L’osservazione delle varie sfaccettature dell’essere umano nei ritratti espressionisti di Chantal Joffe

Scrutare e analizzare le molteplici caratteristiche che vanno a comporre non solo il delicato puzzle di una persona, ma in maniera più ampia anche quelle dell’umanità inteso come gruppo poliedrico di individualità che quotidianamente si incontrano senza essere capaci di guardarsi davvero, diviene in alcuni artisti il punto focale della loro ricerca, quasi ossessivamente incentrata proprio su quelle espressioni, su quelle piccole abitudini nelle reazioni del viso e del corpo che inevitabilmente contraddistinguono e identificano un solo essere umano. In questi autori l’empatia è la base di una pittura che non riesce a soffermarsi sulla superficie bensì necessita spingersi più a fondo, comprendere tutto ciò che appartiene alla sfera intima e sussurrata attraverso una segreta spontaneità che non riesce a essere arginata dalla razionalità. Chantal Joffe sviluppa il suo approccio artistico su una poetica molto introspettiva ma anche fortemente narrativa degli stati d’animo e delle sensazioni provate dai soggetti, prevalentemente donne, di cui l’autrice svela tutta la spontaneità espressiva sapendone cogliere l’atteggiamento più autentico.

L’Espressionismo, in particolar modo nella sua nascita risalente alla fine dell’Ottocento, riuscì a sanare il distacco tra pittura ed emozione che si era creata nell’arte precedente che era stata orientata a riprodurre in maniera puramente estetica la realtà circostante, a volte concentrandosi sull’essere umano come nel Realismo, altre dando la priorità alle occasioni di svago e di immersione nella natura come nell’Impressionismo. Il bisogno di alcuni artisti di rompere quello schema si concretizzò in Francia con l’elaborazione di innovative teorie sulla figurazione e sul colore di quel gruppo di pittori chiamati Fauves, che tradotto dal francese significa belve per l’aggressività della loro gamma cromatica, i quali vollero affermare con forza la priorità che le sensazioni dovevano avere sulla pura riproduzione poiché l’arte doveva cominciare a occuparsi anche dell’interiorità. Henri Matisse, André Derain e Maurice de Vlaminck vollero rinunciare a qualsiasi principio estetico, a qualunque ricerca di un equilibrio espressivo prediligendo invece l’essenza messa in risalto dalla mancanza di perfezione, di prospettiva e di chiaroscuro, utilizzando il colore a tinte piene e forti per assecondarsi al puro sentire.

L’evoluzione di quelle teorie andò a generare l’Espressionismo, un movimento che si diffuse in tutta Europa agli inizi del Novecento e che assunse differenti sfaccettature sulla base del paese di origine ma anche dell’inclinazione caratteriale di ciascun interprete perché fondamentale era proprio la capacità di lasciar fuoriuscire tutto ciò che si trovava all’interno del sé. Dunque laddove le atmosfere dei pittori del Nord Europa erano più cupe e volte a raccontare i disagi interiori e le paure del vivere, come fortemente evidente dalle opere di Edvard Munch e di Emil Nolde, nel centro del Vecchio Continente si alternarono interpretazioni più esistenzialiste come nel caso dell’austriaco Egon Schiele, oppure ferocemente critiche verso la società dell’epoca come chiaramente evidente dalle tele di Oskar Kokoschka, anche lui austriaco, del tedesco Ernst Ludwig Kirchner e del gruppo Die Brücke, o ancora più sognante e idilliaco come negli autori dell’altro grande collettivo artistico tedesco, Der Blaue Reiter di cui Franz Marc fu forse il simbolo della decontestualizzazione cromatica volta a tendere verso un mondo idilliaco, e di alcuni autori francesi come Marc Chagall. L’emozione era dunque stata sdoganata e da quel movimento non era più possibile tornare indietro perché la libertà di poter raccontare visivamente le sfumature interiori indusse molte successive a mantenere, pur adeguandole al periodo storico e anche all’anima espressiva del singolo autore, l’attaccamento alle emozioni come visibile negli artisti della Scuola di Londra tra cui spiccarono Lucian Freud, Francis Bacon e Paula Rego. L’autrice inglese Chantal Joffe sceglie a sua volta l’Espressionismo per una ricerca pittorica che da un lato mantiene l’intensità tonale del movimento, ma dall’altro evidenzia un’attenzione per la figura umana nella sua individualità che appartiene a un approccio contemporaneo ed esistenzialista secondo il quale il concetto di gruppo, di società e di regole comunitarie è superato proprio per mantenere viva quella scintilla di unicità che contraddistingue ogni individuo e che era stata il fulcro narrativo dei post-impressionisti come Paul Gauguin e Paul Cézanne.

La caratteristica più evidente è infatti quella di concentrare la sua produzione pittorica sui ritratti per esplorare gli sguardi, le esternazioni inconsce, i gesti che rivelano un pensiero, un’idea, una reazione o semplicemente un istante rubato dall’autrice perché talmente affascinante da non poter non essere interpretato attraverso l’arte.

Chantal Joffe ama riprodurre il suo vissuto, le persone che ruotano nella sua vita, osservandone le trasformazioni e le evoluzioni legate al passare del tempo, altro concetto identificativo e fortemente presente nelle sue tele e che diviene persino più evidente nella serie di autoritratti che evidenziano i cambiamenti a cui la vita inevitabilmente sottopone ciascun individuo. Dal punto di vista puramente visivo, le sue opere sono pervase di luce, non vi è la cupezza cromatica dell’Espressionismo nordeuropeo di inizio Novecento, mentre le tonalità sono vivaci e intense, quasi a voler mettere in evidenza i veri colori di ciascuno dei suoi protagonisti, quasi questi ultimi fossero fondamentali a tratteggiare e ad accompagnare le loro espressioni più autentiche perché affini alla loro personalità.

Moll in a mustard jacket racconta infatti una donna il cui sguardo esprime curiosità e sorpresa nell’aver realizzato di essere in procinto di diventare prima attrice di un dipinto che la renderà immortale, ma anche un carattere timido e riservato che Chantal Joffe evidenzia nelle spalle strette, nelle mani poggiate sul grembo, quasi si sentisse imbarazzata da tanto interesse. Lo sfondo neutro e molto chiaro sottolinea la calma che viene emanata dalla donna, come se costituisse un’aura che la contraddistingue permettendo alle sue caratteristiche peculiari di fuoriuscire e di raccontarsi in maniera intuitiva.

Self portrait in a straw hat appartiene alla serie di autoritratti, quelli in cui Chantal Joffe affronta il tema del passare del tempo osservando le modificazioni del proprio aspetto e del proprio corpo sulla base delle esperienze vissute, delle circostanze che si sono susseguite e dei segni che esse hanno lasciato passando; qui l’occasione è di un momento di rilassamento all’ombra di una radura, seduta approfittando della pace e della tranquillità che ella stessa ha provato in quel frangente. La raffigurazione imprecisa sottolinea quanto nella vita sia poco importante soffermarsi sulla forma esteriore, quanto sia trascurabile quella patina superficiale che nella contemporaneità sembra invece essere prioritaria, perché ciò che conta davvero è la sensazione generale, quell’atmosfera che induce l’individuo a concentrarsi sui propri desideri e sulla piacevolezza di una semplicità che appartiene all’anima.

Charlie 2 è una delle poche opere in cui a essere protagonista è un uomo, un ragazzo probabilmente appartenente alla stretta cerchia di Chantal Joffe, uno di quelli che ama osservare nei loro cambiamenti generati dalla crescita, dal sopraggiungere dell’età adulta dopo aver oltrepassato la soglia della fanciullezza; l’espressione del giovane sembra essere distratta da qualcosa che è accaduto nel momento in cui stava posando davanti all’autrice, la quale ha scelto di immortalare proprio quell’istante autentico perché legato a un frangente assolutamente spontaneo. Anche in questo caso a emergere è la sensazione di imbarazzo, quasi fosse recalcitrante a essere ritratto perché in qualche modo sente che la sua figura è troppo ordinaria per poter essere oggetto di attenzione; eppure, al contrario, per Chantal Joffe la straordinarietà risiede esattamente nell’ordinario, in quegli innumerevoli puzzle di esistenza che entrano in contatto con lei e che la affascinano al punto di muovere le sue corde interiori.

In Esme on the blue sofa invece la donna al centro della scena si mostra senza alcuna timidezza anzi, nel suo volto e nei suoi occhi si legge la sicurezza in se stessa, la sfrontatezza di una gioventù che la induce a credere che tutto sia possibile perché la vita davanti a sé è tutta da scoprire; eppure il suo sguardo la tradisce perché sembra correre verso un luogo lontano, pensando o desiderando qualcuno che non è ancora riuscita a trasformare in parte del suo presente. L’abito molto corto rappresenta quasi un suggerimento di attesa, come se volesse tenersi pronta qualora l’oggetto della sua nostaglia o delle sue attenzioni possa suonare alla porta invitandola ad andare con lui.

Chantal Joffe, che vive e lavora a Londra, ha al suo attivo mostre nel Inghilterra, Scozia, Corea, Irlanda, Stati Uniti, Italia, Ungheria, Islanda e Norvegia e le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche e private nel Regno Unito e negli Stati Uniti.

CHANTAL JOFFE-CONTATTI

Email: info@victoria-miro.com

Sito web: www.victoria-miro.com/artists/19-chantal-joffe/

The observation of human being’s various facets in the Expressionist portraits by Chantal Joffe

Scrutinizing and analyzing the multiple characteristics that compose not only the delicate puzzle of a person, but more broadly, humanity as a multifaceted group of individuals who encounter daily without being able to truly look at each other, becomes the focal point of some artists’ research, almost obsessively focused precisely on those expressions, those subtle habits of facial and bodily reactions that inevitably distinguish and identify a single human being. In these artists, empathy is the foundation of a painting style that fails to linger on the surface but rather needs to delve deeper, understanding all that belongs to the intimate and whispered sphere through a secret spontaneity that cannot be contained by rationality. Chantal Joffe develops her artistic approach on a highly introspective yet strongly narrative poetics of the moods and sensations experienced by her subjects, predominantly women, whose expressive spontaneity the artist reveals, capturing their most authentic attitude.

Expressionism, particularly in its birth in the late 19th century, succeeded in bridging the gap between painting and emotion that had developed in previous art forms which had been oriented toward reproducing the surrounding reality in a purely aesthetic manner, sometimes focusing on the human being, as in Realism, and at other times prioritizing leisure and immersion in nature, as in Impressionism. The need of some artists to break away from that pattern took shape in France with the development of innovative theories on figuration and color by a group of painters known as the Fauves, a term derived from the French word for beasts reflecting the aggressiveness of their color palette, who sought to forcefully assert the priority that sensations should have over mere reproduction, as art needed to begin addressing inner life as well. Henri Matisse, André Derain, and Maurice de Vlaminck sought to abandon all aesthetic principles and any pursuit of expressive balance preferring instead the essence revealed by the absence of perfection, perspective, and chiaroscuro, and using bold, solid colors to give free rein to pure feeling.

The evolution of those theories gave rise to Expressionism, a movement that spread throughout Europe at the beginning of the Twentieth century and which took on different facets based on the country of origin but also on the character inclination of each interpreter because fundamental was the ability to let go out everything that was inside the self. Thus, where the atmospheres of Northern European painters were darker and aimed at recounting the inner turmoil and fears of life, as strongly evident in the artworks of Edvard Munch and Emil Nolde, in the center of the Old Continent there were alternating interpretations of a more existentialist nature, as in the case of the Austrian Egon Schiele, or fiercely critical of the society of the time, as clearly evident in the canvases of Oskar Kokoschka, also Austrian, the German Ernst Ludwig Kirchner and the Die Brücke group, or even more dreamy and idyllic, as in the artists of the other great German artistic collective, Der Blaue Reiter, of which Franz Marc was perhaps the symbol of the chromatic decontextualization aimed at tending towards an idyllic world, and of some French artists such as Marc Chagall. Emotion had thus been legitimized and there was no turning back from that movement because the freedom to visually express inner nuances induced many subsequent artists to maintain, while adapting them to the historical period and also to the expressive soul of the individual author, the attachment to emotions as visible in the artists of the London School, among whom stood out Lucian Freud, Francis Bacon and Paula Rego.

English artist Chantal Joffe, in turn, chooses Expressionism for a pictorial research that on the one hand maintains the tonal intensity of movement, but on the other highlights a focus on the human figure in its individuality that belongs to a contemporary and existentialist approach according to which the concept of group, society and community rules is surpassed precisely to keep alive that spark of uniqueness that distinguishes each individual and which had been the narrative core of post-Impressionists such as Paul Gauguin and Paul Cézanne. The most evident characteristic is in fact that of concentrating her pictorial production on portraits to explore the gazes, the unconscious expressions, the gestures that reveal a thought, an idea, a reaction or simply a fleeting moment captured by the artist because it was so fashinating that it could not help but be interpreted through art. Chantal Joffe loves to reproduce her experiences, the people who revolve around her, observing their transformations and evolutions linked to the passage of time, another identifying concept strongly present in her paintings and which becomes even more evident in the series of self-portraits that highlight the changes that life inevitably subjects each individual to.

From a purely visual point of view, her works are pervaded by light, lacking the chromatic gloom of early twentieth-century Northern European Expressionism, while the tones are lively and intense, almost as if to highlight the true colors of each of her protagonists, almost as if the latter were essential in outlining and accompanying their most authentic expressions because they were similar to their personalities. Moll in a Mustard Jacket tells the story of a woman whose gaze expresses curiosity and surprise at realizing she is about to become the leading actress in a painting that will make her immortal, but also a shy and reserved character that Chantal Joffe highlights in her narrow shoulders, her hands resting on her lap, almost as if she felt embarrassed by so much interest. The neutral and very light background emphasizes the calm that emanates from the woman, as if it constituted an aura that distinguishes her, allowing her unique characteristics to emerge and to tell themselves intuitively. Self Portrait in a Straw Hat belongs to a series of self-portraits in which Chantal Joffe explores the passage of time by observing the changes in her appearance and body based on her experiences, the circumstances that have followed, and the marks they have left behind. Here, the occasion is a moment of relaxation in the shade of a clearing, sitting and enjoying the peace and tranquility she herself felt at that moment.

The imprecise depiction underscores how unimportant it is in life to dwell on outward appearance, how negligible that superficial veneer is which, in contemporary society, seems instead to take priority, because what truly matters is the overall feeling, that atmosphere that leads the individual to focus on his own desires and on the pleasure of a simplicity that belongs to the soul. Charlie 2 is one of the few artworks in which the protagonist is a man, a boy likely belonging to Chantal Joffe‘s close circle, one of those she loves to observe in the changes brought on by growth, by the arrival of adulthood after having crossed the threshold of childhood; the young man’s expression seems distracted by something that happened at the moment he was posing for the artist, who chose to immortalize that very authentic moment because it linked to an absolutely spontaneous moment. Here too emerges a sense of embarrassment almost as if he were reluctant to be portrayed because he somehow feels his figure is too ordinary to be worthy of attention; yet, on the contrary, for Chantal Joffe, the extraordinary lies precisely in the ordinary, in those countless puzzles of existence that come into contact with her and that fascinate her to the point of tugging at her innermost chords.

In Esme on the Blue Sofa, however, the woman at the center of the scene appears without any shyness, on the contrary, her face and eyes radiate self-confidence, the boldness of youth that leads her to believe that anything is possible, because life lies ahead; yet her gaze betrays her, as it seems to be running toward a distant place, thinking about or longing for someone she hasn’t yet managed to transform into a part of her present. The very short dress almost suggests waiting, as if she were ready in case the object of her longing or affections knocks at the door, inviting her to join him. Chantal Joffe, who lives and works in London, has had exhibitions in England, Scotland, Korea, Ireland, the United States, Italy, Hungary, Iceland, and Norway, and her works are part of public and private collections in the United Kingdom and the United States.