono mantenere un equilibrio funzionale allo sviluppo e alla continuazione della vita; ecco perché in molte delle sue tele mette in evidenza gli uccelli tipici della Nuova Zelanda che devono necessariamente essere preservati dall’estinzione.

Dunque nel suo mondo ideale l’uomo convive e si prende cura di quegli animali che i nativi della sua isola vedono da sempre intorno a sé e il cui ruolo fondamentale nel ciclo della vita va tutelato nella sua preziosità e unicità; questo è il senso del dipinto Biosphere crisis in cui l’uomo e la donna, abbracciati tra loro, stringono a volerli proteggere due esemplari di Kiwi, l’uccello simbolo nazionale completamente incapace di volare che abita principalmente le foreste pluviali, i boschi e le zone cespugliose del paese, dove trascorre le giornate nascosto in tane o cavità scavate nel terreno. L’ambientazione è pertanto quella naturale, con una montagna alle spalle dei protagonisti che a sua volta sembra voler tutelare la vita che si svolge al di sotto di sé malgrado le frasi che circondano la composizione, di fatto un monito minaccioso con cui Nigel Brown ricorda quanto sia delicato l’equilibrio che regge l’intero globo terrestre. Dal punto di vista esecutivo questa tela presenta la caratteristica colorazione puntinista che contraddistingue i lavori più recenti, sviluppata su toni tenui e delicati ma sempre legati alla natura, come se quest’ultima fosse imprescindibile alla sua creatività e irrinunciabile per il messaggio che desidera lasciare all’osservatore.

In Guitarist’s mountain invece mostra un approccio più marcatamente espressionista, qui l’attenzione è tutta catalizzata verso la figura umana rappresentata con il collo reclinato, altro dettaglio distintivo delle opere di Nigel Brown, e intenta a compiere l’azione che più è affine alla sua natura, quella di suonare la chitarra. I colori sono intensi, Fauves, così come la linea di demarcazione è netta, spessa, e l’uomo prende quasi l’intera scena, inducendo a dimenticare l’altra co-protagonista del dipinto evidenziata nel titolo, la montagna che svetta alle sue spalle da un lato suggerendo anche in questo caso un’attitudine implicita a proteggere mentre dall’altro sembra restare incantata dalle note musicali che si liberano dallo strumento.

Table painting (n. unknown), pur non presentando la suddivisione cromatica di tipo puntinista, mantiene le tonalità terrose e cipriate nel descrivere un’atmosfera domestica serena e rilassata, la donna poggia le mani in modo teneramente materno sulle spalle della figlia piccola mentre il marito le guarda sorridendo. Il fratello ha invece un’espressione attonita, quasi disturbata dalle numerose attenzioni rivolte alla sorella sentendosi forse ignorato. In ogni caso la dinamica delicatamente descritta da Nigel Brown è quella che si ripete in ogni famiglia del mondo, sottolineando così quanto le relazioni domestiche siano simili in qualsiasi parte del globo. Qui l’Espressionismo è più delicato, le linee di contorno non sono larghe ed evidenti come nell’opera precedentemente descritta, probabilmente per sottolineare il senso di tranquillità che si respira quando la famiglia è riunita insieme e ritrova il piacere della condivisione.

The watering place at Tolaga after Cook è invece un’opera più panoramica e storica, racconta del primo incontro tra la popolazione indigena Maori e gli esploratori europei capitanati da James Cook, un contatto pacifico in cui la popolazione nativa aiutò i visitatori rifornendo la loro nave di acqua dolce, legna e kumara, le loro patate dolci; nel dipinto dunque è evidenziato esattamente questo ricordo di un atto di collaborazione che fu la base di una convivenza pacifica ed equilibrata giunta fino ai nostri giorni. Qui il colore è fortemente frammentato, trasformato da Puntinismo in Linearismo o Divisionismo poiché contraddistinto da linee brevi e nette, come se l’autore volesse enfatizzare l’appartenenza della scena a un tempo lontano.

Nigel Brown è un artista molto acclamato nel suo paese e conosciuto a livello internazionale, ha esposto in moltissime mostre collettive e personali nelle principali località neozelandesi, e ha eseguito grandi opere su commissione per enti pubblici e religiosi.

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Nigel Brown’s New Zealand settings, a blend of everyday spontaneity and a focus on preserving nature’s balance

There are artists who cannot separate themselves from the place where they breathe and live every day, making it the absolute protagonist of their paintings through which they reveal the small habits, the attitude toward existence and the landscapes inextricably linked to that specific site constantly before their eyes which becomes an inexhaustible source of inspiration. Describing what they see and what captures their interest, driven by the immediacy and spontaneity of their lived experiences and their recognition of these elements as an indelible part of the society in which they are immersed, alongside the awareness that they can immortalize atmospheres that would otherwise remain unknown or confined to a local context, thus becomes an artistic mission which necessitates the choice of a figurative and explicit style, designed to leave a recognizable mark that allows others to discover and be captivated by a culture that is different and, in many cases, distant.. Nigel Brown, through a unique and deeply personal stylistic voice, leaves an intense imprint of a country, New Zealand, which has been able to maintain a strong balance between indigenous and Western cultures.

Between the late Nineteenth and early Twentieth centuries, emerged in European society a new perspective the idea, namely, that of the ease of travel and movement, thanks to reduced sea voyage times and the bourgeoisie’s desire to discover new cultures. This interest resonated widely in the art world, with many artists of the era explicitly demonstrating the influence that their exploratory journeys had exerted on their work. Post-Impressionism, a movement in which emotionality took precedence over Impressionism’s pursuit of aesthetic perfection, found in Paul Gauguin the artist who, more than any other, applied the early principles that would evolve into Expressionism to the portrayal of a distant land, Polynesia, whose he captured spontaneity, purity, and lack of filters in stark contrast to the hypocrisy of the Parisian and European bourgeoisie. But even more revolutionary and innovative artists had beginnings influenced by Primitivism and indigenous African masks, evident in the distant, expressionless faces of the figures in Pablo Picasso’s pre-Cubist period, in the paintings of the Italian Amedeo Modigliani, and in the intense and aggressive color palette of Henri Matisse; in all these cases, although the narrative was not strictly tied to exoticism, indigenous iconography and symbolism found their way into the art transforming the stylistic structure of the paintings. The sharp, well-defined contours, the stylization of the settings, and the flat, unblended colors were also characteristic of Latin American art, whose artists depicted accurately and, above all, from a first-person perspective the indigenous and animist world that enveloped their daily lives and that needed to be brought to the public’s attention through art. The Brazilian artist Tarsila do Amaral, in particular, used simplified, almost comic-book-like settings to depict life on the plantations, symbolist spiritualism, and the immediacy that art needed to possess in order to speak to a broad audience; above all, her work sought to demonstrate her liberation from the Eurocentric culture that sought to dominate the early 20th century.

Diego Rivera too, before his paintings became politicized and a vehicle for social critique, depicted in his canvases Mexican life and the cultural and religious traditions of a people rich in a culture unknown to the West. New Zealand artist Nigel Brown embraces this kind of expressive legacy as well as the intention to showcase to the contemporary world the culture of a fascinating country that is nonetheless completely unknown to most people as if the Southern Hemisphere were a world unto itself, detached from everything happening in the Northern Hemisphere. In his canvases, however, a strong connection to the past is clearly visible as Expressionism tends almost spontaneously toward Primitivism which for him becomes a means of highlighting characters, customs, and glimpses of everyday life, unspoiled landscapes, and the love of nature that is part of his native culture. Not only that, but in his latest works, Nigel Brown also introduces a strong and distinct Pointillism, drawing on that Post-Impressionist aesthetic where, however, color no longer carries the Fauves connotations of the past but instead adapts to the earthy and neutral tones characteristic of the artist’s typical color palette. Another highly distinctive feature is his practice of writing the titles and the meaning of the canvases directly within them, using clearly visible and well-defined lettering as if it were a narrative inseparable from the visual one; the figures are depicted on a grand scale, much like those of Tarsila do Amaral, prompting reflection on how artists most closely tied to expressive immediacy share a common vision that leads them to distill the images they portray, especially when they seek to highlight the human being as a vehicle for a message or as a bearer of traditions.

And the message in Nigel Brown’s artworks is always one of safeguarding nature, biodiversity, and the biosphere which must maintain a balance essential to the development and continuation of life; this is why, in many of his canvases, he highlights birds native to New Zealand that must be preserved from extinction. Thus, in his ideal world, man coexists with and cares for the animals that the natives of his island have always seen around them, creatures whose fundamental role in the cycle of life must be safeguarded, given their preciousness and uniqueness; this is the meaning behind the painting Biosphere Crisis, in which a man and a woman stand embracing, clasping, as if to protect them, two Kiwis the flightless national bird that inhabits the country’s rainforests, woodlands, and scrublands, spending its days hidden in burrows or hollows dug into the ground. The setting is therefore a natural one, with a mountain behind the protagonists that, in turn, seems to want to protect the life unfolding beneath it despite the phrases surrounding the composition, which are in fact a menacing warning through which Nigel Brown reminds us just how delicate is the balance that sustains the entire Earth. In terms of execution, this canvas displays the characteristic Pointillist coloring that distinguishes the artist’s more recent works developed using soft, delicate tones that remain rooted in nature, as if the natural world were essential to the his creativity and indispensable to the message he wants to leave to the viewer.

In Guitarist’s Mountain however, he displays a more markedly expressionist approach, here the attention is entirely focused on the human figure depicted with a tilted neck, another distinctive detail of Nigel Brown’s paintings engaged in the activity most intrinsic to his nature, playing the guitar. The colors are intense, Fauvist, and the dividing line is sharp and thick, the man dominates nearly the entire scene, causing one to overlook the painting’s other co-star highlighted in the title, the mountain towering behind him, on one hand suggesting an implicit protective stance, while on the other, seeming spellbound by the musical notes drifting from the instrument. Table Painting (no. unknown), while lacking the pointillist-style division of color, retains earthy and powdery tones in its depiction of a serene and relaxed domestic atmosphere, the woman rests her hands tenderly and maternally on her young daughter’s shoulders while her husband looks on, smiling. The brother, on the other hand, has a stunned expression, almost disturbed by the attention being lavished on his sister, perhaps making him feel ignored. In any case, the dynamic delicately depicted by Nigel Brown is one that is repeated in every family around the world, thus underscoring how similar domestic relationships are, no matter where on the globe.

Here, the Expressionism is more subtle, the outline strokes are not as broad and pronounced as in the previously described work, likely to emphasize the sense of tranquility that permeates the scene when the family is gathered together and rediscovers the joy of sharing. The Watering Place at Tolaga after Cook, on the other hand, is a more panoramic and historical work, it depicts the first encounter between the indigenous Maori people and the European explorers led by James Cook, a peaceful encounter in which the native people assisted the visitors by supplying their ship with fresh water, firewood, and kumara, their sweet potatoes; the painting, therefore, highlights precisely this memory of an act of collaboration that laid the foundation for a peaceful and balanced coexistence that has endured to this day. Here, the color is highly fragmented, transformed from Pointillism into Linearism or Divisionism, as it is characterized by short, crisp lines, as if the artist wanted to emphasize that the scene belongs to a distant time. Nigel Brown is a highly acclaimed artist in his home country and internationally renowned, he has exhibited in numerous group and solo shows in major New Zealand cities and has created large-scale commissioned works for public and religious institutions.