Dalle luci alle ombre, i due lati espressivi dell’Arte Informale di Elena Matei

Ogni personalità nasconde in sé due lati apparentemente opposti ma tuttavia parte della stessa unità percettiva, tanto quanto la realtà è costituita da dissonanze e antagonismi energetici in virtù dei quali si attua costantemente il miracolo della rigenerazione, della rinascita e del contrasto funzionale alla vita stessa. Alcuni artisti mettono in evidenza, nella loro produzione, proprio quell’antitesi, quell’alternanza di luminosità positiva e di buio introspettivo di cui hanno bisogno per manifestare con pienezza la loro indole espressiva. Elena Matei sceglie l’assenza di forma per lasciar fluire liberamente sulla tela tutte quelle tonalità che di volta in volta sente affini al suo pensiero del momento, senza riflettere bensì semplicemente lasciandosi guidare dall’istinto che parla un linguaggio diverso da quello della mente e che la induce a prendere atto in maniera più consapevole delle sensazioni interiori che guidano la sua mano.

La nascita dell’Arte Informale fu una conseguenza del periodo bellico, quando cioè gli artisti appartenenti alla generazione dei ribelli, a coloro che volevano distaccarsi completamente non solo dalla forma visibile ma anche da qualsiasi altra struttura visiva, decisero di affrancarsi dalla geometricità che aveva predominato nell’Arte Astratta del primo ventennio del Novecento. L’emozionalità a cui in precedenza si era rinunciato doveva a quel punto sopraggiungere, rompere gli argini e dare modo agli autori di raccontare le proprie sensazioni, gli stati d’animo e l’interiorità che non poteva più restare in silenzio; per compiere questa trasformazione gli interpreti dell’Espressionismo Astratto, i fondatori statunitensi della rivoluzionaria corrente, scelsero il colore come voce narrativa di quel mondo intenso e profondo che aveva bisogno di trovare un proprio canale comunicativo libero da ogni tipo di regola. Ciascun artista interpretò quella libertà sulla base delle proprie caratteristiche, della propria indole, alcuni lasciando letteralmente esplodere il colore sulla tela attraverso il Dripping, altri permeando le opere di suggestione silenziosa e solenne realizzata con il Color Field, oppure attraverso il segno grafico o ancora scegliendo una stesura quasi monocroma. Il movimento ben presto raggiunse l’Europa prendendo il nome di Arte Informale e assumendo sfumature espressive diverse in cui veniva introdotto anche l’utilizzo della materia per dare maggiore enfasi e concretezza a quelle emozioni che non trovavano ostacoli al loro diffondersi e che dovevano liberare le profonde ferite legate al periodo buio della seconda guerra mondiale. Alcuni autori scelsero il solo approccio cromatico, come Emilio Vedova in Italia il cui gesto segnico comunicava il puro impulso, le sensazioni prorompenti che dall’interno di sé venivano letteralmente graffiate sulla tela, mentre altri optarono per l’utilizzo della materia come mezzo per rilasciare il dolore e la sofferenza che dovevano fuoriuscire. Grande maestro dell’Informale Materico fu l’italiano Alberto Burri, precursore insieme al catalano Antoni Tapìes del concetto del riutilizzo di tutti quegli scarti di lavorazioni industriali o di oggetti di uso quotidiano, che sono alla base nell’epoca contemporanea della Recycling Art. Non solo, l’attitudine a operare sulla tela con strumenti al di fuori dall’ordinario, a incidere figurativamente l’opera attraverso spatole, graffiature e altri oggetti, sono parte integrante dell’Action Painting, di quell’azione creativa che non può essere esclusa dal risultato finale. Tra i maggiori interpreti dell’Arte Informale contemporanea non si può non citare il pittore tedesco Gerard Richter che fa della graffiatura, della strisciatura del colore una delle sue principali caratteristiche. L’artista Elena Matei sceglie di far sentire la propria voce artistica attraverso l’Arte Informale adattata però alla sua personalità, a quella tendenza insita nell’interno di sé che la spinge a osservare entrambe le facce della medaglia dell’esistenza, che la induce a considerare le antitesi e le opposizioni come il fulcro della vitalità, della forza che si sprigiona dall’interno dell’individuo e che inevitabilmente coesiste a volte lasciando prevalere la parte luce e altre invece lasciando sussurrare la parte buio senza che l’una debba escludere l’altra o prevalere in maniera costante.

Il tratto Informale diviene pertanto cangiante, si adatta alla sperimentazione narrativa che Elena Matei di volta in volta sceglie di imprimere alla tela, optando per una gamma di colori vivace ed energetica quando emerge il suo lato luminoso, allegro e aperto alla pura bellezza delle sensazioni che la pervadono; poi però la tavolozza vira verso tonalità più cupe, più ombrose nel momento in cui a prevalere è la sua necessità introspettiva di perdersi nelle profondità e nelle intensità per comprendere meglio alcune sfaccettature della propria esistenza o del proprio animo.

Dal punto di vista puramente esecutivo l’utilizzo della materia, come il gesso, è funzionale in alcuni lavori per dare consistenza e struttura a un pensiero, un’idea, un’associazione mentale che ha bisogno dell’impulso gestuale per essere manifestata, in altre tele invece a prevalere sono le tecniche del grattage e del frottage, come se il colore nella sua semplicità non fosse sufficiente a infondere al dipinto quell’intenzione che Elena Matei desidera raccontare.

In altri dipinti addirittura a entrare nella composizione sono reticolati geometrici, forme definite che sembrano ingabbiare il caos sottostante, quasi volessero raccontare di quanto a volte anche l’istinto abbia bisogno di essere contenuto per non rischiare che debordi travolgendo; questo concetto emerge chiaramente dalla tela Finestra sul mondo dove la griglia di piccole finestre quadrate è sovrapposta allo sfondo che ha un significato bivalente poiché può essere inteso sia come l’universo esterno a quello dell’individuo che dunque l’autrice, e di conseguenza l’osservatore, scruta da lontano poiché distante da se stessa, oppure può essere il mondo delle emozioni, di quelle sensazioni disordinate e indefinite che la mente non riesce a spiegare e che hanno pertanto bisogno di essere domate, inserite all’interno di uno schema più familiare per essere comprese nella loro totalità.

Armonie in turchese svela al contrario il lato impulsivo di Elena Matei, quella sfaccettatura di sé che sente la positività dell’aria, della natura intorno e di conseguenza si lascia avvolgere dalla piacevolezza di quei verdi e degli azzurri che ricordano le piante, l’erba fresca, e il cielo limpido della primavera. L’atmosfera è idilliaca, poetica, non esistono elementi di disturbo per l’interiorità che viene sollecitata a lasciarsi cullare da quel mondo delicato e avvolgente che profuma di semplicità; il frottage, utilizzato nella parte bassa della tela, in questo caso è funzionale a evocare la presenza di un piccolo specchio d’acqua che riflette la presenza delle piante. La serenità che pervade l’opera non può che avvolgere il fruitore il quale viene attratto con la sensazione di avere davanti a sé un paesaggio familiare per poi essere trasportato dentro una mancanza di forma che lo induce ad abbandonare la razionalità per perdersi dentro le tonalità dell’autrice.

Anche il dipinto Coralli appartiene all’angolatura entusiasta, positiva e delicata di Elena Matei, poiché le tonalità sono similari a quelle dell’opera precedente pur introducendo la presenza del rosso, colore tipicamente associato al corallo marino, che vivacizza e infonde movimento alla composizione, suggerendo quella delicata fluttuazione presente nei fondali marini che tanto affascina chiunque si avvicini all’universo subacqueo. Qui il celeste è chiaro, come fosse illuminato dalla luce del sole che penetra i fondali per mostrare la bellezza e la varietà di flora e fauna che si trovano al di sotto dell’acqua, in quel mondo silenzioso di cui l’autrice mostra la fascinazione scegliendo di rappresentarne una pianta piuttosto che la moltitudine di pesci, quasi a voler dire che la bellezza si nasconde anche nelle forme più inanimate.

In Eclissi di luna predomina al contrario la parte ombra, quell’attitudine dell’essere umano ad attendere la notte per compiere l’approfondimento introspettivo, la meditazione su se stesso che spesso durante il giorno è impossibile compiere a causa della fretta del vivere, a causa della contingenza che diviene prioritaria, e anche per colpa dell’attitudine tutta contemporanea di riempire ogni spazio di tempo con cose da fare, spesso proprio per silenziare i pensieri, per mettere a tacere quell’attitudine umana a immergersi nei propri pensieri e apprendere qualcosa di più di se stesso. La luna è scelta nel suo lato più scuro in questo dipinto, quello in cui la sua luminosità viene oscurata dalla sovrapposizione della terra sulla luce del sole, sottolineando così il senso di suggestione che lo scenario infonde nell’immaginario comune; al di sotto del disco scuro della luna, Elena Matei evoca la presenza di un reticolato di palazzi che simboleggiano le vite al di sotto di quello spettacolo naturale, probabilmente ignare del miracolo che si sta compiendo sopra le loro teste, e scolpiti sulla base di gesso che costituisce la struttura di questa tela.

Elena Matei ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive e personali nel Lazio e in Umbria ed espone regolarmente come ospite alle mostre delle associazioni Cento Pittori di via Margutta ed Escidicasa Arte.

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From light to shadow, the two expressive sides of Elena Matei’s Informal Art

Every personality hides within itself two seemingly opposite sides that are nevertheless part of the same perceptive unity, just as reality is made up of dissonances and energetic antagonisms by virtue of which the miracle of regeneration, rebirth, and contrast functional to life itself is constantly taking place. Some artists highlight this antithesis in their work, this alternation of positive brightness and introspective darkness that they need in order to fully manifes their expressive nature. Elena Matei chooses the absence of form to allow all those shades that she feels are akin to her thoughts of the moment to flow freely onto the canvas, without reflecting but simply letting herself be guided by her instinct, which speaks a language different from that of the mind and leads her to take more conscious note of the inner sensations that guide her hand.

The birth of Informal Art was a consequence of the war period, when artists belonging to the rebellious generation, those who wanted to detach themselves completely not only from visible form but also from any other visual structure, decided to free themselves from the geometricity that had predominated in Abstract Art in the first two decades of the 20th century. The emotionality that had previously been renounced now had to come to the fore, breaking down barriers and allowing artists to express their feelings, moods, and inner lives, which could no longer remain silent. To achieve this transformation, the interpreters of Abstract Expressionism, the American founders of the revolutionary movement, chose color as the narrative voice of that intense and profound world that needed to find its own channel of communication, free from any kind of rule. Each artist interpreted that freedom based on their own characteristics and temperament, some literally exploding color onto the canvas through Dripping, others permeating their artworks with silent and solemn suggestion achieved with Color Fields, or through graphic marks, or even choosing an almost monochrome style. The movement soon reached Europe, taking the name of Informal Art and assuming different expressive shades, in which was also introduced the use of matter to give greater emphasis and concreteness to those emotions that found no obstacles to their spread and that had to free the deep wounds linked to the dark period of World War II.

Some artists chose to focus solely on color, such as Emilio Vedova in Italy, whose brushstrokes communicated pure impulse, the bursting sensations that came from within and were literally scratched onto the canvas, while others opted to use materials as a means of releasing the pain and suffering that needed to be let out. A great master of Material Informal was the Italian Alberto Burri, who, together with the Catalan Antoni Tapìes, pioneered the concept of reusing industrial waste and everyday objects, which form the basis of contemporary Recycling Art. Not only that, but the tendency to work on canvas with unusual tools, to figuratively engrave the work using spatulas, scratches, and other objects, is an integral part of Action Painting, that creative action that cannot be excluded from the final result. Among the major interpreters of contemporary Informal Art, we cannot fail to mention the German painter Gerard Richter, who makes scratching and smearing color one of his main characteristics. The artist Elena Matei chooses to make her artistic voice heard through Informal Art, adapted, however, to her personality, to that tendency inherent within herself that drives her to observe both sides of the coin of existence, that leads her to consider antitheses and oppositions as the fulcrum of vitality, of the strength that emanates from within the individual and that inevitably coexists, sometimes allowing the light side to prevail and other times allowing the dark side to whisper, without one excluding the other or constantly prevailing.

The Informal trait therefore becomes shot, adapting to the narrative experimentation that Elena Matei chooses to imprint on the canvas from time to time, opting for a lively and energetic range of colors when her bright, cheerful side emerges, open to the pure beauty of the sensations that pervade her; but then the palette shifts towards darker, more shadowy tones when her introspective need to lose herself in the depths and intensities prevails in order to better understand certain facets of her existence or her soul. From a purely executive point of view, the use of materials such as chalk is functional in some works to give consistency and structure to a thought, an idea, a mental association that needs a gestural impulse to be manifested, in other canvases, however, prevail grattage and frottage techniques, as if color in its simplicity were not enough to infuse the painting with the intention that Elena Matei wishes to convey. In other paintings, geometric grids and defined shapes even enter the composition, seeming to cage the chaos beneath, as if to convey how sometimes even instinct needs to be contained so as not to risk overflowing and overwhelming; this concept emerges clearly from the canvas Finestra sul mondo (Window on the world), where the grid of small square windows is superimposed on the background, which has a dual meaning as it can be understood both as the universe outside that of the individual that the author, and consequently the observer, scrutinizes from afar because it is distant from itself, or it can be the world of emotions, of those disordered and undefined sensations that the mind cannot explain and that therefore need to be tamed, inserted into a more familiar pattern in order to be understood in their entirety.

Armonie in turchese (Harmonies in Turquoise), on the other hand, reveals Elena Matei‘s impulsive side, that facet of herself that feels the positivity of the air and nature around her and consequently allows herself to be enveloped by the pleasantness of those greens and blues reminiscent of plants, the fresh grass and clear spring sky. The atmosphere is idyllic, poetic, with no elements to disturb the inner self, which is encouraged to let itself be lulled by this delicate, enveloping world that smells of simplicity; the frottage technique used in the lower part of the canvas serves to evoke the presence of a small pool of water reflecting the plants. The serenity that pervades the artwork envelops the viewer, who is drawn in by the feeling of being in front of a familiar landscape and then transported into a lack of form that induces him to abandon rationality and lose himself in the artist’s tones. Also the painting Coralli (Corals) belongs to Elena Matei‘s enthusiastic, positive, and delicate perspective, as the shades are similar to those of the previous work, while introducing the presence of red, a color typically associated with sea coral, which enlivens and infuses movement into the composition, suggesting the delicate fluctuation present in the seabed that so fascinates anyone who approaches the underwater world. Here the sky blue is clear, as if illuminated by sunlight penetrating the depths to reveal the beauty and variety of flora and fauna found underwater, in that silent world which fascinates the artist, who chooses to depict a plant rather than the multitude of fish, as if to say that beauty is hidden even in the most inanimate forms.

In Eclissi di luna (Moon Eclipse), on the contrary, predominates the shadow side, that human tendency to wait for nightfall to engage in introspective reflection, to meditate on himself, which is often impossible during the day due to the rush of life, due to contingencies that take priority, and also due to the contemporary tendency to fill every moment with things to do, often precisely to silence thoughts, to burke that human attitude to immerse in one’s thoughts and learn something more about oneself. The moon is chosen in its darkest side in this painting, when its brightness is obscured by the earth’s overlap on the sunlight, thus emphasizing the sense of suggestion that the scene instills in the common imagination; beneath the dark disc of the moon, Elena Matei evokes the presence of a network of buildings symbolizing the lives beneath this natural spectacle, probably unaware of the miracle taking place above their heads, and sculpted on the plaster base that forms the structure of this canvas. Elena Matei has participated in group and solo exhibitions in Lazio and Umbria and regularly participates as a guest at exhibitions organized by the associations Cento Pittori di via Margutta and Escidicasa Arte.