Lo scorrere libero delle emozioni come base espressiva della Fluid Art di Évicu Világa

A volte l’arte ha bisogno di essere il mezzo attraverso il quale un autore racconta la parte più spontanea di sé, quella che non riesce a restare all’interno di uno schema narrativo ed esecutivo perché il farlo impedirebbe all’impulsività, e dunque al sentire più profondo, di fuoriuscire priva di qualsiasi condizionamento. La tecnica più affine a questo tipo di esigenza è sicuramente quella in cui viene abbandonata la forma e si approda all’accezione più emotiva dell’astrattismo nella quale ogni riferimento al reale viene annullato per lasciare spazio al puro cromatismo, alla voce spontanea di quelle energie sottili che sembrano svelarsi esattamente in virtù della totale assenza di riferimento a cui la razionalità possa appigliarsi. Évicu Világa sceglie una tecnica molto particolare che le consente di trasmettere con immediatezza le sue sensazioni sulla tela, senza limitazioni piuttosto studiando e modellando il colore sulla base del concetto a cui quella mancanza di forma deve ricondurre le corde dell’osservante.

Nell’idea comune fu l’Occidente ad apportare tutte le innovazioni che si avvicendarono nel corso del Ventesimo secolo, anche in ambito artistico poiché il legame e le possibilità di incontro che avevano gli autori, così come la presenza nel continente europeo dei più grandi collezionisti, permise di rendere note e diffondere tutte le tecniche e gli stili che contraddistinsero quell’epoca. Eppure alcuni moti avanguardisti e qualcuna tra le interpretazioni più incisive dei movimenti già esistenti videro le fondamenta proprio nell’America Centrale e del Sud, specialmente in quel Messico che in alcuni decenni fu addirittura anticipatore di sfaccettature che si diffusero e si svilupparono successivamente. In particolar modo l’Astrattismo ebbe in David Alfaro Siqueiros il vero e proprio sperimentatore e anticipatore della Pittura Accidentale; versando infatti colori liquidi su un pannello di legno ne osservò il comportamento e la reazione sia sulla base della superficie sia sulla base della viscosità del singolo colore, rimanendo letteralmente affascinato dal risultato.

Nel 1936 Siqueiros organizzò un laboratorio di questa nuova tecnica alla quale partecipò persino il pittore americano Jackson Pollock, in quella fase ancora agli esordi della sua successiva brillante carriera; le intuizioni dell’autore messicano furono poi sviluppate e ampliate dai movimenti astrattisti successivi che a loro volta approfondirono lo studio e l’osservazione sul risultato dei colori lasciati colare sulla superficie piana. Il britannico Ian Davenport negli anni Novanta del Novecento introdusse l’innovazione di versare la vernice su un piano inclinato e lasciare che le varie tonalità, ben distinte e delimitate in sottili righe nella parte alta dell’opera, si mescolassero in maniera del tutto casuale e fluida una volta raggiunta la base, svelando il fascino dell’espansione casuale dei colori.

Nel 2013 fu ancora un messicano, Roberto Zenit, professore di fisica presso l’Università Nazionale Autonoma del Messico, che insieme alla storica dell’arte Sandra Zetina usò la fluidodinamica per studiare le moderne tecniche della Fluid Art usando vernici simili a quelle che aveva utilizzato Siqueiros e scoprendo che le forme risultanti, le reazioni e le celle che in alcuni casi si formano, sono la conseguenza delle diverse densità delle vernici versate sul supporto, che dipendono dai pigmenti che ciascun colore contiene. Ma al di là dello studio più analitico e scientifico della Fluid Art ciò che la rende affascinante e appetibile a molti autori è quella caratteristica di potersi adattare all’intento espressivo, all’emozionalità spontanea appartenente all’Espressionismo Astratto a cui, almeno dal punto di vista formale, inevitabilmente si collega. L’artista ungherese Évicu Világa approda alla pittura solo nel 2016, anno che coincide con il suo ritiro dal mondo del lavoro, e la passione verso l’arte visiva esplode in lei fino a divenire essenziale e irrinunciabile nella sua quotidianità.

Inizialmente orientata a uno stile figurativo dove la rappresentazione e il racconto erano fondamentali, l’artista scopre nel 2020 la libertà espressiva della Fluid Art che per lei corrisponde a un modo completamente libero di intendere la creatività, mescolando le sensazioni più istintive e spontanee a un approccio sperimentale che la induce ad aggiungere al colore superfici materiche, ruvide, colle, ma soprattutto lo stimolo maggiore è la scelta della tecnica applicabile che va dalla dalla diluizione di vernice speciale alla preparazione con il pennello, e poi ancora la fusione, la decisione di movimento e di rotazione dell’immagine, che le consentono di creare ogni volta un’opera in cui a essere protagoniste sono soprattutto le emozioni.

Dunque in qualche modo Évicu Világa riprende il concetto dell’Action Painting per la quale l’azione entra a far parte del dipinto perché l’opera inizia esattamente nella fase in cui l’autrice si pone davanti alla tela per cominciare a lasciare che la fluidità sia prima attrice del risultato finale. Dal punto di vista tecnico i colori si legano al concetto emozionale che di volta in volta desidera mettere in luce, mentre riguardo all’aspetto formale una sottile figurazione sembra voler emergere anche dall’indefinitezza, dalla mancanza apparente di forma, quasi come se l’apporto manuale di Évicu Világa fosse un anello di congiunzione tra l’impalpabilità e l’evocazione di una realtà di cui ha bisogno per riuscire a esprimere se stessa nella sua totalità. Ma è dal punto di vista delle sensazioni che la pittura dell’autrice si fa incisiva, si associa alle tonalità scelte come se esse fossero il mezzo attraverso cui lasciar parlare l’interiorità, l’istinto creativo ma anche l’immediatezza di una natura introspettiva che necessita di comunicare verso l’esterno.

La tela Escape from the Labirinth of Emotions mostra pertanto la sua consapevolezza di dover chiarire ciò che si trova al suo interno e che si avvilupperebbe su se stesso se non esistesse la possibilità di trovare una via d’uscita; la forma circolare della tela sottolinea il senso di costrizione in cui l’essere umano rinchiude il proprio mondo interiore, come se manifestarlo corrispondesse ad abbassare la guardia e mostrarsi vulnerabile. Eppure, sembra dire Évicu Világa, senza lasciar affiorare il mondo più profondo non è possibile prendere consapevolezza delle proprie esigenze e delle proprie necessità emotive. La bicromia enfatizza la sinuosità delle forme contenute all’interno della forma circolare che, se da un lato rappresenta la perfezione e il compimento, dall’altro può rappresentare anche un labirinto da cui risulta difficile uscire se non dopo una circostanza propulsiva.

In Breakthrough Évicu Világa svela le diverse sfaccettature del termine scelto per il titolo; utilizzando infatti il bianco e nero sviluppato sotto forma di un vortice indefinibile che può tendere verso l’osservatore o al contrario allontanarsi da esso, l’opera assume un significato variabile poiché può connettersi alla svolta, oppure allo sfondamento o ancora al passo in avanti. Perché di fatto nella vita spesso, nel momento in cui ci si trova davanti a un bivio, dipende solo dal soggetto e dal suo atteggiamento nei confronti di un evento il modo in cui cambia la percezione che di esso si riceve; l’invito dell’autrice è dunque quello di assumere una posizione di apertura, di considerare i vari aspetti di ciò che arriva o di ciò che si vive, poiché tutto è sempre funzionale all’evoluzione del singolo, alla sua capacità di analizzare gli eventi senza timori o limiti costituiti da convinzioni errate.

In Consumed by Fire invece Évicu Világa mescola la figurazione all’astrazione, devolvendo alla prima il compito di attrarre lo sguardo dell’osservatore per sensibilizzarlo verso il senso filosofico della tela, e alla seconda di permettere di spiegare il messaggio che emerge proprio grazie alla scelta di sovrapporre la fluidità del rosso alla base nera su cui si staglia. In questa tela viene stimolata la riflessione nei confronti degli accadimenti che si susseguono nel mondo contemporaneo dove il bene comune viene messo in secondo piano rispetto agli interessi di pochi, disposti anche a far bruciare tutto ciò che l’uomo ha costruito pur di perseguirli. D’altro canto tuttavia, il dipinto potrebbe anche rappresentare il rischio metaforico a cui l’umanità va incontro quando insegue solo interessi materiali che non sono affini alle vere e primordiali inclinazioni dell’uomo, rischiando così di perdere tutto ciò di fondamentale che il senso di comunità e di socialità dovrebbero mantenere.

Anche in The Guardian of the Tree of Life Évicu Világa mescola l’attitudine figurativa alla Fluid Art, che contraddistingue tutta la sua produzione artistica recente, permettendo alla figura femminile di emergere dal dualismo tra acqua e fuoco, tra cielo e terra, perché è dall’opposizione che si crea la nascita e l’esistenza stessa di cui indissolubilmente la donna è generatrice. In questa opera l’autrice sperimenta un approccio misto, utilizzando la pistola per colla a caldo con cui definisce i rami dell’albero che, a sua volta, è simbolo della vita.

Évicu Világa ha al suo attivo la partecipazione a molte mostre collettive in Ungheria e in Austria, ed è stata selezionata per partecipare all’esposizione Autumn Dream in Rome che avrà luogo presso la Galleria Internazionale Area Contesa Artedesign dal 20 novembre all’11 dicembre 2026.

ÉVICU VILÁGA-CONTATTI

Email: evicuvilaga@gmail.com

Sito web: www.theartistchamber.com/hu/galeria/evicu/

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The free flow of emotions as the expressive basis of Évicu Világa’s Fluid Art

Sometimes art needs to be the medium through which an author expresses the most spontaneous part of himself, the one that cannot be confined within a narrative or executive scheme because doing so would prevent impulsivity, and thus the deepest feelings, from emerging free of any conditioning. The technique most suited to this need is undoubtedly that in which form is abandoned in favor of the most emotional aspect of abstractionism where every reference to reality is eliminated to make way for pure color and the spontaneous voice of those subtle energies that seem to reveal precisely because of the total absence of any reference point to which rationality can cling. Évicu Világa chooses a very distinctive technique that allows her to convey her sensations directly onto the canvas, without limitations rather studying and shaping color on the basis of the concept to which that lack of form is meant to draw the viewer’s attention.

According to conventional wisdom, it was the West that brought about all the innovations that emerged throughout the 20th century, including in the arts, since the connections and opportunities for interaction among artists, as well as the presence of the greatest collectors on the European continent, made it possible to publicize and disseminate all the techniques and styles that characterized that era. Yet some avant-garde risings and some of the most incisive interpretations of existing movements took root in Central and South America, especially in that Mexico which, over the course of a few decades, actually foreshadowed facets that would subsequently spread and develop. In particular, Abstract Art found in David Alfaro Siqueiros a true pioneer and forerunner of Accidental Painting; in fact, by pouring liquid paints onto a wooden panel, he observed their behavior and reaction based both on the surface and on the viscosity of each individual color and was literally captivated by the result. In 1936, Siqueiros organized a workshop on this new technique, in which participated even the American painter Jackson Pollock, at that time still in the early stages of his subsequent brilliant career; the Mexican artist’s insights were later developed and expanded upon by subsequent abstract art movements, which in turn deepened their study and observation of the results of colors allowed to flow onto a flat surface. In the 1990s, the British artist Ian Davenport introduced the innovation of pouring paint onto an inclined plane and allowing the various shades, clearly distinct and delineated in thin lines at the top of the work, to blend in a completely random and fluid manner once they reached the base, revealing the fascination of the accidental expansion of colors. In 2013, it was once again a Mexican, Roberto Zenit, a professor of physics at the National Autonomous University of Mexico, who, together with art historian Sandra Zetina, used fluid dynamics to study modern Fluid Art techniques using paints similar to those Siqueiros had used, and discovered that the resulting shapes, the reactions, and the cells that form in some cases, are the result of the varying densities of the paints poured onto the surface, which depend on the pigments contained in each color.

But beyond the more analytical and scientific study of Fluid Art, what makes it fascinating and appealing to many artists is its ability to adapt to the expressive intent and spontaneous emotionality characteristic of Abstract Expressionism, to which at least from a formal standpoint it is inevitably linked. Hungarian artist Évicu Világa took up painting only in 2016, the year she retired from the workforce, and her passion for visual art blossomed to the point of becoming an essential and indispensable part of her daily life. Initially drawn to a figurative style where representation and narrative were fundamental, the artist discovered in 2020 the expressive freedom of Fluid Art, which for her represents a completely free way of understanding creativity, blending the most instinctive and spontaneous sensations with an experimental approach that leads her to add material surfaces, rough textures, and glues; but above all, the greatest stimulus is the choice of technique, ranging from the dilution of special paint to preparation with a brush, and then the fusion, the decision regarding the movement and rotation of the image, which allow her to create, each time, an artwork in which the primary protagonists are above all the emotions. Thus, in a way, Évicu Világa draws on the concept of Action Painting, in which the action becomes part of the painting because the work begins precisely at the moment when the artist stands before the canvas to let fluidity take center stage in shaping the final result.

From a technical point of view, the colors are linked to the emotional concept she wishes to highlight in each instance, while, regarding the formal aspect, a subtle figuration seems to emerge even from the indefiniteness, from the apparent lack of form, almost as if Évicu Világa’s manual input were a link between the intangible and the evocation of a reality she needs in order to express herself in her entirety. Yet it is in terms of sensation that the artist’s painting becomes truly evocative, aligning with the chosen hues as if they were the medium through which to give voice to her inner self and creative instinct as well as to the immediacy of an introspective nature driven by a need to communicate outwardly. The painting Escape from the Labyrinth of Emotions thus reveals an awareness of the need to clarify what lies within it, a world that would become entangled within itself if there were no possibility of finding a way out; the circular shape of the canvas underscores the sense of confinement in which human beings lock away their inner world, as if revealing it were tantamount to letting their guard down and showing vulnerability. Yet, Évicu Világa seems to say, without allowing the deeper world to surface, it is impossible to become aware of one’s own emotional needs and requirements. The two-tone color scheme emphasizes the sinuousness of the forms contained within the circular shape, which, while on the one hand represents perfection and fulfillment, on the other can also represent a labyrinth from which it is difficult to escape unless prompted by a driving force.

In Breakthrough, Évicu Világa reveals the various facets of the term chosen for the title; by using black and white arranged in the form of an indefinable vortex that may either draw toward the viewer or, conversely, move away from them, the work takes on a variable meaning, as it can be connected to a turning point, a breakthrough, or even a step forward. Because in life often when we find ourselves at a crossroads, the way our perception of an event changes depends solely on the individual and the attitude toward it; the artist’s invitation is therefore to adopt an open-minded stance, to consider the various aspects of what comes our way or what we experience, since everything always serves the individual’s evolution and his ability to analyze events without fear or limitations imposed by mistaken beliefs. In Consumed by Fire, on the other hand, Évicu Világa blends figuration with abstraction, assigning to the former the task of drawing the viewer’s gaze to sensitize them to the philosophical meaning of the canvas, and to the latter the task of explaining the message that emerges precisely through the choice to superimpose the fluidity of red onto the black background against which it stands out.

This painting prompts reflection on the events unfolding in the contemporary world, where the common good is sidelined in favor of the interests of a few, who are even willing to let everything humanity has built burn to the ground in order to pursue those interests. On the other hand, however, the painting could also represent the metaphorical risk humanity faces when it pursues only material interests that are not in line with man’s true and primordial inclinations, thus risking the loss of everything fundamental that a sense of community and sociality should preserve. In The Guardian of the Tree of Life as well, Évicu Világa blends figurative elements with Fluid Art, a style that characterizes her entire recent body of work, allowing the female figure to emerge from the dualism between water and fire, between sky and earth, for it is from this opposition that arise birth and existence itself of which women are inextricably the generators. In this artwork, the artist experiments with a mixed-media approach, using a hot-glue gun to define the branches of the tree, which, in turn, symbolizes life. Évicu Világa has participated in numerous group exhibitions in Hungary and Austria, and has been selected to participate in the Autumn Dream in Rome exhibition which will take place at the Galleria Internazionale Area Contesa Artedesign from November 20 to December 11, 2026.