L’Espressionismo Metafisico di Algida Temil, quando il sogno toglie il velo all’interiorità

Esiste una dimensione attraverso la quale tutto ciò che nella razionalità viene tenuto a bada e messo in silenzio per non rompere quell’armatura di certezze che l’individuo costruisce intorno a sé per vivere la realtà, si può manifestare liberamente senza alcun filtro, senza alcuna barriera determinata dalla logica, e può far sentire la propria delicata voce, poetica e melodica che solo il mondo delle emozioni può avere. Per ascoltare quelle verità sottili alcuni artisti prediligono un tipo di figurazione priva di dettagli, stilizzata e apparentemente impersonale solo e unicamente perché è proprio in virtù di quel silenzio evocato dall’essenzialità che è più facile percepire le sensazioni di cui ciascuna tela è impregnata. La protagonista di oggi elabora un proprio personale stile pittorico grazie al quale l’interno del soggetto rappresentato si connette, grazie alla forza emanativa, verso un esterno che non può fare a meno di accordarsi e di conformarsi alla sensazione che di volta in volta viene raccontata.

Intorno alla fine del Diciannovesimo secolo si andò diffondendo sempre di più, tra i nuovi protagonisti del panorama artistico, l’attitudine a mettere in primo piano l’interiorità dell’autore piuttosto che la pura riproduzione dell’oggettività come era avvenuto in precedenza; il risultato di questo nuovo approccio alla pittura e alla scultura fu la nascita di movimenti in cui la narrazione reale era messa in secondo piano rispetto all’emozione che doveva essere manifestata. I Fauves francesi furono i primi a trasformare questo concetto in fondamenta per le linee guida che poco dopo sarebbero state ampliate e aggiustate dall’Espressionismo; la rinuncia all’estetica, alle regole accademiche sul chiaroscuro, la profondità e la prospettiva costituirono una rottura con l’arte così come intesa in precedenza nonché un vero e proprio scossone in un mondo culturale ancora troppo chiuso per accogliere le innovazioni. Nonostante ciò però, le belve, questo il significato dispregiativo con cui vennero denominati Henri Matisse, Maurice de Vlaminck e André Derain, si affermarono e generarono un nuovo movimento in cui il sentire dell’autore, le sue riflessioni e percezioni, era predominante su qualsiasi altro manierismo o formalità estetica. Con l’avvento del Novecento i colori accesi e aggressivi dei Fauves si attenuarono, declinati anche sulla base del paese di provenienza degli autori aderenti e dunque accordati alle caratteristiche interiori, come nel caso di Edvard Munch che riprodusse sulle tele il suo carattere ombroso, cupo, caratterizzato da angosce e paure che avevano sempre appartenuto alla sua esistenza.

Tuttavia in quei vivaci anni di inizio del nuovo secolo, anche altre correnti vollero esplorare l’essere umano in tutte le sue sfaccettature e complessità, persino escludendone la presenza nei dipinti ma evocando costantemente l’esigenza di riflessione e di considerazione di una linea temporale grazie alla quale l’umanità si è evoluta giungendo fino al presente. Questo tipo di stimolo emerge dalla Metafisica di Giorgio De Chirico, il quale pur distanziandosi dal movimento coevo e in qualche modo parallelo del Surrealismo, in qualche modo ne condivise le atmosfere desolate, l’attitudine a interrogarsi sul vuoto, sul silenzio e sui grandi quesiti dell’umanità, quelli a cui l’individuo non ha mai saputo dare risposta. La presenza umana viene negata, o meglio è come se l’autore chiamasse in causa l’uomo solo come spettatore, come mente pensante a cui viene richiesto di sciogliere quei nodi, di considerare il passato e di perdersi dentro la suggestione per ritrovare un’identità diversa; questo è il significato di quei manichini a cui viene tolto il volto, sottintendendo che il vuoto deve essere riempito di nuova linfa, di nuova sostanza che non tenda all’impossibile eternità ma che tuttavia rifletta sull’importanza di arricchirsi di tutto ciò che è sopravvissuto e che si manifesta in una dimensione senza spazio e senza tempo. L’artista udinese Algida Temil riprende il tema dei manichini di De Chirico, trasportandoli però in un’ambientazione più spirituale, meno razionale e più legata a quell’emozione di cui non riesce a fare a meno e che si rivela grazie agli sfondi in cui predomina l’Espressionismo declinato verso il sentimento, la delicatezza, la positività di aprirsi a un mondo fatto di profondità ma soprattutto della poliedricità dei sentimenti che avvolgono la vita e gli accadimenti che si verificano.

Il giallo è il colore predominante nelle tele di Algida Temil, e sembra sottolineare la luce che si irradia dall’interno, dal liberare le emozioni che nella quotidianità vengono lasciate in un piccolo angolo protetto a cui attingere solo nel momento del dialogo intimo con se stessi; ecco perché l’ocra è utilizzato per descrivere le sue esili figure, prive di ogni segno distintivo se non quello diffuso dal loro sentire, che si innalzano verso una dimensione eterea e priva di qualsiasi riferimento contingente.

L’astrazione dello spazio circostante contribuisce a infondere nell’osservatore quel magnetismo che lo induce a lasciarsi cullare dalle linee sinuose e armoniche con cui Algida Temil suddivide gli sfondi, quasi fossero onde, echi sinfonici di tutto ciò che i suoi protagonisti vivono, respirano, pensano, di tela in tela. È a loro che l’autrice affida la propria voce interiore, quella che la stimola a interpretare con delicatezza e sofficità i pensieri e le domande appartenenti alla sua introspezione ma anche a quella di ogni essere umano.

Nel dipinto La luce di Eos, Algida Temil entra nel tema mitologico in cui la dea che protegge la luce e l’aurora si trova a dover fare i conti con l’immortalità del suo amato Titone; qui infatti l’esile figura femminile evoca la malinconia, il capo piegato di lato svela una tristezza che non si addice alla bellezza della rinascita del sole che ogni giorno grazie a lei si compie. L’autrice riesce ad associare le due sensazioni contrastanti, da un lato la nostalgia per ciò che non ha potuto trattenere, dall’altro il compito che è chiamata ad assolvere, ossia quello di riportare la luce dopo la fase del buio notturno. Il terreno intorno alla protagonista è infatti color porpora-violetto, tonalità che viene spesso associata all’anima e alle sue sensazioni più profonde e inconfessate.

In Meta utopica invece viene messa in evidenza l’attitudine dell’essere umano a voler raggiungere l’irraggiungibile, come nel caso del disco della luna verso cui le braccia della donna sono protese, dimenticando così di bearsi di tutto ciò che nel resto del cammino si incontra. L’invito di Algida Temil è sottile e riguarda un ritorno alla capacità di assaporare il bello dell’adesso, di quelle morbide onde di realtà, che sembrano carezze, rappresentate da colori tenui come il rosa e da quelli della scala dei celesti, suggerendo che l’essere umano avrebbe già tutto per essere felice e appagato se solo ricordasse la semplicità dell’esistenza. Osservata però da un diverso punto di vista, l’opera appare come un invito a non fermarsi nonostante i rifiuti, le cadute, uno stimolo a resistere perché è solo dopo aver tentato ancora e ancora, che è possibile raggiungere quell’obiettivo tanto lontano da risultare imprendibile. Da un lato quindi emerge l’invito ad approfittare della bellezza del presente, dall’altro la spinta è verso la resilienza, la capacità di non perdere di vista il fine tanto desiderato che può essere raggiunto solo credendo nel sogno.

In Oasi onirica invece l’autrice affronta il tema della coppia, mostrando quanto sia necessario costruire una barriera di protezione dal mondo esterno, un porto sicuro dentro cui rifugiarsi per immergersi nella dimensione evocata da quei colori intensi e avvolgenti, pieni di luce ma anche della concretezza della terra, che raccontano di condivisione, di desiderio di abbandonare i problemi quotidiani per unirsi insieme in un’atmosfera di pace e di serenità. In questo dipinto il senso di fluttuazione è particolarmente forte, quasi Algida Temil volesse suggerire la magia che si prova nel momento in cui è vicini alla persona amata, un incantesimo che si compie ogni giorno quando il sentimento è solido, a dispetto del trascorrere del tempo, delle problematiche che inevitabilmente appartengono all’oggettività e al pragmatismo a cui chiunque è costretto ad attingere nel vivere contemporaneo.

Metamorfosi svela l’aspetto esistenzialista delle opere di questa originale artista, poiché la trasformazione di cui racconta non riguarda solo il singolo, il suo soggetto, bensì può essere spunto di riflessione per ogni individuo che attraversi una fase di insicurezza, di opposizioni, di consapevolezza di dover superare le proprie fragilità. Dunque la presa di coscienza di dover compiere un cambiamento necessita prima un raccogliersi in se stessi; ecco il motivo della posa chiusa del protagonista, lasciare che tutti i blocchi fuoriescano e affiorino alla coscienza per poi dopo potersi dischiudere e assumere quella forma nuova, che non è quella del corpo bensì quella dell’anima, in virtù della quale continuare a tendere verso il cammino evolutivo. La luce è alle spalle per sottolineare quanto una distruzione, una morte figurata, non sia altro che il principio necessario per la ricostruzione e la rinascita.

Algida Temil ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive in Italia e all’estero – Belgio e Spagna -, ha ricevuto segnalazioni di merito e riconoscimenti nelle sue partecipazioni a premi artistici ed è stata selezionata nel 2025 per la Biennale d’Arte di Sondrio.

ALGIDA TEMIL-CONTATTI

Email: algidatemil@yahoo.it

Facebook: www.facebook.com/profile.php?id=100009583204321

Instagram: www.instagram.com/temilalgida/

Algida Temil’s Metaphysical Expressionism, when dreams lift the veil to interiority

There is a dimension through which everything that is kept at bay and silenced by rationality, so as not to break the armor of certainties that individuals build around themselves in order to live in reality, can manifest itself freely without any filter, without any barrier determined by logic, and can make heard its delicate, poetic, and melodic voice that only the world of emotions can have. To listen to these subtle truths, some artists prefer a type of figuration devoid of detail, stylized and apparently impersonal, solely because it is precisely by virtue of the silence evoked by essentiality that it is easier to perceive the sensations with which each canvas is imbued. Today’s protagonist develops her own personal painting style, thanks to which the interior of the subject represented connects, through its emanative force, to an exterior that cannot help but agree and conform to the sensation that is conveyed each time.

Towards the end of the 19th century began to spread among the new protagonists of the artistic scene a new attitude which was to focus on the artist’s inner world rather than on the pure reproduction of objectivity, as had been the case previously. The result of this new approach to painting and sculpture was the birth of movements in which real narrative was overshadowed by the emotion that was to be expressed. The French Fauves were the first to transform this concept into the foundations for guidelines that would soon be expanded and adjusted by Expressionism. The renunciation of aesthetics and academic rules on chiaroscuro, depth, and perspective constituted a break with art as it had previously been understood, as well as a real shake-up in a cultural world that was still too closed to embrace innovation. Despite this, however, the beasts, the derogatory name given to Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, and André Derain, established themselves and generated a new movement in which the artist’s feelings, reflections, and perceptions predominated over any other mannerism or aesthetic formality. With the advent of the 20th century, the bright and aggressive colors of the Fauves softened, varied also according to the country of origin of the participating artists and were therefore tailored to their inner characteristics, as in the case of Edvard Munch, who reproduced his gloomy, sombre character on canvas, characterized by the anxieties and fears that had always been part of his existence. However, in those lively years at the beginning of the new century, other movements also sought to explore the human being in all its facets and complexities, even excluding its presence in paintings but constantly evoking the need for reflection and consideration of a timeline through which humanity has evolved to the present day.

This type of stimulus emerges from the Metaphysical Art of Giorgio De Chirico, who, while distancing himself from the contemporary and somewhat parallel movement of Surrealism, in some ways shared its desolate atmospheres, its attitude of questioning the void, silence, and the great questions of humanity, those to which the individual has never been able to give an answer. Human presence is denied, or rather, it is as if the author calls upon man only as a spectator, as a thinking mind who is asked to untangle those knots, to consider the past and to lose himself in suggestion in order to find a different identity; this is the meaning behind those mannequins with their faces removed, implying that the void must be filled with new life, with new substance that does not tend towards impossible eternity but nevertheless reflects on the importance of enriching oneself with all that has survived and manifests in a dimension without space or time. The Udine-based artist Algida Temil takes up De Chirico‘s theme of mannequins, but transports them into a more spiritual setting, less rational and more closely linked to that emotion she cannot do without, which is revealed thanks to backgrounds dominated by Expressionism inclined towards sentiment, delicacy, the positivity of opening up to a world made up of depth but above all of the multifaceted nature of the feelings that envelop life and the events that occur. Yellow is the predominant color in Algida Temil‘s canvases, and seems to emphasize the light that radiates from within, from the release of emotions that in everyday life are left in a small protected corner to be drawn upon only in moments of intimate dialogue with oneself; this is why ochre is used to describe her slender figures, devoid of any distinctive features other than those conveyed by their feelings, which rise towards an ethereal dimension devoid of any contingent reference. The abstraction of the surrounding space helps to instill in the observer a magnetism that induces him to let be lulled by the sinuous and harmonious lines with which Algida Temil divides the backgrounds, almost as if they were waves, symphonic echoes of everything her protagonists live, breathe, and think, from canvas to canvas.

It is to them that the author entrusts her inner voice, the one that stimulates her to interpret with delicacy and softness the thoughts and questions belonging to her introspection but also to that of every human being. In the painting La luce di Eos (The Light of Eos), Algida Temil enters the mythological theme in which the goddess who protects light and dawn finds herself having to come to terms with the immortality of her beloved Tithonus; here, in fact, the slender female figure evokes melancholy, her head bent to one side revealing a sadness that does not suit the beauty of the rebirth of the sun that takes place every day thanks to her. The author manages to associate two contrasting feelings, on the one hand, nostalgia for what she could not hold on to, and on the other, the task she is called upon to perform, namely to bring back the light after the darkness of night. The ground around the protagonist is purple-violet, a shade often associated with the soul and its deepest, unconfessed feelings. In Meta utopica (Utopian destination), on the other hand, the focus is on the human tendency to strive for the unattainable, as in the case of the moon disc towards which the woman’s arms are stretched, thus forgetting to enjoy everything else encountered along the way. Algida Temil‘s invitation is subtle and concerns a return to the ability to savor the beauty of the present, of those tender waves of reality that seem like caresses, represented by soft colors such as pink and shades of blue, suggesting that human beings already have everything they need to be happy and fulfilled if only they remembered the simplicity of existence. However, when viewed from a different perspective, the work appears as an invitation not to stop despite rejections and setbacks, a stimulus to persevere because it is only after trying again and again that it is possible to achieve that goal that seems so distant as to be unattainable. On the one hand, therefore, there is an invitation to enjoy the beauty of the present, while on the other, there is a push towards resilience, the ability not to lose sight of the much-desired goal that can only be achieved by believing in the dream. Instead in Oasi onirica (Dreamlike Oasis) the artist tackles the theme of the couple, showing how necessary it is to build a protective barrier from the outside world, a safe haven in which to take refuge and immerse oneself in the dimension evoked by those intense, enveloping colors, full of light but also of the concreteness of the earth, which speak of sharing, of the desire to abandon everyday problems in order to come together in an atmosphere of peace and serenity.

In this painting, the sense of fluctuation is particularly strong, as if Algida Temil wanted to suggest the magic one feels when close to a loved one, a spell that is cast every day when the feeling is solid, despite the passing of time and the problems that inevitably belong to the objectivity and pragmatism that everyone is forced to draw on in contemporary life. Metamorphosis reveals the existentialist aspect of this original artist’s works, since the transformation she describes does not only concern the individual, her subject, but can also be a source of reflection for anyone going through a phase of insecurity, opposition, and awareness of having to overcome their own fragility. Therefore, the awareness of having to make a change first requires introspection; this is the reason for the protagonist’s closed pose, allowing all the blocks to come out and surface in his consciousness so that he can then open up and take on that new form, which is not that of the body but the one of the soul, by virtue of which he can continue to strive towards the path of evolution. The light is behind him to emphasize how destruction, a figurative death, is nothing more than the necessary beginning for reconstruction and rebirth. Algida Temil has participated in group exhibitions in Italy and abroad—Belgium and Spain—and has received commendations and awards for her participation in art competitions and in 2025, she has been selected for the Sondrio Art Biennial.