Le vibranti opere di Fred Voigtmann, tra Puntinismo e Pop Art per raccontare il lato divertente della vita

A volte l’espressione artistica ha bisogno di mettere in evidenza non soltanto le tempeste e le profondità di un’interiorità che riesce a manifestarsi solo attraverso il gesto creativo, bensì mostra l’attitudine a spostarsi verso la leggerezza, il lato ludico e spensierato di una vita che può essere vissuta anche scegliendo un approccio positivo, volto a rendere ogni istante un’occasione per apprezzare ciò che di bello offre. Questo tipo di narrazione viene concretizzato sotto diverse forme e stili che si conformano alla personalità del singolo autore, svelando così il punto di vista sulla scelta cromatica, sulla figurazione o sull’indefinitezza ma anche sulla vivacità con cui ciascun interprete sviluppa il rapporto con l’atto pittorico o scultoreo. L’artista olandese Fred Voigtmann sceglie una cifra stilistica insolita e originale per dar vita a opere in cui vengono messe in evidenza le piccole cose piacevoli dell’esistenza.

Dopo l’esperienza di scomposizione del colore e di approccio verso la realizzazione pittorica effettuata verso la fine dell’Ottocento dagli innovatori appartenenti all’Impressionismo, si giunse ben presto a una duplice esigenza, apparentemente divergente eppure in qualche modo riconducibile a un medesimo sguardo espressivo. Il Post-Impressionismo si divise infatti tra gli artisti che desiderarono approfondire ed enfatizzare la scientificità della suddivisione del colore e quelli che al contrario volevano distaccarsi dalla pura estetica per affermare la necessità che ogni opera fosse un’emanazione dell’interiorità dell’esecutore, a discapito dell’armonia cromatica e della perfezione realizzativa. Laddove dunque i Fauves, una delle due sfaccettature di reazione all’Impressionismo, si assestarono su uno stile in cui il colore doveva avere un forte impatto emozionale, persino aggressivo, pur di allinearsi con il moto interiore dell’autore, il Puntinismo si concentrò invece sull’osservazione analitica del dialogo tra le varie tonalità, sull’effetto sulla retina dell’occhio che veniva impressionata oltrepassando la divisione dei piccoli puntini fino a ricevere sfumature e un risultato d’insieme diverso e corale.

Eppure uno dei maggiori esponenti dei Fauves, André Derain, applicò alle sue tonalità intense e piene, ma anche luminose, la teoria della scomposizione del Puntinismo creando di fatto un ponte tra i due stili. Molti decenni dopo, e a seguito delle estremizzazioni e ribellioni compiute dalle avanguardie dei primi decenni del Novecento, nacque negli Stati Uniti un movimento che si proponeva di andare verso il grande pubblico, solleticando l’interesse dell’emergente classe media che aveva il potere economico per acquistare un’opera ma non la cultura per apprezzare un tipo di arte eccessivamente intellettuale. Non solo, la fiducia emersa dopo la fine della seconda guerra mondiale e una rinnovata gioia di vivere indussero gli autori della Pop Art, questo il nome della nuova corrente artistica, a realizzare dipinti gioiosi, leggeri e collegabili alle abitudini comuni della società emergente; Andy Warhol, il fondatore dello stile, attinse alla vivacità cromatica Fauves per celebrare le dive del cinema, i personaggi politici, i simboli del consumismo di quegli anni, reiterati in immagini multiple che generavano leggerezza e divertimento tra gli appassionati. Grande personaggio della Pop Art degli anni Cinquanta e Sessanta del Novecento, fu Roy Liechtenstein, il quale si ispirò al mondo dei fumetti per dar vita a opere dove l’iconicità dei personaggi si associava a un Puntinismo grafico in cui il colore appariva uniforme e comunque sfondo funzionale a mettere in risalto i personaggi. Ecco dunque che, ancora una volta come nel caso di Derain, i due stili, il Fauves e il Puntinismo, trovano un punto di connessione grazie alla capacità di alcuni autori di oltrepassare le regole, di debordare dai confini delle definizioni creando un proprio modulo espressivo che mescola, unisce e fonde caratteristiche diverse adeguandole alla propria personalità.

L’artista olandese Fred Voigtmann compie, nella contemporaneità, il medesimo percorso di Derain e di Liechtenstein, mescolando le vivaci tonalità Fauves e Pop Art a un Puntinismo che va a sottolineare ed enfatizzare alcuni dettagli creando un gioco visivo in cui a emergere sono la solarità e la positività, la piacevolezza di un vivere che può anche essere osservato dal lato divertente, morbido, sereno.

I suoi soggetti sono Pop, nel senso che appartengono alla cultura popolare e ai ricordi di una generazione, quella della seconda metà del Novecento, che ha saputo rendere immortali i suoi simboli e che oggi è in grado di ricordarli e di attualizzarli; i colori sono vivaci, intensi, vibranti, decontestualizzati per suggerire l’appartenenza a un mondo ideale, immaginario perché avvolto da quell’aura fanciullesca che trasforma tutto in gioco e in sogno. E infine il Puntinismo, che di fatto è la caratteristica principale del suo stile artistico, attraverso il quale le sue narrazioni assumono quell’aspetto soffice, evanescente, sfumato in virtù della comunicazione tra le varie tonalità, e che permette alle tele di vibrare quasi come fossero in lieve movimento, quasi la realtà fissata dai colori pieni e netti divenisse ipnotica e in perpetua modificazione.

In qualche modo emerge nelle opere di Fred Voigtmann una lieve nostalgia verso il passato, quello degli anni Sessanta e dai Settanta del secolo scorso, che si svela dai soggetti che di volta in volta sceglie di mettere in evidenza e dalla scelta cromatica con cui tratteggia tutta la vivacità e spensieratezza di quei tempi; questo sguardo dell’autore appare particolarmente evidente nella tela Groovy dove viene celebrato il simbolo Peace and Love e il gesto con cui gli hippies riconoscevano l’appartenenza a una rivoluzione che tanti cambiamenti ha saputo portare alla società di quel periodo, conquistando libertà e affermando princìpi diversi da quelli sostenuti in precedenza e più al passo con i tempi moderni. Il Puntinismo in questa tela è assolutamente dominante e contraddistingue lo sfondo nelle tonalità dell’azzurro e del celeste, tanto quanto l’interno del simbolo costituito dai fiori, emblema stesso del movimento sociale, infondendo la sensazione di fluttuazione, di costante evoluzione legata all’era dell’Acquario, pianeta dominante di quel ribelle periodo.

In M. M. invece, Fred Voigtmann riprende una delle icone del cinema degli anni Cinquanta, quella Marylin Monroe che tanto aveva ispirato Andy Warhol al punto di divenirne musa e immagine imprescindibilmente legata alle sue opere, rappresentandola con uno stile quasi grafico, quasi appartenesse alle immagine patinate delle riviste pur scegliendo una tavolozza cromatica espressionista, e contornandola con uno sfondo rosa per sottolineare la sua innocenza d’animo che l’aveva condotta a soffrire e a non trovare mai la felicità nonostante fosse una delle donne più amate e ammirate del mondo. Qui il Puntinismo è meno predominante, orla alcuni simboli che l’autore utilizza per evocare il breve percorso di vita della diva come quel cuore che non si è mai sentito appagato, come i tanti fiori che ha sempre ricevuto pur sentendosi sempre sola; la cornice sottostante evoca l’evanescenza, la velocità del suo passaggio in un mondo troppo duro per la sua natura fragile.

Il dipinto Flamingo si spinge verso considerazioni più simboliche poiché, al di là dell’aspetto affascinante ed elegante, l’uccello rosa si lega ai concetti universali di equilibrio, di amore per via del colore tradizionalmente riconducibile al romanticismo, del suo appartenere sia all’aria che all’acqua, elementi legati alla libertà, al rinnovamento, alla purificazione e quindi in qualche modo riconducibili a un sentire comune e a un desiderio di andare verso la bellezza e l’armonia piuttosto che verso le brutture della società attuale. In questa tela la suddivisione in piccoli puntini, alternati a lievi tratteggi grafici che sembrano non riuscire ad arrestare il senso di flusso perpetuo che determina la mutevolezza della realtà osservata, è assolutamente prevalente, riempie tutto lo spazio tranne quello del cielo, probabilmente la costante, la certezza di un’esistenza in costante trasformazione e di una natura che sa rinnovarsi e rinascere istante dopo istante.

Infine in Citroen TA1 1949 Fred Voigtman celebra un importante momento di rinascita industriale dopo la fine della seconda guerra mondiale, un simbolo che fu in grado di confermare che l’umanità sapeva anche costruire, non solo distruggere, e dar vita a qualcosa di utile per le persone che dovevano essere valorizzate dopo una totale perdita di certezza e di valori. La rappresentazione dell’autore è pertanto solare, luminosa, infonde una sensazione di ottimismo, di un tendere verso un futuro radioso, ecco perché alle spalle dell’auto si trova un grande sole raggiante che avvolge tutto con il suo calore, ed ecco perché la macchina sembra solcare le onde del mare, quasi a costituire un ponte tra un passato da dimenticare e un domani pieno di speranza, di serenità e di leggerezza.

Fred Voigtmann, con il suo stile personale e distintivo, affascina collezionisti di ogni parte del mondo e ha alle spalle un consolidato percorso creativo che lo ha spinto a dar vita anche a una produzione di cuscini, borse, t-shirts, portafogli, tazze, teli mare, cover per cellulari dove sono impresse le sue solari e vivaci opere.

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Fred Voigtmann’s vibrant artworks, between Pointillism and Pop Art to reveal the funny side of life

Sometimes artistic expression needs to highlight not only the storms and depths of an inner world that can only manifest itself through creative gestures, but also shows an aptitude for shifting towards lightness, the playful and carefree side of a life that can also be lived by choosing a positive approach, aimed at making every moment an opportunity to appreciate the beauty it offers. This type of narrative takes shape in different forms and styles that conform to the personality of the individual author, thus revealing their point of view on color choice, figuration, or indefiniteness, but also on the liveliness with which each interpreter develops their relationship with the act of painting or sculpting. Dutch artist Fred Voigtmann chooses an unusual and original style to create works that highlight the small pleasures of life.

After the experience of color decomposition and the approach to painting carried out in the late 19th century by the innovators belonging to Impressionism, soon emerged a dual requirement seemingly divergent yet somehow attributable to the same expressive vision. Post-Impressionism was divided between artists who wanted to explore and emphasize the scientific nature of color division and those who, on the contrary, wanted to detach themselves from pure aesthetics to affirm the need for each work to be an emanation of the artist’s inner self, at the expense of chromatic harmony and perfection of execution. Whereas the Fauves, one of the two facets of the reaction to Impressionism, settled on a style in which color had to have a strong emotional, even aggressive impact in order to align with the artist’s inner motion, Pointillism focused instead on the analytical observation of the dialogue between the various shades, on the effect on the retina of the eye which was impressed by going beyond the division of small dots to receive nuances and a different, choral overall result. Yet one of the leading exponents of the Fauves, André Derain, applied the theory of Pointillism‘s decomposition to his intense, full, but also luminous tones, effectively creating a bridge between the two styles.

Many decades later, following the extremism and rebellion of the avant-garde movements of the early 20th century, emerged in the United States a movement emerged that aimed to reach the general public, appealing to the emerging middle class, which had the economic power to purchase art but lacked the cultural background to appreciate overly intellectual art. Not only that, but the confidence that emerged after the end of World War II and a renewed joie de vivre led the creators of Pop Art, as this new artistic movement was called, to produce joyful, light-hearted paintings that could be linked to the common habits of the emerging society; Andy Warhol, the founder of the style, drew on the chromatic vivacity of the Fauves to celebrate the divas of cinema, political figures, and symbols of consumerism of those years, repeated in multiple images that generated lightness and fun among enthusiasts. A major figure in Pop Art in the 1950s and 1960s was Roy Liechtenstein who drew inspiration from the world of comics to create artworks in which the iconic nature of the characters was associated with a graphic pointillism in which the color appeared uniform and, in any case, served as a functional background to highlight the characters. So, once again, as in the case of Derain, the two styles, Fauvism and Pointillism, find a point of connection thanks to the ability of some artists to go beyond the rules, to go over the boundaries of definitions, creating their own form of expression that mixes, combines, and blends different characteristics, adapting them to their own personality.

The Dutch artist Fred Voigtmann follows the same path as Derain and Liechtenstein in the contemporary world, mixing the vibrant tones of Fauves and Pop Art with a Pointillism that highlights and emphasizes certain details, creating a visual game in which emerge brightness and positivity, the pleasure of a life that can also be observed from a fun, soft, and serene perspective. His subjects are Pop in the sense that they belong to popular culture and the memories of a generation, that of the second half of the 20th century, which was able to immortalize its symbols and is now able to remember and update them; the colors are bright, intense, vibrant, decontextualized to suggest the belonging to an ideal, imaginary world because it is enveloped in that childlike aura that transforms everything into play and dreams. And finally Pointillism, which is in fact the main characteristic of his artistic style, through which his narratives take on that soft, evanescent, nuanced aspect thanks to the communication between the various shades, allowing the canvases to vibrate as if they were in slight motion, as if the reality captured by the full, clear colors became hypnotic and in perpetual change.

In some ways, Fred Voigtmann‘s artworks show a slight nostalgia for the past, for the 1960s and 1970s, which is revealed by the subjects he chooses to highlight and the color choices he uses to depict the liveliness and carefreeness of those times. This perspective is particularly evident in the canvas Groovy, which celebrates the symbol of Peace and Love and the gesture with which hippies recognized their belonging to a revolution that brought so many changes to the society of that period, conquering freedom and affirming principles that were different from those previously held and more in step with modern times. Pointillism is absolutely dominant in this canvas, characterizing the background in shades of blue and light blue, as well as the interior of the symbol consisting of flowers, the very emblem of social movement, instilling a sense of fluctuation and constant evolution linked to the Age of Aquarius, the dominant planet of that rebellious period. In M. M., on the other hand, Fred Voigtmann revisits one of the icons of 1950s cinema, Marilyn Monroe, who had inspired Andy Warhol to such an extent that she became his muse and an image inextricably linked to his works, representing her in an almost graphic style, as if she belonged to the glossy images of magazines, while choosing an expressionist color palette and surrounding her with a pink background to emphasize her innocence of spirit, which had led her to suffer and never find happiness despite being one of the most loved and admired women in the world.

Here, Pointillism is less predominant, bordering on some symbols that the author uses to evoke the diva’s short life, such as the heart that never felt fulfilled, like the many flowers she always received while always feeling alone; the frame below evokes evanescence, the speed of her passage in a world too harsh for her fragile nature. The painting Flamingo moves towards more symbolic considerations because, beyond its charming and elegant appearance, the pink bird is linked to the universal concepts of balance and love due to its color traditionally associated with romanticism, it belongs to both air and water, elements linked to freedom, renewal, and purification, and therefore in some way attributable to a common feeling and a desire to move towards beauty and harmony rather than the ugliness of today’s society. In this canvas, the division into small dots, alternating with light graphic strokes that seem unable to stop the sense of perpetual flow that determines the changeability of the observed reality, is absolutely prevalent, filling all the space except that of the sky, probably the constant, the certainty of an existence in constant transformation and of a nature that knows how to renew itself and be reborn moment after moment. Finally, in Citroen TA1 1949, Fred Voigtman celebrates an important moment of industrial rebirth after the end of World War II, a symbol that was able to confirm that humanity was also capable of building, not just destroying, and giving life to something useful for people who needed to be valued after a total loss of certainty and values. The author’s representation is therefore sunny and bright, instilling a feeling of optimism, of striving towards a bright future, that is why there is a large, radiant sun behind the car, enveloping everything with its warmth, and why the car seems to be sailing across the waves of the sea, almost forming a bridge between a past to be forgotten and a tomorrow full of hope, serenity, and lightness. Fred Voigtmann, with his personal and distinctive style, fascinates collectors from all over the world and has a consolidated creative career behind him that has led him to also create a range of cushions, bags, T-shirts, wallets, mugs, beach towels, and cell phone covers featuring his sunny and lively works.