Le performance e la body art di Silvia Mattioli, quando la fotografia diventa teatro sperimentale

I nuovi mezzi espressivi appartengono all’arte contemporanea tanto quanto la possibilità di fondere tecniche diverse e analizzare tutto da prospettive inedite era stato il fulcro dei movimenti avanguardisti del secolo scorso; gli insegnamenti del passato possono dunque essere base intuitiva, concettuale e attuativa di tutti quegli autori che sconfinano dai canoni più tradizionali e dalla bidimensionalità della tela o delle superfici normalmente legate all’arte visiva, introducendo così anche l’azione, supplemento essenziale per rendere più viva un’opera, per mostrarne la possibilità di movimento, di illusione visiva o di massima resa di un tema che deve essere sviscerato. L’artista di cui vi racconterò oggi appartiene alla nuova generazione di interpreti espressivi, e crea una magica commistione tra varie discipline culturali che partono dalla tridimensionalità, dalla narrazione teatrale, dall’esigenza di analizzare risvolti e sfaccettature per esplorare argomenti che successivamente terminano con la bidimensionalità della fotografia, come se questa fosse l’atto finale della messa in scena.

A partire dalla seconda metà del Novecento l’arte mondiale ha cominciato a tendere verso nuovi approcci, innovativi linguaggi che mostravano al pubblico un distacco dalla tradizione spostandosi in una mescolanza di tutto ciò che poteva entrare all’interno di un concetto nuovo del produrre un’opera d’arte fin quasi ad arrivare a far perdere al termine il suo senso originario. Eppure quei pionieri della nuova epoca sono stati preceduti dai geni avanguardisti che resero gli inizi del Ventesimo secolo il periodo in assoluto più sovversivo, irriverente e sperimentale di tutto il corso della storia dell’arte. Già gli esponenti del Dadaismo, dunque agli albori del nuovo secolo, introdussero nel loro movimento artistico, ma forse sarebbe meglio dire culturale, non solo la rappresentazione personalizzata e dissacrante del concetto di arte, bensì anche la poesia, la grafica e il teatro, ampliando così le possibilità narrative necessarie a diffondere e sottolineare il desiderio di mettere in luce le carenze e irridendo la commerciabilità di un’opera; il Dadaismo era l’anti-arte e l’Orinatoio di Marcel Duchamp ne fu emblema. Qualche anno dopo questo movimento venne oltrepassato dal Surrealismo, che ne fu la naturale evoluzione, il quale da un lato reintrodusse la tela come superficie su cui raccontare i turbamenti, le angosce e i traumi della mente, dall’altro ampliò il concetto di coralità artistica anche alle nuove discipline come la fotografia e il cinematografo, producendo documenti, come le pellicole di Buñuel, che divennero manifesti della modernità e della poetica concettuale degli interpreti del movimento. Ma anche la scuola della Bauhaus della repubblica di Weimar mostrò tutta la sua natura sperimentale inserendo materie non solo prevalentemente artistiche e artigianali bensì ampliando l’insegnamento anche all’architettura, alla grafica, alla pubblicità e al teatro, preparando il terreno per tutte le trasformazioni che nel progredire del secolo si svilupparono. La Performance Art, la Body Art, Fluxus e in qualche modo persino la Land Art hanno attinto a quei primi esperimenti di sinergia tra diversi linguaggi che potessero fondersi per dare una nuova veste, più al passo con la modernità dei tempi e con il susseguirsi veloce delle evoluzioni tecnologiche e di conseguenza esistenziali, al concetto di fare arte. Ma ciò che più di qualunque altra cosa modificò il senso del creare un’opera fu l’introduzione dell’azione, dell’utilizzo del proprio corpo, come nella Performance Art di cui fu grande rappresentante Marina Abramovič, o quello di modelle, come nella Body Art dove l’autore trasforma il suo protagonista in tela vivente; non solo, l’idea, il concetto e il desiderio di coinvolgere il pubblico in maniera immersiva e totale rendendolo protagonista osservante modificarono il significato di arte come oggetto da acquistare, rendendo inevitabilmente protagonista, in quanto testimonianza di qualcosa di inafferrabile dal punto di vista materiale, la fotografia.

L’artista Silvia Mattioli si ispira alle esperienze avanguardiste degli autori e dei movimenti del passato appena citati, e a quelle più recenti di Cindy Sherman, per creare un suo linguaggio assolutamente sperimentale in cui mescola le sue varie anime che magicamente si fondono in un unicum in cui le caratteristiche dell’una esaltano quelle dell’altra; regista teatrale, videomaker, fotografa, professionista audiovisiva, ideatrice di performance e body art, l’autrice mette letteralmente in scena, di volta in volta, progetti in cui la sinergia tra le differenti, ma complementari, forme espressive all’interno delle quali si muove espandono il senso e il concetto dell’arte intesa come fusione non solo di mezzi narrativi e performativi ma anche dell’integrazione dello spazio e dell’azione nel risultato finale.

Silvia Mattioli esplora temi di cui osserva le differenti sfaccettature, angolazioni prismatiche in virtù delle quali interpreta, indaga e mette in luce punti di vista funzionali a sottolineare il suo pensiero relativo alle questioni che mette al centro delle scene; dal punto di vista performativo e anche del risultato visivo finale immortalato dalla fotografia, l’aspetto delle sue opere è cinematografico-teatrale, la decontestualizzazione dello sfondo nero focalizza l’attenzione sul racconto, sui dettagli che devono emergere e che divengono il fulcro stesso del senso dell’immagine, come se un occhio di bue fosse puntato sulle protagoniste. Dunque donne perché nella produzione più recente Silvia Mattioli dedica la sua ricerca espressiva al tema Women Religion War, in cui indaga la correlazione tra la figura femminile spesso tenuta ai margini mentre in altri casi ne evidenzia la crudeltà e la freddezza, oppure ne esalta l’attitudine a tramandare tradizioni in virtù delle quali lascia emergere l’importanza di credere in se stessa.

L’autrice mette letteralmente sul palcoscenico i suoi personaggi, li veste per consentirgli di interpretare il ruolo che assegna loro, e li dirige suggerendo il pathos e l’espressività di cui ha bisogno per sentire suo il senso di quelle scene, e infine passa all’azione finale che è quella fotografica, tutto in una perfetta armonia esecutiva che rilascia opere di grande impatto emozionale e con una forte figuratività immediatamente comprensibile ma che sollecita anche una profonda riflessione.

The Game Heritage è il lavoro di Silvia Mattioli che più attinge alle origini, alle antiche manifatture che da un lato rendevano importante nel passato il ruolo femminile poiché solo alla donna erano affidati alcuni mestieri e lavori artigianali di grande pregio e finezza, dall’altro evidenzia la capacità di essere seria e solenne e al contempo di rompere gli schemi solo attraverso un gesto autoironico apparentemente in contrasto con la formalità che una delle due protagoniste mostra, ma che in fondo non sono che due lati della stessa medaglia, due aspetti opposti e complementari della medesima personalità. Lo sfondo in questo caso è costituito dalla coperta eseguita a uncinetto e simbolo di un patrimonio antico di manifattura ma anche di desiderio di associare, giocosamente, tutti i colori dell’arcobaleno e anche di più, infondendo gioia e una sensazione di familiarità nell’osservatore.

In Medusa’s Nest Silvia Mattioli, che interpreta la figura mitologica, mette invece in evidenza la possibilità che non sempre la natura femminile abbia insita in sé la bontà, l’apertura e l’empatia, a volte infatti, come nel caso della temibile Medusa, mostra crudeltà, desiderio di vendetta, perversione e ostilità, tutte caratteristiche legate alla presenza di serpenti scuri e minacciosi che sostituivano i capelli della terrificante Gorgone. L’autrice gioca sul contrasto figurativo del termine nest che dall’inglese può essere tradotto sia come groviglio, dando dunque l’accezione negativa legata a Medusa, mentre un’altra traduzione rimanda al termine nido che evoca il luogo protetto in cui gli uccelli crescono i loro piccoli, ma figurativamente il luogo dove sentirsi a casa e di cui spesso è regina la matriarca. Dunque anche in questo caso viene esplorato il dualismo, le contrapposizioni di visione o di realtà che si dispiegano costantemente davanti all’individuo sia nelle interpretazioni che nella considerazione dell’oggettività in cui si imbatte.

Squad Commando è un’antitesi ma anche un’esplorazione sul ruolo della donna nelle guerre, poiché molto più spesso di quanto vorrebbe la figura femminile necessita di misurarsi con limiti imposti dalla società, deve combattere contro opposizioni nei confronti della sua emancipazione perché la mentalità, al di là della facciata, è ancora legata a concetti superati; d’altro canto tuttavia esistono frangenti in cui proprio a lei, che dovrebbe essere la parte che tramanda amore e vita, viene richiesto di partecipare a conflitti e a guerre che idealmente potrebbero anche essere affini ai suoi ideali, ma dall’altro la costringono a imbracciare le armi quando lei vorrebbe solo vivere in pace e armonia. Ecco il motivo per cui Silvia Mattioli mette una mitragliatrice giocattolo nelle mani della sua protagonista, anche in questo caso se stessa, quasi volesse sottolineare il paradosso di chi è costretto a rivestire un ruolo non completamente affine alla propria natura.

Silvia Mattioli è fondatrice di gruppi sperimentali e autrice di studi e progetti sull’immagine, i suoi lavori come regista sono stati premiati e il progetto Women Religion War è stato esposto a Roma nella Galleria Spazio Cima nel 2016-17, allo Spin Time Lab nel 2018, al MACRO Museo dell’Arte Contemporanea nel 2019, allo Spazio Field di Palazzo Brancaccio nel 2024 e alla Borgo Pio Art Gallery nel 2025.

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Performances and body art by Silvia Mattioli, when photography becomes experimental theatre

New means of expression belong to contemporary art just as much as the possibility of blending different techniques and analysing everything from new perspectives was the focus of the avant-garde movements of the last century; the teachings of the past can therefore be the intuitive, conceptual and practical basis for all those artists who stray from the more traditional canons and the two-dimensionality of the canvas or surfaces normally associated with visual art, thus also introducing action, an essential supplement to bring a work to life, to show its potential for movement, visual illusion or maximum expression of a theme that needs to be explored in depth. The artist I am going to tell you about today belongs to the new generation of expressive interpreters and creates a magical blend of various cultural disciplines that start from three-dimensionality, theatrical narration and the need to analyse implications and facets in order to explore topics that subsequently end with the two-dimensionality of photography, as if this were the final act of the staging.

Starting in the second half of the twentieth century, art worldwide began to lean towards new approaches and innovative languages that showed the public a departure from tradition, moving towards a mixture of everything that could fit within a new concept of producing a work of art, to the point of almost losing the original meaning of the term. Yet those pioneers of the new era were preceded by avant-garde geniuses who made the early 20th century the most subversive, irreverent and experimental period in the entire history of art. Already at the dawn of the new century, the exponents of Dadaism introduced into their artistic movement, or perhaps it would be better to say cultural, not only a personalised and irreverent representation of the concept of art but also poetry, graphics and theatre, thus expanding the narrative possibilities necessary to spread and emphasise the desire to highlight the shortcomings and mock the marketability of a work. Dadaism was anti-art, and Marcel Duchamp’s Urinal was its emblem.

A few years later, this movement was superseded by Surrealism, which was its natural evolution, that on the one hand reintroduced canvas as a surface on which to express the turmoil, anguish and trauma of the mind, while on the other expanded the concept of artistic chorality to include new disciplines such as photography and cinema, producing works such as Buñuel‘s movies, which became manifestos of modernity and the conceptual poetics of the movement’s interpreters. But also the Bauhaus school of the Weimar Republic showed an experimental nature by including not only predominantly artistic and craft subjects, but expanding teaching to architecture, graphic design, advertising and theatre, paving the way for all the transformations that developed as the century progressed. Performance Art, Body Art, Fluxus and, in some ways even Land Art drew on those early trials in synergy between different languages that could merge to give a new look, more in step with the modernity of the times and the rapid succession of technological and, consequently, existential developments, to the concept of making art. But what changed the meaning of creating a work of art more than anything else was the introduction of action, the use of one’s own body, as in Performance Art, of which Marina Abramovič was a great representative, or that of models, as in Body Art, where the author transforms his protagonist into a living canvas; not only that, but the idea, concept and desire to involve the audience in an immersive and total way, making them observant protagonists, changed the meaning of art as an object to be purchased, inevitably making photography the protagonist, as a testimony to something that is elusive from a material point of view.

The artist Silvia Mattioli draws inspiration from the avant-garde experiences of the aforementioned authors and movements of the past, and from the more recent ones of Cindy Sherman, to create her own highly experimental language in which she blends her various souls which magically merge into a single entity in which the characteristics of one enhance those of the other. A theatre director, videomaker, photographer, audiovisual professional, performance and body art creator, the author literally stages, from time to time, projects in which the synergy between the different but complementary forms of expression within which she moves expands the meaning and concept of art, understood as a fusion not only of narrative and performative means but also of the integration of space and action in the final result. Silvia Mattioli explores themes, observing their different facets and prismatic angles, through which she interprets, investigates and highlights points of view that serve to emphasise her thoughts on the issues she places at the centre of her scenes; from a performative point of view and also in terms of the final visual result immortalised by photography, her works have a cinematic-theatrical aspect, the decontextualisation of the black background focuses attention on the story, on the details that must emerge and become the very core of the image’s meaning, as if a spotlight were shining on the protagonists. So women, because in her most recent work, Silvia Mattioli dedicates her expressive research to the theme of Women Religion War, in which she investigates the correlation between the female figure, often kept on the margins, while in other cases she highlights its cruelty and coldness, or exalts its ability to pass on traditions, thereby allowing to emerge the importance of believing in oneself.

The author literally puts her characters on stage, dresses them to allow them to play the roles she assigns them, and directs them, suggesting the pathos and expressiveness she needs to feel the meaning of those scenes, and finally moves on to the final action that is the photographic one, all in a perfect executive harmony that produces works of great emotional impact and a strong figurativeness immediately understandable but also promping profound reflection.The Game Heritage is Silvia Mattioli‘s work that draws most on origins, on the ancient crafts that, on the one hand, made the role of women important in the past, as only women were entrusted with certain crafts and artisan works of great value and finesse, on the other hand, it highlights the ability to be serious and solemn and at the same time to break the mould only through a self-deprecating gesture that appears to contrast with the formality shown by one of the two protagonists, but which are ultimately just two sides of the same coin, two opposite and complementary aspects of the same personality. The background in this case is the crocheted blanket, a symbol of an ancient heritage of craftsmanship but also of a desire to playfully combine all the colours of the rainbow and more, instilling joy and a sense of familiarity in the observer. In Medusa’s Nest, Silvia Mattioli, who interprets the mythological figure, highlights the possibility that female nature does not always inherently possess goodness, openness and empathy, and that sometimes, as in the case of the fearsome Medusa, it can show cruelty, a desire for revenge, perversion and hostility, all characteristics linked to the presence of dark and menacing snakes that replaced the hair of the terrifying Gorgon.

The author plays on the figurative contrast of the term “nest”, which can be translated from English as either a tangle, thus giving the negative meaning associated with Medusa, or a place of protection where birds raise their young, but figuratively the place where one feels at home and where the matriarch is often queen. So, in this case too, is explored dualism, the contrasts between vision and reality that constantly unfold before the individual, both in interpretations and in the consideration of the objectivity they encounter. Squad Commando is an antithesis but also an exploration of the role of women in war, since much more often than they would like, female figure need to measure with limits imposed by society and must fight against opposition to their emancipation because, beyond appearances, the mindset is still tied to outdated concepts: on the other hand, however, there are situations in which she, who should be the one to pass on love and life, is asked to participate in conflicts and wars that could ideally be in line with her ideals, but on the other hand force her to take up arms when she would just like to live in peace and harmony. This is why Silvia Mattioli puts a toy machine gun in the hands of her protagonist, who is once again herself, as if to emphasise the paradox of those who are forced to play a role that is not entirely in keeping with their nature. Silvia Mattioli is the founder of experimental groups and author of studies and projects on image. Her work as a director has won awards and the Women Religion War project was exhibited in Rome at the Galleria Spazio Cima in 2016-17, at Spin Time Lab in 2018, at the MACRO Museum of Contemporary Art in 2019, at Spazio Field in Palazzo Brancaccio in 2024 and at the Borgo Pio Art Gallery in 2025.