La freschezza narrativa fusa all’energia gestuale nell’Astrattismo di Emma McIntyre

La scelta cromatica ed espressiva contraddistingue non solo la produzione di ciascun artista bensì anche il suo approccio nei confronti dell’esistenza, di una vita in cui spesso è necessario approfondire e osservare tutte le pieghe, persino le più cupe e profonde, oppure in cui è più funzionale al proprio equilibrio esplorare la positività, guardare verso la luce, lasciar prevalere l’allegria e la leggerezza che troppo frequentemente nella quotidianità vengono a mancare. Laddove lo stile scelto sia quello in cui la forma, l’immagine conosciuta, perde la sua rilevanza la voce rappresentativa viene ovviamente affidata ai colori, a quelle tonalità che si accordano all’intento creativo dell’autore. La protagonista di oggi rientra in questo secondo gruppo di artisti che attraverso la tela manifestano esattamente la gioia di vivere, il desiderio di correre verso una luminosità che fuoriesce da sé e si propaga verso l’esterno fino a raggiungere con la sua vitalità l’osservatore che non può fare a meno di lasciarsi avvolgere da quella dimensione quasi magica.

Avvenuto il completo distacco dall’arte tradizionale, in quel turbolento inizio del Ventesimo secolo in cui ogni regola pittorica e scultorea doveva essere sovvertita per lasciare spazio alle innovazioni e a tutti quei pensieri e quelle sperimentazioni avanguardiste che avevano bisogno di tracciare un nuovo cammino nel mondo della cultura nel senso più ampio, si delineò in maniera evidente una distanza tra il gesto plastico dell’autore di un opera da quella rappresentazione oggettiva e perfetta dell’osservato che non forniva più stimoli alla creatività dei protagonisti dell’arte di quell’epoca. A emergere, tra gli altri stili pittorici, fu l’Astrattismo, quella corrente in cui le forme, inizialmente indefinibili e irriconoscibili ma poi via via più orientate alla geometricizzazione, dovevano sottolineare l’autonomia dell’arte visiva da qualunque riproduzione del reale ormai affidato alla perfezionata tecnica fotografica.

Tuttavia al rigore del De Stijl, del Suprematismo e dell’Astrattismo Geometrico mancava l’anima, il sentire soggettivo dell’esecutore, creando di fatto un’esigenza via via più incalzante, già delineatasi con Paul Klee che fu uno dei pochi astrattisti del gruppo tedesco Der Blaue Reiter, di trovare una mediazione tra la scelta di non raccontare il visibile e il bisogno di lasciar fuoriuscire tutto quel mondo interiore escluso dall’Arte Astratta. Fu così che intorno agli anni Cinquanta del Novecento emerse negli Stati Uniti un movimento che voleva essere un moto di ribellione verso gli schemi rigidi e rigorosi delle precedenti correnti di distacco dalla realtà osservata, poiché il nuovo intento era quello di mettere al centro della ricerca pittorica proprio le emozioni e le sensazioni dell’esecutore. L’Espressionismo Astratto, nato per volontà di Jackson Pollock, di Franz Kline, di Mark Rothko e di Arshile Gorky, oltrepassò il confine della forma per introdurre la dimensione dell’assenza totale di qualunque rappresentazione in cui tutto l’impatto espressivo era affidato al colore ma anche al gesto esecutivo, dando vita alla tecnica che si lega indissolubilmente agli espressionisti astratti, cioè l’Action Painting. Ciò che più di ogni cosa permise di distinguere un autore dall’altro fu tuttavia proprio la tavolozza di tonalità scelte, oltre che all’evocazione visiva che contraddistingueva gli appartenenti al movimento, poiché in virtù della cromaticità era possibile comprendere l’attitudine esistenziale ed esecutiva di ogni interprete.

I silenzi suggestivi di Mark Rothko venivano amplificati dalla suddivisione delle tele in due o tre fasce cromatiche che evocavano paesaggi immaginari; l’irruenza esecutiva di Jackson Pollock si associava perfettamente a quegli schizzi Dripping in cui i colori apparivano come puntini, strisce confuse e intrecciate tra loro a sottolineare l’urgenza di comunicare il caos delle emozioni; e infine la leggerezza positiva e femminile del Color Field di Helen Frankenthaler, dove le tonalità evocavano morbidezza e luminosità, e della pittura segnica di Joan Mitchell che a sua volta scelse una gamma cromatica allegra e vitale. L’artista neozelandese Emma McIntyre esplora una soavità narrativa attraverso la quale riesce a far percepire all’osservatore il suo atteggiamento nei confronti della vita, aperto, luminoso e volto a mettere in evidenza l’energia quasi magica che proprio da un punto di vista ottimista si va a generare, cogliendo il bello e la morbidezza di tutto ciò che avvolge un mondo che troppo di frequente sceglie di non guardare verso il cielo, bensì preferisce restare con il capo chino verso il basso.

Dal punto di vista gestuale l’atto spontaneo attraverso il quale Emma McIntyre comunica con la tela viene seguito da una successiva presa d’atto, quasi una meditazione sulla liberazione emozionale che l’ha spinta a manifestare esattamente quella specifica emozione raccontata con colori appartenenti alla sfaccettatura prismatica che in quella fase era predominante.

Ecco perché alcune opere sembrano quasi striate, come se l’autrice volesse imprimere nella sua memoria interiore alcuni dettagli; quel secondo passaggio sottolinea quindi la fase di riflessione, la necessità di raggiungere il perfetto equilibrio tra istinto e ragione, o forse sarebbe meglio dire tra impulso e coscienza di sé attraverso cui è possibile generare quell’evoluzione imprescindibile alla crescita interiore. La tavolozza di Emma McIntyre mette in luce la magia esistente intorno all’essere umano, la freschezza e la delicatezza che appartiene a quelle vibrazioni più alte in virtù delle quali l’anima può elevarsi dalla contingenza e vivere in un universo ideale in cui può distaccarsi dalle problematiche terrene per rimanere nel suo habitat più naturale, quello dell’amore inteso nel senso più ampio: verso se stessi, verso il mondo che circonda l’individuo, verso tutto ciò che entra in connessione con l’essere.

Vedere il lato positivo è una caratteristica fondamentale per chi, come la McIntyre, vive la vita scegliendo la semplicità e soprattutto la pienezza del presente, di chi riesce ad assaporare ogni istante senza lasciarsi sopraffare dalle opposizioni, dai piccoli o grandi ostacoli che sono comunque momentanei se concepiti come semplici gradini funzionali alla trasformazione interiore.

I suoi dipinti appartengono alla sfera del concetto, quell’ambito in cui tutto viene relativizzato dall’opinione personale, dal punto di vista ma anche dell’analisi delle interazioni o dei pensieri da cui si sviluppa la spinta pittorica che dunque diviene esplicazione del nucleo di partenza; Monograph of a Stain (Monografia di una Macchia) sembra essere davvero un percorso conoscitivo, un viaggio di scoperta all’interno della narrazione di una campitura cromatica da cui si dipanano sfumature e variazioni di tonalità che divagano, si espandono e poi tornano a incontrarsi. Nascosti e quasi in sordina rispetto alle sfumature principali, sono i segni grafici, quei sottili sussurri che suggeriscono il percorso riflessivo compiuto da Emma McIntyre e che non vogliono guidare l’osservatore, piuttosto sembrano fornirgli uno spunto interpretativo in più.

In Queen of the Air (Regina dell’Aria) invece, l’autrice crea un inganno tra parole e immagine poiché pur parlando dell’impalpabilità e invisibilità dell’elemento aria, la scelta delle tonalità spinge a immergersi nella magia della natura della terra, attraverso il verde che non può non ricondurre alle foglie degli alberi, attraverso il giallo della base che ricorda il terreno riscaldato dal sole estivo, e attraverso l’azzurro del cielo che con loro interagisce. Sembra quasi apparire una sottile figurazione in questa tela, come se non fosse possibile per Emma McIntyre staccarsi completamente dalla sua natura umana indissolubilmente calata nella realtà del vivere.

Dance the Orange (Balla con l’arancione) mostra in modo chiaro l’attitudine a segnare, ad agire con tempistica successiva alla realizzazione più spontanea tracciando dei segni che in questo caso sembrano voler proteggere i colori e la leggerezza dietro la striatura, come se quelle righe in tonalità tenue fossero funzionali a schermare una vitalità spesso considerata eccessiva o fastidiosa nel grigiore di un vivere contemporaneo appiattito e conforme all’idea comune. L’arancione è il colore dell’energia più pura, comunica ottimismo, creatività, gioia, e qui è associato al viola chiaro legato alla spiritualità, alla magia ma anche alla gentilezza d’animo che dunque deve essere protetta nella sua spontaneità dalle contaminazioni esterne, ecco perché Emma McIntyre sceglie di farli danzare insieme ma li osserva da dietro quella gabbia dorata dentro cui dovrebbero ricevere riparo tutte le sensazioni autentiche e delicate.

La sperimentazione dell’autrice non si ferma all’interazione tra colori bensì si rivela anche dall’utilizzo del lino come superficie su cui realizzare le sue opere e infine dal mescolare materie insolite come polvere di diamanti, ossido di ferro e inchiostro in armonia con i pastelli e con l’olio, che costituiscono la base delle sue opere. Emma McIntyre è membro fondatore del consiglio di amministrazione della galleria cooperativa Coastal Signs di Auckland e ha al suo attivo mostre personali ad Auckland, Wellington, Los Angeles, Parigi, New York e Hong Kong.

EMMA MCINTYRE-CONTATTI

Sito web: www.davidzwirner.com/artists/emma-mcintyre

Instagram: www.instagram.com/emma._._mcintyre/

The narrative freshness blended with gestural energy in Emma McIntyre’s Abstract Art

The choice of colors and expressive style distinguishes not only each artist’s work but also their approach to existence, to a life in which it is often necessary to delve into and observe all its folds, even the darkest and deepest ones, or in which it is more functional to one’s balance to explore positivity, look towards the light, and let prevail the happiness and lightness that are too often lacking in everyday life. Where the chosen style is one in which form, the familiar image, loses its relevance, the representative voice is obviously entrusted to colors, to those shades that match the author’s creative intent. Today’s protagonist belongs to this second group of artists who, through their canvases, express precisely the joy of living, the desire to run towards a brightness that emanates from within and spreads outwards until it reaches the observer with its vitality, who cannot help but be enveloped by that almost magical dimension.

With the complete break from traditional art, in that turbulent early 20th century when every rule of painting and sculpture had to be subverted to make way for innovation and all those avant-garde ideas and experiments that needed to chart a new course in the world of culture in the broadest sense, emerged a clear distance between the plastic gesture of the author of a work and the objective and perfect representation of the observed, which no longer stimulated the creativity of the protagonists of the art of that era. Among other pictorial styles emerged Abstract Art, a movement in which forms, initially indefinable and unrecognizable but then gradually more oriented towards geometrization, were intended to emphasize the autonomy of visual art from any reproduction of reality, now entrusted to perfected photographic technique. However, the rigor of De Stijl, Suprematism, and Geometric Abstraction lacked soul, the subjective feeling of the artist, creating a growing need, already outlined by Paul Klee who was one of the few abstract artists of the German group Der Blaue Reiter, to find a compromise between the choice not to depict the visible and the need to let out all that inner world excluded from Abstract Art.

Thus, around the 1950s, emerged a movement in the United States that sought to rebel against the rigid and strict patterns of previous trends that detached themselves from observed reality, as the new intention was to place the emotions and sensations of the artist at the center of pictorial research. Abstract Expressionism, born of the will of Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, and Arshile Gorky, crossed the boundary of form to introduce the dimension of the total absence of any representation, in which all expressive impact was entrusted to color but also to the executive gesture, giving rise to the technique that is inextricably linked to the abstract expressionists, namely Action Painting. However, what most distinguished one artist from another was the palette of colors chosen, as well as the visual evocation that characterized the members of the movement, since the chromaticity made it possible to understand the existential and executive attitude of each interpreter. Mark Rothko‘s evocative silences were amplified by the division of the canvases into two or three chromatic bands that evoked imaginary landscapes; Jackson Pollock‘s impetuous execution was perfectly suited to those Dripping sketches in which colors appeared as dots and confused, intertwined stripes, emphasizing the urgency of communicating the chaos of emotions; and finally, the positive, feminine lightness of Helen Frankenthaler‘s Color Field, where the shades evoked softness and brightness, and Joan Mitchell‘s sign painting, which in turn chose a cheerful and vibrant color palette.

New Zealand artist Emma McIntyre explores a narrative sweetness through which she manages to convey to the observer her attitude towards life, which is open, bright, and aimed at highlighting the almost magical energy that is generated from an optimistic point of view, capturing the beauty and softness of everything that surrounds a world that too often chooses not to look up at the sky, but prefers to remain with its head bowed down. From a gestural point of view, the spontaneous act through which Emma McIntyre communicates with the canvas is followed by a subsequent acknowledgment, almost a meditation on the emotional liberation that prompted her to express that specific emotion, recounted with colors belonging to the prismatic facet that was predominant at that stage. That’s why some works appear almost streaked, as if the artist wanted to imprint certain details in her inner memory; this second step therefore underlines the phase of reflection, the need to achieve the perfect balance between instinct and reason, or perhaps it would be better to say between impulse and self-awareness, through which it is possible to generate the evolution that is essential for inner growth. Emma McIntyre‘s palette highlights the magic that surrounds human beings, the freshness and delicacy that belong to those higher vibrations by virtue of which the soul can rise above contingency and live in an ideal universe where it can detach itself from earthly problems and remain in its most natural habitat, that of love in the broadest sense: towards oneself, towards the world that surrounds the individual, towards everything that connects with the being. Seeing the positive side is a fundamental characteristic for those who, like McIntyre, live life choosing simplicity and above all the fullness of the present, for those who manage to savor every moment without letting themselves be overwhelmed by opposition, by small or large obstacles that are in any case momentary if conceived as simple steps functional to inner transformation. Her paintings belong to the realm of concept, that sphere in which everything is relativized by personal opinion, by point of view, but also by the analysis of interactions or thoughts from which the pictorial impulse develops, thus becoming an explanation of the starting point.

Monograph of a Stain seems to be a true journey of knowledge, a voyage of discovery within the narrative of a chromatic background from which nuances and variations in tone unfold, diverge, expand, and then come back together. Hidden and almost muted compared to the main shades are the graphic signs, those subtle whispers that suggest the reflective journey undertaken by Emma McIntyre and which do not seek to guide the observer, but rather seem to provide them with an additional interpretative cue. In Queen of the Air, on the other hand, the author creates a deception between words and images because, while speaking of the intangibility and invisibility of the element of air, the choice of colors encourages us to immerse ourselves in the magic of nature, through the green that inevitably brings to mind the leaves of trees, through the yellow of the base that recalls the soil warmed by the summer sun, and through the blue of the sky that interacts with them.

A subtle figuration seems to appear in this canvas, as if it were impossible for Emma McIntyre to completely detach herself from her human nature which is inextricably linked to the reality of life. Dance the Orange clearly shows her ability to mark, to act with timing subsequent to the most spontaneous realization, tracing marks that in this case seem to want to protect the colors and lightness behind the streaks, as if those lines in soft tones were functional to shield a vitality often considered excessive or annoying in the grayness of a contemporary life that is flattened and conforms to the common idea. Orange is the color of the purest energy, communicating optimism, creativity, and joy, and here it is associated with light purple, linked to spirituality, magic, but also kindness of spirit, which must therefore be protected in its spontaneity from external contamination; that’s why Emma McIntyre chooses to make them dance together but observes them from behind that golden cage in which all authentic and delicate sensations should find shelter. The artist’s experimentation does not stop at the interaction between colors, but is also revealed in her use of linen as a surface on which to create her works and, finally, in her mixing of unusual materials such as diamond dust, iron oxide, and ink in harmony with pastels and oil, which form the basis of her works. Emma McIntyre is a founding member of the board of directors of the Coastal Signs cooperative gallery in Auckland and has had solo exhibitions in Auckland, Wellington, Los Angeles, Paris, New York, and Hong Kong.