Mondi sospesi e narrazioni fiabesche nelle poetiche miniature di Asako Mizukoshi

Esiste un modo di osservare la realtà che resta in bilico tra il desiderio di elevarsi dalla concretezza quotidiana e quello di prenderne spunto per immaginare atmosfere quasi magiche, sognare che dietro il tangibile possa nascondersi una porta segreta in grado di aprirsi su un mondo ideale in cui tutto sembra essere più leggero, evanescente ma al contempo accogliente. Questo tipo di narrazione ha sempre affascinato per la sua spontaneità, per l’immediatezza espressiva che conquista il fanciullo all’interno di ogni adulto, inducendolo a ripercorrere il periodo idilliaco dell’infanzia in cui tutto era semplice e privo delle complessità appartenenti alla fase successiva, quella della maturità. Asako Mizukoshi attinge all’iconografia giapponese, suo paese di origine, per dare vita a vere e proprie opere in miniatura in cui le atmosfere sono rarefatte, in cui le ambientazioni sono sospese tra sogno e realtà e dove l’osservatore non può fare a meno di desiderare di entrare.

La tradizione artistica del Giappone affonda le sue radici in un passato molto lontano in cui è sempre emersa la profonda armonia tra natura e figura umana, tra la delicatezza narrativa e la finezza di un tratto che poteva realizzare piccole opere così come grandi pannelli o decorare le stoffe dei kimono, da sempre appartenenti alla cultura millenaria del suo popolo. Essendo la pittura fortemente legata alla religione buddista, nei periodi più remoti, le superfici su cui operare spaziavano dalle pergamene alle pareti dei templi svelando il talento espressivo degli autori; durante il periodo medio, denominato Heian, si sono sviluppati e diffusi gli Yamato-e, che inizialmente erano usati principalmente come porte scorrevoli e come paraventi all’interno delle abitazioni. Poco più tardi emersero anche nuovi formati di pittura, soprattutto verso la fine del periodo Heian, tra cui gli emakimono, lunghi rotoli in cui venivano pubblicati romanzi illustrati.

Fu tuttavia nel periodo Edo che la pittura giapponese conobbe il suo massimo splendore poiché si diffuse tra le persone comuni attraverso le stampe Ukiyo-e, accessibili al grande pubblico e apprezzate perché raccontavano di paesaggi e di scene di vita quotidiana; tra gli interpreti più noti anche in Occidente degli ukiyo-e vi fu il celeberrimo Katsushika Hokusai che ha incantato il mondo con la sua Grande onda di Kanagawa. Ma le immagini del mondo fluttuante, significato letterale della parola Ukiyo-e non sono legate unicamente all’acqua bensì ai piaceri effimeri, ai paesaggi e agli attori del tempo, alle geishe, alle cortigiane, ai lottatori di sumo, tutti soggetti che potessero essere apprezzati dal grande pubblico verso cui erano destinati. Poi, tra fine Ottocento e inizio Novecento, quando molti artisti giapponesi cominciarono a subire le contaminazioni dei grandi movimenti avanguardisti che si sviluppavano in Europa, nacque uno stile in cui a dover essere predominante era la tradizione culturale di un paese che non voleva perdere la propria identità; quello stile prese il nome di Nihonga e non solo recuperò la purezza dei temi classici, come paesaggi, fiori, uccelli e scene storiche o mitologiche, riprodotti in modo essenziale e armonico, ma tornò all’utilizzo di pigmenti minerali macinati come malachite, azzurrite, oro e argento, conchiglie polverizzate e inchiostro di china sumi, per prendere le distanze dal colore a olio che invece era ampiamente utilizzato dai maestri europei.

Questi dipinti erano realizzati su carta giapponese washi, seta, legno o gesso, spesso montati su rotoli kakemono o paraventi; Kanzan Shimomura, uno dei maggiori esponenti dello stile, produsse opere affascinanti per il dettaglio preciso del suo tratto pittorico e per l’ampio utilizzo della foglia oro attraverso la quale riusciva ad avvolgere le sue atmosfere di quella magia delicata perfettamente in armonia con le scene naturali raccontate. L’artista Asako Mizukoshi, giapponese da anni residente a Firenze, attinge pittoricamente alla tradizione del suo paese, in particolar modo alla decorazione dei kimono posseduti e indossati dalla madre, ma anche alla capacità di rappresentare atmosfere fluttuanti sebbene la parola sia intesa in senso diverso rispetto a quello degli Ukiyo-e, perché nel suo caso il fluttuare non è riferito all’effimero, alla leggerezza che contraddistinse lo stile originario, bensì le sue ambientazioni appaiono letteralmente sospese, galleggianti, come se appartenessero a un universo parallelo, tranquillo, pacato e per questo estremamente affascinante.

Il tratto pittorico è fine, preciso e minuzioso esattamente come richiede la pittura classica giapponese, perché a dover emergere è la raffinatezza sensibile attraverso cui l’autrice racconta quei paesaggi sognanti avvolti dallo stesso incanto che si riceve guardando le opere giapponesi, sebbene qui a essere descritti sono gli scorci di paesi e di paesaggi italiani, i luoghi da lei visitati e da cui è rimasta incantata quando li ha visitati per la prima volta. L’iconografia e la finezza pittorica si associano a un originale interpretazione Naïf in cui Asako Mizukoshi evoca la presenza dell’essere umano solo e unicamente in virtù del segno del suo passaggio, descrivendo minuziosamente le piccole case, le chiese, le guglie, le scale, tutte rigorosamente svuotate dalla presenza umana e tuttavia dense di essa, come se da un momento all’altro gli abitanti di quei luoghi potessero riversarsi in strada per vivere il momento di comunità.

L’appartenere delle sue ambientazioni all’istante precedente è il motivo per il quale le atmosfere appaiono sospese nel senso più idilliaco del termine, quasi come se quell’attesa fosse il pretesto ideale per immaginare, sognare e perdersi nel mondo fantasioso dell’autrice. In alcune opere agli edifici si aggiunge la presenza di piccoli cavalli stilizzati, quasi fossero cavallini a dondolo tanto amati dai bambini, contribuendo a indurre l’osservatore a riconnettersi con quell’istinto fanciullesco in cui tutto poteva essere possibile, persino trovarsi di fronte a un piccolo borgo che sembra uno scenario teatrale o a un altro che sembra poggiarsi sulla base di una golosa torta.

A emergere in maniera altrettanto chiara è anche un’altra caratteristica riconducibile alle origini giapponesi di Asako Mizukoshi, quella cioè di inserire simboli e segni completamente inventati nel suo caso, ma che non possono fare a meno di ricordare quegli ideogrammi costantemente presenti in tutte le opere dei maestri yukio-e ma anche alla pittura tradizionale dei periodi precedenti. Altra peculiarità che colpisce è la miniaturizzazione delle opere, le piccole dimensioni che contribuiscono a rendere persino più preziosi e delicati i suoi lavori che stimolano pertanto un sguardo attento, desideroso di entrare in dialogo diretto con le sue ambientazioni magiche, cogliendo i piccoli dettagli fino a perdersi nelle minuscole vie degli scorci raccontati.

Borgo con le stelle mostra un paese fluttuante, come se fosse sollevato dalla polvere di stelle, avvolto dall’incanto della notte che non mette in ombra la serenità luminosa emanata dalla piazza e dalle casette, come se esso vivesse di una vita propria che riesce a prescindere dall’alternarsi della luce e del buio o dall’altrernarsi delle stagioni. I simboli gialli nel cielo sono funzionali a raccontare di tutto ciò che a un primo sguardo non si vede, i gridolini dei bambini, il sorridersi degli adulti, le campane della domenica, i gatti che sonnecchiano nelle strette vie, tutto accompagnato dalla musica dolce e soave delle cose dal sapore buono, quelle che contribuiscono a rendere piacevole il corso della vita.

Nel lavoro Castello, Asako Mizukoshi mette in evidenza la solennità antica di un luogo dove tanti secoli prima hanno camminato principesse e cavalieri, servitori fedeli e signori pronti a combattersi per difendere il proprio onore, dove si sono nascosti i segreti di corridoi e di cunicoli in cui si svolgeva la vita di palazzo, in cui si sviluppavano vicende e decisioni che coinvolgevano tutti i castellani. L’autrice sottolinea dunque l’aspetto antico quanto misterioso della struttura, proprio perché spesso era in questi edifici che si decidevano le battaglie da intraprendere, il modo in cui gestire il popolo e l’attitudine dei regnanti a farlo stare bene oppure a sopraffarlo; il cielo rosso sottolinea quell’ambiguità appartenente a un mondo lontano ma al contempo ne mette in risalto il fascino regale, l’aspetto suggestivo in virtù del quale veniva stabilita l’importanza e il prestigio del casato.

Nell’opera Inverno, ancora una volta raccontata in un notturno, Asako Mizukoshi suggerisce la presenza della neve che tuttavia non riesce a fermare la vita brulicante di quel piccolo borgo dove le case e le vie vengono tenute pulite dal gelo e dove i giardini riescono a rimanere verdi, quasi come se l’incanto idilliaco in cui vive il paese non fosse toccato dal sopraggiungere della stagione fredda. È esattamente questo a rendere magiche le opere dell’autrice, quel suo sospendere le atmosfere in quella terra di mezzo tra realtà e fantasia che induce il fruitore a sentirsi parte di un universo possibile, se solo l’uomo fosse capace di credere che la bellezza e la semplicità possano dissolvere le complicazioni di un mondo contemporaneo alla deriva proprio per aver perduto il contatto con la capacità di credere alla bellezza dell’essenzialità.

Asako Mizukoshi, diplomata alla Tokyo Metropolitan High School of Arts e laureata presso l’Università d’Arte Musashino di Tokyo, ha al suo attivo mostre personali a Tokyo, Iwate, Firenze, Parigi e ha partecipato a numerose esposizioni collettive a Firenze, Siena, Tokyo, Kyoto, Osaka, Yokohama.

ASAKO MIZUKOSHI-CONTATTI

Email: kabanino2006@yahoo.co.jp

Facebook: www.facebook.com/mizukoshi.asako/

Instagram: www.instagram.com/rossobianco1217/

Suspended worlds and fairy-tale narratives in Asako Mizukoshi’s poetic miniatures

There is a way of observing reality that hovers between the desire to rise above the concrete realities of daily life and the desire to draw inspiration from them to imagine almost magical atmospheres, to dream that behind the tangible might lie a secret door capable of opening onto an ideal world where everything seems lighter, more evanescent, yet at the same time cozy. This type of storytelling has always captivated with its spontaneity and expressive immediacy, which wins over the child within every adult, prompting him to revisit the idyllic period of childhood when everything was simple and free from the complexities of the subsequent phase, that of adulthood. Asako Mizukoshi draws on the iconography of Japan, her country of origin, to bring to life true miniature artworks in which the atmospheres are ethereal, the settings are suspended between dream and reality and the viewer cannot help but long to step inside.

Japan’s artistic tradition has its roots in a very distant past in which has always been evident a profound harmony between nature and the human form, between narrative delicacy and the finesse of a brushstroke capable of creating small works as well as large panels or decorating the fabrics of kimonos, which have always been part of the millennia-old culture of its people. Since painting was strongly linked to Buddhism in ancient times, the surfaces on which artists worked ranged from scrolls to temple walls, revealing the artists’ expressive talent; during the Heian period developed and became widespread Yamato-e, initially used primarily as sliding doors and screens within homes.

Shortly thereafter emerged new formats of painting, especially toward the end of the Heian period, including emakimono, long scrolls on which illustrated novels were published. It was, however, during the Edo period that Japanese painting reached its zenith, as it spread among the common people through Ukiyo-e prints which were accessible to the general public and appreciated for depicting landscapes and scenes of daily life; among the most famous Ukiyo-e artists, even in the West, was the renowned Katsushika Hokusai, who enchanted the world with his The Great Wave off Kanagawa. But the images of the floating world, the literal meaning of the word ukiyo-e, are not solely associated with water but rather with fleeting pleasures, landscapes, and the figures of the time: geishas, courtesans, and sumo wrestlers, all subjects that could be appreciated by the general public for whom they were intended.

Then, between the late nineteenth and early twentieth centuries, as many Japanese artists began to be influenced by the major avant-garde movements developing in Europe, emerged a style in which the cultural tradition of a country that did not want to lose its identity was to be predominant; that style took the name Nihonga and not only revived the purity of classical themes such as landscapes, flowers, birds, and historical or mythological scenes rendered in a simple and harmonious manner, but also returned to the use of ground mineral pigments such as malachite, azurite, gold, and silver, powdered shells, and sumi ink, to distance itself from oil paint, which was widely used by European masters. These paintings were created on Japanese washi paper, silk, wood, or plaster, often mounted on kakemono scrolls or folding screens;

Kanzan Shimomura, one of the leading exponents of the style, produced works that captivated viewers with the precise detail of his brushwork and his extensive use of gold leaf, through which he managed to imbue his atmospheres with a delicate magic that was in perfect harmony with the natural scenes he depicted. The artist Asako Mizukoshi, a Japanese who has lived in Florence for years, draws pictorially on the traditions of her homeland, particularly the patterns on the kimonos owned and worn by her mother, but also on the ability to depict floating atmospheres, although the term is understood in a different sense than in Ukiyo-e, because in her case, this buoying does not refer to the ephemeral or the lightness that characterized the original style; rather, her settings appear literally suspended, floating, as if they belonged to a parallel universe, quiet, serene, and for this reason, extremely fascinating.

The brushwork is delicate, precise, and meticulous, exactly as required by classical Japanese painting, because what must emerge is the sensitive refinement through which the artist depicts those dreamlike landscapes enveloped by the same enchantment one experiences when viewing Japanese works, even though here she depicts glimpses of Italian towns and landscapes, places she has visited and by which she was enchanted when she first saw them. Iconography and painterly finesse come together in an original Naïf interpretation in which Asako Mizukoshi evokes the presence of human beings solely through the traces of their passage, meticulously depicting the small houses, churches, spires, and staircases, all rigorously devoid of human presence and yet imbued with it, as if at any moment the inhabitants of those places might pour into the streets to experience a moment of community.

The fact that her settings belong to the moment just before is why the atmospheres appear suspended in the most idyllic sense of the term, almost as if that anticipation were the ideal pretext for imagining, dreaming, and losing in the artist’s imaginative world. In some artworks the buildings are joined by small, stylized horses, almost like the rocking horses so beloved by children, helping to prompt the viewer to reconnect with that childlike instinct where anything was possible, even finding oneself facing a small village that looks like a theatrical set or another that seems to rest on the base of a delicious cake. Another characteristic that emerges just as clearly can be traced to Asako Mizukoshi’s Japanese origins, the inclusion of symbols and signs that, while entirely invented in her case, cannot help but evoke the ideograms constantly present in all the works of the Yukio-e masters as well as in the traditional painting of earlier periods. Another striking feature is the miniaturization of her works, their small scale helps make them seem even more precious and delicate, thereby inviting a careful gaze eager to enter into direct dialogue with her magical settings, capturing the small details until one loses oneself in the tiny streets of the scenes depicted.

Borgo con le stelle depicts a floating village, as if lifted by stardust, enveloped by the enchantment of the night, which does not overshadow the luminous serenity emanating from the square and the little houses, as if it were living a life of its own, independent of the alternation of light and darkness or the changing of the seasons. The yellow symbols in the sky serve to convey everything that isn’t visible at first glance, the children’s shouts, the adults’ smiles, the Sunday church bells, the cats dozing in the narrow streets, all accompanied by the sweet and gentle music of the things that taste good, the ones that help make life’s journey a pleasant one. In her work Castello, Asako Mizukoshi highlights the ancient solemnity of a place where, many centuries ago, walked princesses and knights, faithful servants and lords ready to fight one another to defend their honor, where secrets were hidden in the corridors and passageways through which palace life unfolded, and where took shape events and decisions involving all the castle’s inhabitants.

The author thus emphasizes the structure’s ancient and mysterious nature, precisely because it was often within these buildings that were chosed the battles to wage, how to govern the people, and whether rulers would ensure their well-being or oppress them; the red sky underscores that ambiguity belonging to a distant world, yet at the same time highlights its regal charm, the evocative quality by virtue of which the importance and prestige of the house were established. In the work Winter, once again set at night, Asako Mizukoshi suggests the presence of snow which nevertheless fails to halt the teeming life of that small village where the houses and streets are kept clean by the frost and where the gardens manage to stay green, almost as if the idyllic enchantment in which the village lives were untouched by the onset of the cold season.

This is precisely what makes the artist’s works magical, her ability to suspend atmospheres in that liminal space between reality and fantasy that leads the viewer to feel part of a possible universe, if only humanity were capable of believing that beauty and simplicity could dissolve the complications of a contemporary world adrift precisely because it has lost touch with the ability to believe in the beauty of simplicity. Asako Mizukoshi, a graduate of the Tokyo Metropolitan High School of Arts and Musashino Art University in Tokyo, has held solo exhibitions in Tokyo, Iwate, Florence, and Paris, and has participated in numerous group exhibitions in Florence, Siena, Tokyo, Kyoto, Osaka, and Yokohama.