L’Espressionismo Astratto variopinto e vivace di Petra Penz, quando il colore si accorda alle sensazioni

Spesso la necessità di lasciar fluire tutto ciò che appartiene all’interiorità dell’esecutore di un’opera non riesce a trovare rappresentazione nella realtà osservata, perché troppo legata alla parte mentale e logica, e così l’unico linguaggio conforme all’intento creativo diviene quello istintivo, quello privo di regole formali ed esecutive attraverso cui l’impulso emanativo non trova margini, ostacoli o interruzioni al flusso emozionale che ha bisogno di liberare se stesso per affiorare verso la consapevolezza. L’artista di cui vi racconterò oggi sceglie l’immediatezza esecutiva che si rivela non solo attraverso la gamma cromatica variegata e vivace bensì anche nel momento dell’azione poiché il gesto plastico diviene esso stesso una parte integrante dell’opera.

La prima metà del Ventesimo secolo ha costituito nella storia dell’arte quella svolta definitiva di cui gli autori avevano bisogno per adeguarsi al cambiamento dei tempi, per dar vita a qualcosa di inedito che non era più solo la trasformazione o l’evoluzione del punto di vista espressivo con cui raccontare la realtà osservata bensì era un nuovo modo di interagire con la tela e di intendere l’opera. Già nei primi anni, la nascita dell’Arte Astratta aveva rotto definitivamente gli schemi con tutto ciò che apparteneva alla tradizione accademica mostrando come l’espressività potesse essere indipendente dalla riproduzione di ciò che per lo sguardo era familiare. Tuttavia i movimenti come il De Stijl, l’Astrattismo Geometrico e il Suprematismo si chiusero dentro altri tipi di schemi, quelli appunto legati alle forme geometriche e, in alcuni casi, a una gamma cromatica limitata ai colori primari, che si legavano solo ed esclusivamente alla rigidità logica e razionale tralasciando il mondo delle emozioni.

Il periodo delle due guerre mondiali focalizzò invece l’attenzione sull’individuo, sul suo sentire, sulle sensazioni che gli eventi suscitavano in tutte le persone ma anche e soprattutto negli artisti, mettendo al centro della pittura una ricerca esistenzialista che sfociò nell’Espressionismo del secondo periodo, quello distante dal cromatismo aggressivo dei Fauves ma più sottile nella manifestazione interiore, e anche in una rivistazione di quell’Arte Astratta che solo con Vassily Kandinsky aveva trovato un pur sottile legame con la soggettività dell’esecutore di un’opera. Dunque un gruppo di artisti innovatori capitanato da Jackson Pollock diede vita all’Espressionismo Astratto, un movimento che pur riconoscendo la necessità di affrancarsi da qualsiasi regola formale riconosceva come unica caratteristica che potesse unire gli appartenenti alla corrente quella di permeare le tele dei sentimenti che galleggiavano nell’interno del sé e che potevano essere espressi solo in virtù dell’assenza di forma. Ciascuno degli esponenti assecondò e adeguò la pittura alla propria indole, alla personalità che si svelava dunque attraverso il colore e il modo in cui veniva utilizzato, introducendo un ulteriore elemento innovativo, quello dell’azione che diveniva dunque parte irrinunciabile del processo creativo.

L’irruenza del Dripping di Jackson Pollock e di Lee Krasner, sua moglie, veniva mitigata e quasi contrapposta al Color Field di Mark Rothko e di Helen Frankenthaler, tanto quanto il minimalismo di Barnett Newman si discostava dall’irruenza segnica in bianco e nero di Franz Kline e da quella intrisa di tonalità vivaci e collegate all’anima, alla natura e all’immediatezza espressiva di Joan Mitchell. A partire da quel primo gruppo di autori, di cui fecero parte anche molti artisti rifugiatisi negli Stati Uniti per salvarsi dalle persecuzioni della seconda guerra mondiale, il movimento si diffuse ben presto anche nel vecchio continente, ma solo dopo la sconfitta del nazismo, dove emersero le interpretazioni più sperimentali dell’Informale Materico, di cui l’italiano Alberto Burri fu capostipite, o quelle graffiate e spatolate di uno dei più quotati artisti tedeschi viventi, Gerard Richter. L’artista Petra Penz, tedesca anche lei, mostra il suo approccio femminile all’Action Painting, traendo ispirazione e quasi fondendo il gesto segnico di Joan Mitchell all’utilizzo di una tavolozza cromatica vibrante e vivace più vicina a quella di Helen Frankenthaler; il risultato fuoriesce dalle tele con un forte impatto che richiama l’attenzione dell’osservatore non solo sul groviglio visivo che contraddistingue le opere dell’autrice ma anche sull’associazione di colori che sollecitano l’interpretazione soggettiva, come se ciascuno dovesse dare una propria versione del visibile.

È proprio questo l’intento dei dipinti di Petra Penz, quello di creare un dialogo intuitivo tra il soggetto creante e quello ricevente, perché la sua emanazione, concretizzandosi sulla tela, coinvolge in virtù della sua positività e solarità, consentendo al fruitore di lasciarsi avvolgere dal calore delle tonalità scelte, e solo in un secondo momento collegarsi al titolo che è quello in virtù del quale l’autrice riflette su temi universali che stimolano e chiedono una risposta personale. Sembra quasi un richiamo alla spontaneità della fanciullezza quello di Petra Penz, come se la sua arte sottintendesse l’importanza di ritrovare un’immediatezza, una semplicità perdute in una società contemporanea che sembra non lasciare spazio alla purezza, alla delicatezza, all’istinto che ha bisogno di trovare una sua voce senza essere mediato dalla ragione.

Le riflessioni dell’autrice si legano dunque all’Esistenzialismo moderno ma anche alla consapevolezza che tutta la realtà può essere modificata sulla base del punto di vista e dell’approccio alla vita e agli accadimenti; questo è il senso della serie pittorica Obstacles dove il titolo potrebbe far pensare al fastidio che si prova quando qualcosa si mette in mezzo all’obiettivo da raggiungere, al sogno da realizzare, al fine da perseguire.

Petra Penz sceglie invece colori pastello, delicati, luminosi, mescolati al nero o al blu profondo che non predominano, come volesse dire che il buio non rimane mai tale molto a lungo, la luce sopraggiunge sempre a illuminarlo e dunque quei colori tenui e piacevoli che irradia e mescola sulla maggior parte della superficie della tela sono un invito all’osservatore a considerare gli eventi come un’opportunità, un modo per testare il loro desiderio di trovare una via d’uscita, un modo per oltrepassare quel limite momentaneo considerandolo solo come tale. Nella serie Visible al contrario, a fuoriuscire in maniera chiara sono quei veri colori appartenenti all’anima, quel gomitolo di sensazioni riconducibili alla purezza, all’immediatezza di tutto ciò che non viene filtrato dalla mente, e dunque non conosce dubbi, incertezze, esitazioni, semplicemente è un’anima che mostra le sue sfaccettature serene, felici, senza alcun pensiero che possa romperne l’equilibrio magico e melodico che si sprigiona quando ella ascolta solo se stessa.

La capacità di vedere il lato bello e giocoso della vita è l’unico modo per attraversare l’esistenza senza lasciarsi incupire da una contingenza spesso soffocante o troppo pragmatica per riuscire a rimanere nella dimensione del sogno; questo è ciò che evocano le tonalità utilizzate da Petra Penz per questa serie, come se esortasse il mondo esterno a ricordare quanto importante sia sorridere, affrontare tutto con leggerezza e con apertura, poiché è solo così che si potrà arrivare in fondo al percorso con la consapevolezza di aver approfittato di tutto il bello circostante senza che fosse oscurato dalle nuvole che di quando in quando attraversano il cielo dell’interiorità.

In Faces and Figures l’autrice introduce una figurazione vaga, approssimativa, che esce dalla non forma dello sfondo e sembra voler condurre lo sguardo verso un’interrogazione, come se Petra Penz invitasse l’osservatore a domandarsi il perché di quei volti stilizzati o di quegli oggetti fluttuanti sulla tela, nell’evocazione dei quali si ispira alla tradizione primitivista che non può fare a meno di generare riflessioni sul trascorrere dei secoli e al contempo sul ruolo dell’essere umano, sempre in bilico tra spiritualità e concretezza, tra credenze antiche e concetti contemporanei in cui tutti i valori e le tradizioni sembrano sottomesse all’ottenimento di beni e di ricchezze che non appartengono più all’anima, bensì si allontanano da essa.

L’irruzione di quei volti misteriosi nel vivido cromatismo dei dipinti sembra un monito per l’uomo contemporaneo, un invito a non dimenticare mai da dove proviene e quanta strada ha compiuto in virtù di quelle radici coriacee e irrinunciabili che sovverte e mette in dubbio la convinzione che esse siano superate. In Seamless (Senza soluzione di continuità), Petra Penz affronta il tema del flusso delle emozioni, delle idee, delle considerazioni e dei pensieri che si susseguono, si aggrovigliano collegandosi l’una all’altra costituendo la struttura di base di ogni singola personalità, come fossero un’impronta digitale dell’interiorità dentro cui l’osservatore è chiamato a specchiarsi, ad avvicinarsi per riconoscersi o semplicemente ritrovarsi per affinità elettiva e per vibrazione emozionale.

Petra Penz è dunque interprete di un’Action Painting in cui il gesto compone in maniera impulsiva e spontanea l’opera che riflette la sua visione del mondo e dell’esistenza; ha al suo attivo la partecipazione a mostre personali, collettive e fiere d’arte in Germania e in Italia.

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Petra Penz’s colorful and lively Abstract Expressionism, when color matches feelings

Often, the need to let everything that belongs to the inner self of the author of an artwork flow freely cannot be represented in observed reality, because it is too closely linked to the mental and logical aspects, and so the only language that conforms to the creative intent becomes the instinctive one, that without formal and executive rules through which the emanative impulse finds no margins, obstacles, or interruptions to the emotional flow that needs to free itself in order to surface towards awareness. The artist I am going to tell you about today chooses immediacy of execution, which is revealed not only through the varied and lively color range but also in the moment of action, as the plastic gesture itself becomes an integral part of the work.

The first half of the 20th century marked a definitive turning point in art history, one that artists needed in order to adapt to changing times and give life to something new that was no longer just a transformation or evolution of the expressive point of view with which to describe observed reality, but rather a new way of interacting with the canvas and understanding the work. Already in its early years, the birth of Abstract Art had definitively broken with everything that belonged to the academic tradition, showing how expressiveness could be independent of the reproduction of what was familiar to the eye. However, movements such as De Stijl, Geometric Abstractionism, and Suprematism closed themselves off within other types of patterns, those linked to geometric shapes and, in some cases, to a color range limited to primary colors, which were linked solely and exclusively to logical and rational rigidity, leaving out the world of emotions.

The period between the two world wars, on the contrary, focused attention on the individual, on his feelings, on the sensations that events aroused in all people but also and above all in artists, placing existentialist research at the center of painting, which led to the Expressionism of the second period, distant from the aggressive chromaticism of the Fauves but more subtle in its inner manifestation, and also in a reinterpretation of Abstract Art that only with Vassily Kandinsky had found a subtle link with the subjectivity of the artist creating the work. Thus, a group of innovative artists led by Jackson Pollock gave rise to Abstract Expressionism, a movement that, while recognizing the need to break free from any formal rules, acknowledged that the only characteristic that could unite the members of the movement was that of permeating the canvases with feelings that floated within the self and could only be expressed by virtue of the absence of form. Each of the exponents indulged and adapted painting to their own temperament, to their personality, which was thus revealed through color and the way it was used, introducing a further innovative element, that of action that thus became an indispensable part of the creative process. The impetuosity of the Dripping of Jackson Pollock and Lee Krasner, his wife, was mitigated and almost contrasted with the Color Field of Mark Rothko and Helen Frankenthaler, just as Barnett Newman‘s Minimalism differed from the impetuous black and white mark-making of Franz Kline and that imbued with bright colors and connected to the soul, nature, and expressive immediacy of Joan Mitchell.

Starting with that first group of artists, which also included many who had fled to the United States to escape persecution during World War II, the movement soon spread to the Old Continent, but only after the defeat of Nazism, where emerged the most experimental interpretations of Informal Art led by Italian artist Alberto Burri, or the scratched and spatula-stroked works of one of the most highly regarded living German artists, Gerard Richter. The artist Petra Penz, also German, shows her feminine approach to Action Painting, drawing inspiration from and almost merging Joan Mitchell‘s gestural style with the use of a vibrant and lively color palette closer to that of Helen Frankenthaler; the result bursts out of the canvases with a strong impact that draws the viewer’s attention not only to the visual tangle that characterizes the artist’s works but also to the association of colors that solicit subjective interpretation, as if each viewer were to give their own version of what is visible. This is precisely the intent of Petra Penz‘s paintings, to create an intuitive dialogue between the creator and the viewer, because her emanation, taking shape on the canvas, engages the viewer with its positivity and brightness, allowing him to be enveloped by the warmth of the chosen colors, and only later connect with the title through which the artist reflects on universal themes that stimulate and demand a personal response.

Petra Penz‘s work seems almost to call back to the spontaneity of childhood, as if her art implied the importance of rediscovering an immediacy and simplicity lost in a contemporary society that seems to leave no room for purity, delicacy, and instinct that needs to find its own voice without being mediated by reason. The author’s reflections are therefore linked to modern Existentialism but also to the awareness that all reality can be modified on the basis of one’s point of view and approach to life and events. This is the meaning of the Obstacles series of paintings, whose title might suggest the disappointment one feels when something gets in the way of the goal to be achieved, the dream to be realized, the aim to be pursued. Petra Penz, on the other hand, chooses delicate, bright pastel colors mixed with black or deep blue that do not dominate, as if to say that darkness never lasts very long because light always comes to illuminate it. Thus, the soft, pleasant colors that she radiates and mixes across most of the canvas surface invite the observer to consider events as an opportunity, a way to test their desire to find a way out, a mode to overcome that momentary limitation by considering it only as such. In the series Visible, on the contrary, what clearly emerges are those true colors belonging to the soul, that tangle of sensations attributable to purity, to the immediacy of everything that is not filtered by the mind, and therefore knows no doubts, uncertainties, or hesitations. It is simply a soul showing its serene, happy facets, without any thought that could break the magical and melodic balance that emanates when it listens only to itself.

The ability to see the beautiful and playful side of life is the only way to go through existence without letting oneself be clouded by circumstances that are often suffocating or too pragmatic to remain in the realm of dreams; this is what evoke the colors used by Petra Penz in this series, as if urging the outside world to remember how important it is to smile, to face everything with lightness and openness, because only in this way is possibile to reach the end of the journey with the awareness of having taken advantage of all the beauty around without it being obscured by the clouds that occasionally cross the sky of the inner self. In Faces and Figures, the author introduces a vague, approximate figuration that emerges from the non-form of the background and seems to want to lead the gaze towards a question, as if Petra Penz were inviting the observer to wonder about the reason for those stylized faces or those objects floating on the canvas, whose evocation is inspired by the primitivist tradition, which cannot help but generate reflections on the passing of the centuries and, at the same time, on the role of human beings, always poised between spirituality and concreteness, between ancient beliefs and contemporary concepts in which all values and traditions seem to be subordinated to the acquisition of goods and riches that no longer belong to the soul but rather distance themselves from it. The intrusion of those mysterious faces into the vivid colors of the paintings seems like a warning to contemporary man, an invitation never to forget where he comes from and how far he has come thanks to those tenacious and indispensable roots that subvert and cast doubt on the belief that they are outdated. In Seamless, Petra Penz tackles the theme of the flow of emotions, ideas, considerations, and thoughts that follow one another, becoming entangled and connecting with each other to form the basic structure of each individual personality, as if they were a fingerprint of the inner self in which the observer is called upon to reflect, to draw closer in order to recognize himself or simply to find in it through elective affinity and emotional vibration. Petra Penz is therefore an interpreter of Action Painting in which the gesture impulsively and spontaneously composes the work that reflects her vision of the world and existence; she has participated in solo and group exhibitions and art fairs in Germany and Italy.