Tra natura e femminilità il Realismo in sfumature Art Déco di Patrizia Giannone

Raccontare tutto il bello appartenente al mondo che ospita l’essere umano, mettendo così in evidenza quei dettagli e la meraviglia spesso ignorata a causa dell’urgenza della quotidianità, diviene essenziale per quegli autori che hanno bisogno del contatto con la natura, necessitano perdersi all’interno di ambientazioni dove lo sguardo riesce a rilassarsi e l’interiorità a trovare la pace indispensabile per ritrovare il proprio equilibrio. In questo tipo di artisti l’approccio espressivo non può che essere quello in cui la riproduzione dell’osservato diviene la base per un’interpretazione soggettiva e intimista grazie alla quale la loro attitudine creativa trova la dimensione ideale. La protagonista di oggi sviluppa la sua produzione pittorica su due tematiche ben definite per le quali sceglie uno stile luminoso e coinvolgente proprio per quel suo essere al confine tra realtà e visione brillante.

L’attitudine a riprodurre il mondo osservato è stata da sempre una caratteristica dell’arte almeno fino agli inizi del Novecento, quel secolo che ha sovvertito ogni regola espressiva introducendo innovazioni avanguardiste che includevano anche un inedito modo di considerare l’atto plastico; malgrado la spinta a una rivalutazione stilistica ed espressiva, vi furono in ogni caso movimenti i cui gli autori scelsero di rimanere fortemente legati alla realtà, sebbene apportando delle variazioni più al passo con i tempi. Dal Realismo di metà Ottocento, in cui tuttavia emerse l’esigenza di spostare l’attenzione verso il popolo e le classi sociali meno abbienti nel loro vivere ogni giorno con dignità malgrado le condizioni precarie, si passò ai fasti rarefatti e celebrativi dell’Impressionismo, che pure apportò una vera e propria rivoluzione esecutiva, e alla ricerca sulla luce che interessò anche il Divisionismo italiano. La celebrazione della natura che contraddistinse le opere di Giovanni Segantini mostrò quanto la pittura paesaggistica potesse evolversi e adeguarsi alle nuove concezioni pittoriche di ricerca e di analisi di inedite modalità esecutive; l’interruzione forzata generata dal conflitto mondiale precipitò l’Europa, e di conseguenza gli artisti che la abitavano, in un clima cupo e distaccato dalla piacevolezza dell’esistenza, determinando in alcuni casi una necessità di astrarsi completamente dall’osservato per far nascere stili astratti dove si poteva congelare l’interiorità per prediligere la purezza algida dell’arte fine a se stessa e senza riferimenti alla quotidianità. Non appena il conflitto ebbe termine però emerse un rinnovato ottimismo, l’apertura verso un futuro radioso e il desiderio di tornare ai fasti della Belle Époque e del bel vivere che si concretizzò con la nascita di movimenti artistici come l’Art Déco, che investì in modo prevalente l’architettura, l’arredamento di interni e l’artigianato, ma che ebbe nella pittura una delle maggiori figure femminili di quel periodo, Tamara De Lempicka.

Con lei l’immagine della donna ritrovò da un lato il fascino d’un tempo ma dall’altro divenne più autonoma, intraprendente, sicura di sé e consapevole delle proprie capacità; tutto questo fu reso dal punto di vista pittorico con un utilizzo del colore e della luce lontano dalla tecnica tradizionale, le tonalità infatti erano piene e piatte mentre attraverso il gioco di luci e ombre riusciva a scolpire letteralmente l’immagine infondendo la sensazione di trovarsi davanti a una realtà filtrata dalla personalità cristallina ed elegante dell’autrice. D’altro canto un’altra grande donna artista di quel periodo, Frida Kahlo, assunse caratteristiche tecniche simili, pur discostandosi dal punto di vista stilistico, distaccando il colore dalla realtà tanto quanto la descrizione narrativa mostrava tratti più soggettivi legandosi alla visione personale delle circostanze rappresentate. L’artista aquilana Patrizia Giannone, in arte Malva, riprende il medesimo approccio esecutivo delle due grandi rappresentanti della pittura femminile del passato, Tamara De Lempicka e Frida Kahlo, per quanto riguarda le opere che si concentrano sui ritratti, anche nel suo caso funzionali a lasciar emergere le differenti sfaccettature della femminilità, perché il colore, il disegno e la luce sono utilizzati in modo da sottolineare l’appartenenza delle sue ragazze alla dimensione dell’idea, del concetto secondo il quale l’arte non ha bisogno di essere una fedele riproduzione dell’osservato, piuttosto deve essere concisa, andare alla sintesi visuale sia dal punto di vista cromatico che da quello figurativo.

Per quanto riguarda invece le tele paesaggiste, dove in ogni caso continua a emergere l’attitudine all’essenzialità di Patrizia Giannone, emerge la tendenza a dare una versione più autentica degli scenari narrati, spesso appartenenti al territorio abruzzese in cui è nata e che abita da sempre, mescolando il Realismo con la luminosità cristallina e limpida tipica del Divisionismo di Segantini.

Le immagini sono sospese tra ricordo e osservazione, tra evocazione della mente e desiderio di filtrare la realtà attraverso la semplificazione descrittiva attraverso la quale riescono a emergere i dettagli essenziali, tra necessità di riprodurre la purezza estetica e bisogno di rimanere all’interno di un’atmosfera fiabesca quanto desiderabile. Le tonalità sono intense eppure la luce riesce a predominare, a inondare attraverso il suo focalizzarsi su alcune parti delle opere tutto il resto della composizione, come se essa fosse la principale protagonista, e questa percezione emerge sia dalle tele paesaggiste che da quelle dedicate alle diverse sfaccettature della femminilità.

In Anni 20 lo stile Art Déco emerge in particolar modo dalle pieghe del golfino della donna, quella movimentazione plastica di luci e ombre che definisce la morbidezza del tessuto, ma anche nei tratti del volto, scolpiti ancora una volta dal passaggio tra parti più illuminate e altre più scure; d’altronde è proprio quello dello stile che ha reso famosa Tamara De Lempicka il periodo in cui Patrizia Giannone colloca la figura femminile che sceglie di rendere protagonista, e da cui lascia trapelare quasi una nostalgia per quegli anni in cui l’eleganza e la raffinatezza erano sintomo di rispetto per se stesse e per gli altri, in cui i valori erano ancora la base di una società che aveva bisogno di ritrovare se stessa, dopo aver perduto tutto durante la guerra. Lo sfondo è invece più sfumato, si avvicina quasi alla frammentazione impressionista della pennellata, per contrastare ancor più la nitidezza della signora in primo piano, quasi a dover emergere fosse anche la consapevolezza dell’appartenenza a un’altra epoca; l’effetto della luce proveniente dall’angolo in alto a sinistra enfatizza questo concetto e al contempo contribuisce a sottolineare l’espressione languida della protagonista.

Piccola ballerina mostra invece lo sguardo affettuoso e indulgente con cui Patrizia Giannone osserva la bambina seduta sui gradini di una scala illuminata, vestita in rosa, quasi sognando di essere una vera ballerina, immaginando se stessa nel futuro luminoso in cui calcherà le scene; questa sensazione viene svelata attraverso la posa in cui la piccola viene immortalata, quell’appoggiare le mani al mento che è un gesto tipico dei sognatori, quelli che non hanno bisogno di chiudere gli occhi per essere in grado di perdersi nei propri desideri. Anche in questo caso l’attitudine Art Déco si rivela nelle plissettature dell’abito, nella leggerezza di quello che potrebbe ricordare un tutù e che avvolge la piccola in modo delicato armonizzandosi con le sue emozioni.

L’opera Il ritorno si lega al lato paesaggista di Patrizia Giannone, raccontando di un panorama, quello marino, che associandosi al titolo da lei scelto diviene quasi un simbolo della vita umana, quell’andare costantemente verso qualcosa, quel seguire l’esigenza di allontanarsi per fare le esperienze necessarie all’evoluzione ma poi sentire la spinta a fare rientro verso quello che ciascuno considera il suo porto sicuro. Il riflesso del sole al tramonto e la cresta delle onde sollevate dallo scafo dell’imbarcazione sono l’esempio della fusione tra Realismo e Art Déco, quasi i due stili fossero fondamentali a definire lo stile elegante e raffinato a cui neanche la rappresentazione della natura può sfuggire; ciò che colpisce in questo dipinto è la nitidezza del tratto, la capacità dell’artista di delineare perfettamente il contrasto tra cielo e mare, e al contempo anche la traccia di un sole che sta andando a nascondersi nell’orizzonte incontrando prima l’ombra delle nuvole. I riflessi della luce sembrano muoversi insieme alle piccole onde scolpite e definite dal medesimo tratto che contraddistingue l’autrice.

Cascate è forse il lavoro più realista tra quelli presentati, quello in cui la minuziosità narrativa avvicina l’immagine a quella effettiva così come si era presentata nel momento contemplativo che ha stimolato la creatività di Patrizia Giannone al punto di dover immortalare quel paesaggio incontaminato; qui la luce che sopraggiunge dall’alto, interrompendo l’ombra verde degli alberi, si riflette sull’acqua delle cascate che dunque sembra illuminarsi a sua volta emanando quella freschezza positiva che da sempre è associata, e di fatto appartiene, al fluire e al rigenerarsi dell’elemento acqua.

Patrizia Giannone si forma da autodidatta sperimentando varie tecniche come l’acrilico, i pastelli, gli acquerelli e l’olio, ed è anche illustratrice e autrice di libri per bambini; ha al suo attivo la partecipazione a mostre in Italia e all’estero – Barcellona e Dubai -. Le sue opere sono inserite in diverse pubblicazioni tra cui il Catalogo dell’Arte Moderna Giorgio Mondadori nel 2024 ed è stata inserita nell’Atlante dell’Arte Contemporanea Giunti MoMa edition 2026.

PATRIZIA GIANNONE-CONTATTI

Email: artemisia2014.pg@gmail.com

Facebook: www.facebook.com/profile.php?id=100090756765040

Instagram: www.instagram.com/patrizia_giannone_malva/

Between nature and femininity the Realism with Art Deco nuances by Patrizia Giannone

Describing all the beauty belonging to the world that hosts human beings, thus highlighting those details and wonders often ignored due to the urgency of everyday life, becomes essential for those authors who need contact with nature, who need to lose themselves in settings where the gaze can relax and the inner self can find the peace necessary to regain its balance. For this type of artist, the expressive approach can only be one in which the reproduction of what is observed becomes the basis for a subjective and intimate interpretation, thanks to which their creative attitude finds its ideal dimension. Today’s protagonist develops her pictorial production around two well-defined themes, for which she chooses a luminous and engaging style precisely because of its being on the borderline between reality and brilliant vision.

The ability to reproduce the observed world has always been a characteristic of art, at least until the early 20th century, the century that subverted every rule of expression by introducing avant-garde innovations that also included a new way of considering the plastic act; despite the push for stylistic and expressive reevaluation, there were still movements whose authors chose to remain strongly tied to reality, albeit with variations more in step with the times. From mid-19th-century Realism, which nevertheless saw the emergence of a need to shift attention to the people and the less well-off social classes living their daily lives with dignity despite precarious conditions, there was a move towards the rarefied and celebratory splendor of Impressionism, which also brought about a real revolution in execution, and research into light that also influenced Italian Divisionism. The celebration of nature that characterized the works of Giovanni Segantini showed how landscape painting could evolve and adapt to new pictorial concepts of research and analysis of unprecedented modes of execution.

The forced interruption caused by the world war plunged Europe, and consequently the artists who lived there, into a gloomy climate detached from the pleasures of existence, leading in some cases to a need to completely take distance from what was observed in order to give rise to abstract styles where interiority could be frozen in order to favor the icy purity of art for its own sake and without reference to everyday life. As soon as the conflict ended, however, emerged a renewed optimism along with openness towards a bright future and a desire to return to the splendor of the Belle Époque and the good life, which materialized with the birth of artistic movements such as Art Deco, which mainly influenced architecture, interior design, and crafts, but which also had one of the greatest female figures of that period in painting, Tamara De Lempicka. With her, the image of women regained the charm of the past, but at the same time became more independent, enterprising, self-confident, and aware of their own abilities; all this was rendered from a pictorial point of view with a use of color and light that was far from traditional technique. The tones were full and flat, while through the play of light and shadow she was able to literally sculpt the image, instilling the feeling of being in front of a reality filtered by the crystalline and elegant personality of the author. On the other hand, another great female artist of that period, Frida Kahlo, adopted similar technical characteristics, while deviating from a stylistic point of view, detaching color from reality as much as the narrative description showed more subjective traits linked to her personal vision of the circumstances represented.

The artist Patrizia Giannone, aka Malva, from L’Aquila, adopts the same approach of the two great representatives of female painting from the past, Tamara De Lempicka and Frida Kahlo, with regard to artworks that focus on portraits, which in her case also serve to bring out the different facets of femininity, because color, drawing, and light are used to emphasize the belonging of her girls to the dimension of the idea, of the concept that art does not need to be a faithful reproduction of what is observed, but rather must be concise, aiming for visual synthesis from both a chromatic and figurative point of view. About the landscape canvases, where Patrizia Giannone‘s penchant for essentiality continues to emerge, there is a tendency to give a more authentic version of the scenes depicted, often belonging to the Abruzzo region where she was born and has always lived, mixing Realism with the crystalline and limpid luminosity typical of Segantini‘s Divisionism. The images are suspended between memory and observation, between evocation of the mind and the desire to filter reality with descriptive simplification, through which the essential details emerge, between the need to reproduce aesthetic purity and that of remaining within an atmosphere as fairy tale as desirable. The tones are intense, yet light manages to predominate, flooding the rest of the composition by focusing on certain parts of the works, as if it were the main protagonist, and this perception emerges both from the landscape canvases and those dedicated to the different facets of femininity.

In Anni 20 (The Twenties), the Art Deco style emerges in particular from the folds of the woman’s sweater, the plastic movement of light and shadow that defines the softness of the fabric, but also in the features of the face, sculpted once again by the transition between lighter and darker parts; after all it is precisely that of the style that made famous Tamara De Lempicka, the period in which Patrizia Giannone places the female figure that she chooses to make the protagonist, and from which she almost reveals a nostalgia for those years in which elegance and refinement were a symptom of respect for oneself and for others, in which values ​​were still the basis of a society that needed to find itself again, after having lost everything during the war. The background, on the other hand, is more blurred, almost approaching the impressionistic fragmentation of the brushstrokes, to further contrast the sharpness of the woman in the foreground, as if to emphasize her awareness of belonging to another era.

The effect of the light coming from the upper left corner emphasizes this concept and at the same time contributes to underlining the languid expression of the protagonist. Piccola ballerina (Little Ballerina) shows the affectionate and indulgent gaze with which Patrizia Giannone observes the little girl sitting on the steps of an illuminated staircase, dressed in pink, almost dreaming of being a real ballerina, imagining herself in a bright future where she will tread the boards. this feeling is revealed through the pose in which the little girl is immortalized, resting her hands on her chin, a gesture typical of dreamers, those who do not need to close their eyes to be able to lose themselves in their desires. Here too, the Art Deco style is revealed in the pleats of the dress, in the lightness of what could be reminiscent of a tutu, delicately enveloping the little girl and harmonizing with her emotions. The canvas Il ritorno (The Return) is linked to Patrizia Giannone‘s landscape painting, depicting a seascape that, in association with the title she has chosen, becomes almost a symbol of human life, that constant striving towards something, that need to move away in order to gain the experience necessary for evolution, but then feeling the urge to return to what each person considers their safe haven.

The reflection of the setting sun and the crest of the waves raised by the hull of the boat are examples of the fusion between Realism and Art Deco, as if the two styles were fundamental in defining the elegant and sophisticated style that even the representation of nature cannot escape; what is striking in this painting is the sharpness of the lines, the artist’s ability to perfectly delineate the contrast between sky and sea, and at the same time also the trace of a sun that is about to disappear over the horizon, first encountering the shadow of the clouds. The reflections of light seem to move together with the small waves sculpted and defined by the same lines that distinguish the artist. Cascate (Waterfalls) is perhaps the most realistic work among those presented, one in which the narrative detail brings the image closer to the actual scene as it appeared in the contemplative moment that stimulated Patrizia Giannone‘s creativity to the point of having to immortalize that unspoiled landscape; here the light coming from above, interrupting the green shade of the trees, is reflected on the water of the waterfalls, which thus seems to light up in turn, emanating that positive freshness that has always been associated with, and in fact belongs to, the flow and regeneration of the element of water. Patrizia Giannone is self-taught artist, experimenting with various techniques such as acrylics, pastels, watercolors, and oils and she is also an illustrator and author of children’s books; and has participated in exhibitions in Italy and abroad – Barcelona and Dubai. Her artworks have been featured in various publications, including the Giorgio Mondadori Catalogue of Modern Art in 2024, and she has been included in the Atlas of Contemporary Art Giunti MoMa edition 2026.