Daisy Parris, tra Espressionismo Astratto e Arte povera per evocare la forza delle parole

Mescolare i linguaggi artistici è prerogativa di tutti quegli interpreti che non accettano i limiti imposti dalla scelta di appartenere a un solo mondo e dunque rompono gli argini e debordano in ambìti più in armonia con un’essenza necessitante dell’impulso e dell’immediatezza narrativa quanto della riflessione, dell’approfondimento psicologico, dell’osservazione intima della propria essenza spirituale che fuoriesce come un’eco suggestiva dalle loro tele, sprigionandosi dall’anima e investendo l’osservatore. La protagonista di oggi coniuga i due estremi della sua personalità, quello più spontaneo e quasi irrefrenabile che la induce a scegliere un linguaggio completamente privo di forma in cui a parlare sono i colori, e quello più mentale che ha bisogno della concretezza della materia e della presenza magnetica delle parole.

La decisione di recuperare il contatto con la soggettività, con l’intimità dell’esecutore di un’opera, in tutta quell’Arte Astratta che aveva in precedenza rifiutato qualsiasi contaminazione del gesto plastico da parte dell’autore, emerse in maniera intensa e preponderante in quel delicato periodo post-bellico, dunque intorno alla metà degli anni Cinquanta del Novecento, quando la società europea e statunitense era ancora scossa dagli orrori a cui aveva assistito fino a poco prima. L’Espressionismo Astratto nacque dunque come movimento che da un lato voleva continuare, approfondire e persino ampliare il concetto della mancanza totale di riferimento alla realtà quotidiana osservata dall’occhio, ma dall’altro doveva staccarsi dalla rigidità geometrica dei movimenti astrattisti dei primi decenni del secolo introducendo la rinuncia totale a qualsiasi tipo di forma e aprendo la porta all’universo del colore come strumento narrativo. Ma a essere prioritario per il gruppo fondato da Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning e Arshile Gorky, questo il primo nucleo di artisti che lottarono per essere accettati in un mondo dell’arte ancora troppo poco incline a un’innovazione tanto radicale, fu la necessità di esprimere le emozioni, le sensazioni, le ansie e anche le angosce sulla tela, come se quest’ultima fosse un’estensione dell’interiorità dell’esecutore dell’opera.

All’impulsività concitata e irruenta di Kline e di Pollock, in cui attraverso l’Action Painting venivano convogliate energie negative, aggressive quasi, si affiancò una visione più leggera, aperta alle sensazioni positive generate dal contatto con la natura e con panorami che facevano vibrare le corde interiori di Joan Mitchell, una delle più importanti rappresentanti femminili del gruppo dell’Espressionismo Astratto americano. L’Action Painting segnica con lei diveniva estensione di un ricordo, della poesia di un istante memorizzato attraverso la sensazione ricevuta, e le tonalità erano le uniche voci all’interno del mondo visivo dell’autrice; diversa e sicuramente appartenente all’altra modalità esecutiva dell’Espressionismo Astratto, il Color Field, fu Helen Frankenthaler, in cui le tonalità delicate, solari e orientate all’osservazione sorridente delle energie sottostanti alla realtà, erano stese a macchie di colore, campiture ampie in cui le gradazioni entravano in contrasto oppure in totale armonia consequenziale per infondere nell’osservatore quel senso di avvolgenza e di positività da cui non poteva fare a meno di sentirsi coinvolto. L’Espressionismo Astratto aprì di fatto la strada a un nuovo modo di fare arte, a un concetto inedito e totalmente personale su cui si basò tutta l’Arte Informale successiva, così come anche tutti i movimenti che da quel momento in avanti si svilupparono, tra cui quelli che avvertirono la necessità di introdurre la materia all’interno del mondo dell’indefinito. Dall’Arte Povera al Nouveau Réalisme, dall’Informale Materico alla Brut Art, il collage, le parole, gli oggetti d’uso quotidiano, i manifesti, tutto poteva far parte della tela che trovava così una via di comunicazione con l’esterno, sconfinando nella terza dimensione. L’artista britannica Daisy Parris mescola l’attitudine istintiva tipica dell’Espressionismo Astratto alla necessità di approfondire ciò che l’impulso comanda, introducendo così nelle sue tele la materia, che spesso fuoriesce completamente fino a divenire un prolungamento dell’opera stessa, tanto quanto le parole attraverso le quali sembra voler incidere le emozioni che l’hanno mossa a realizzare l’opera.

Dal punto di vista cromatico non si può non notare la vicinanza a Joan Mitchell e a Helen Frankenthaler, perché le tonalità scelte sono sempre delicate, tenui, quasi a voler sottolineare la poesia esistente in tutto ciò che appartiene alla vita, a un ricordo, o alla sensazione predominante nel momento in cui ha scelto il tema focale del dipinto; Daisy Parris mescola ritagli di tela, che costituiscono veri e propri inserti, voci silenziose che irrompono allo stesso modo in cui su un murales vengono incisi i messaggi dei writers, che vanno a completare, a fissare come un marchio indelebile, il concetto di partenza che l’ha mossa a dipingere e che, dopo la fase di liberazione emozionale, ha potuto esplicitarsi nella sua mente.

Le tracce colorate dell’autrice, istintive e simili a segni concitati dell’anima, ricordano lo stile di Joan Mitchell per quella tendenza ad arricchire i dipinti delle tonalità interne che non possono che rendere poetica l’interpretazione delle due pittrici, ma la personalizzazione della Parris è evidente dai piccoli riquadri cromatici che racchiudono l’essenza dell’opera stessa.

Sorriest Sorry evidenzia esattamente questa caratteristica, sottolineando quanto tutti i tipi di sensazioni, anche quelle amplificate e rese persino eccessive dalla percezione del singolo, possano avere anche un risvolto positivo, rasserenante, persino quando esaltate ed esagerate; questo forse è il motivo per cui le tonalità scelte da Daisy Parris sono così accattivanti, solari, sembra che dal gomitolo di emozioni definite dalle parole si sprigioni poco dopo una consapevolezza maggiore che spinge l’interiorità verso un’evoluzione, verso una risalita a cercare la luce, verso un miglioramento del sé. Il superlativo dei giochi di parole diviene pertanto un modo per sorridere e apprendere quanto l’eccesso sia in fondo una fase temporanea, un ponte per una maggiore comprensione della natura umana tanto quanto della propria.

Nel dipinto The Light invece, l’autrice si avvicina a una sottile figurazione perché avverte la necessità di mostrare, di esplicitare il benessere che chiunque può percepire quando entra in contatto con la natura, con il mondo floreale che infonde benessere non solo in virtù della magia dei suoi colori, ma anche per l’armonia olfattiva dei suoi profumi, determinando così un’elevazione dell’interiorità verso uno stato di grazia che la pone in perfetto equilibrio con il mondo che la circonda. I fiori stilizzati e appena accennati fuoriescono timidamente dalle linee dell’Informale di Daisy Parris diffondendo la loro luminosità a tutto l’ambiente circostante, quasi irradiassero la luce di cui parla il titolo e che dunque non si riferisce a quella naturale del sole, piuttosto a quella interiore di un animo che sa lasciarsi avvolgere dalla morbidezza e liricità di quel frammento di paesaggio davanti agli occhi.

A Storm The Night You Went svela un’altra delle caratteristiche dell’arte pittorica dell’autrice, quella di realizzare opere molto grandi, spesso divise in dittici o trittici, come se le sue emozioni non fossero contenibili all’interno dello spazio limitato di una sola tela e avessero bisogno di espandersi a riempire un’intera parete, perché in fondo l’anima, il sentire, non dovrebbe avere alcun limite. In questo dipinto la tempesta di cui accenna il titolo è un sottile dolore, mostra la nostalgia di un frangente che è rimasto inciso, con tutta la sua forza, nel cuore di Daisy Parris che nonostante la narrazione di un allontanamento, non riesce a cancellare i bei momenti condivisi prima della partenza della persona a cui l’opera è dedicata. I rosa e i lilla sottolineano la poeticità di quegli attimi, mentre il rosso mette in luce la passione così come anche la rabbia della consapevolezza di non poter impedire, a causa di circostanze esterne o per scelte personali, quella separazione.

No More Pain for You mostra un’atmosfera rilassante, soffice, quasi Daisy Parris volesse creare le condizioni attraverso le quali rassicurare l’altro, o la propria interiorità, quasi volesse costruire un nido, un rifugio in cui prendersi cura delle emozioni più profonde, quelle più intime che proprio per la loro delicatezza e fragilità hanno bisogno di essere maggiormente protette. I rosa tenui, i gialli e i verdi acqua hanno il compito di andare a sollecitare la percezione di sicurezza necessaria a non provare più dolore, quasi il titolo fosse una promessa e le parole incise sulla parte alta della tela costituissero il titolo di un nuovo capitolo della vita della persona a cui il dipinto è dedicato, o a se stessa.

Daisy Parris ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive nel Regno Unito, in Germania, negli USA, in Svezia, in Australia, in Cina, esposizioni personali a Londra, Lisbona, Parigi, Barcellona, Turku (Finlandia), Dallas, Los Angeles, New York e Vancouver; le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche e private ed è rappresentata dalla Sim Smith Gallery di Londra.

DAISY PARRIS-CONTATTI

Email: mail@sim-smith.com

Sito web: www.daisyparris.com/

Instagram: www.instagram.com/daisyparris/

Daisy Parris, between Abstract Expressionism and Arte Povera to evoke the power of words

Mixing artistic languages is the prerogative of all those interpreters who do not accept the limits imposed by the choice of belonging to a single world and therefore break the barriers and overflow into areas more in harmony with an essence that requires narrative impulse and immediacy as much as reflection, psychological insight, and intimate observation of their own spiritual essence, which emerges like an evocative echo from their canvases, emanating from the soul and enveloping the observer. Today’s protagonist combines the two extremes of her personality: the more spontaneous and almost unstoppable one that leads her to choose a completely formless language in which colours speak, and the more mental one that needs the concreteness of matter and the magnetic presence of words.

The decision to reconnect with subjectivity, with the intimacy of the creator of an artwork, in all that Abstract Art that had previously rejected any contamination of the plastic gesture by the author, emerged intensely and preponderantly in that delicate post-war period, around the mid-1950s, when European and American society was still reeling from the horrors it had witnessed until shortly before. Abstract Expressionism was therefore born as a movement that, on the one hand, wanted to continue, deepen, and even expand the concept of the total lack of reference to everyday reality as observed by the eye, but on the other hand, had to break away from the geometric rigidity of the abstract movements of the early decades of the century by introducing the total renunciation of any kind of form and opening the door to the universe of color as a narrative tool.

But the priority for the group founded by Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning and Arshile Gorky, the first nucleus of artists who struggled to be accepted in an art world still too reluctant to embrace such radical innovation, was the need to express emotions, sensations, anxieties, and even anguish on canvas, as if the latter were an extension of the artist’s inner self. The agitated and impetuous impulsiveness of Kline and Pollock, in which negative, almost aggressive energies were channelled through Action Painting, was accompanied by a lighter vision, open to the positive sensations generated by contact with nature and landscapes that made vibrate the inner chords of Joan Mitchell, one of the most important female representatives of the group of American Abstract Expressionism.

With her, Action Painting became an extension of a memory, of the poetry of a moment memorized through the sensation received, and the shades were the only voices within the author’s visual world; different and certainly belonging to the other executive mode of Abstract Expressionism, Color Field, was Helen Frankenthaler in which delicate, sunny shades oriented towards the smiling observation of the energies underlying reality were spread out in patches of color, large backgrounds in which the gradations contrasted or in total consequential harmony to instill in the observer that sense of envelopment and positivity from which he could not help but feel involved. Abstract Expressionism effectively paved the way for a new way of making art, a new and totally personal concept on which all subsequent Informal Art was based, as well as all the movements that developed from that moment onwards, including those that felt the need to introduce matter into the world of the undefined. From Arte Povera to Nouveau Réalisme, from Informal Art to Brut Art, collage, words, everyday objects, posters, everything could be part of the canvas, which thus found a way to communicate with the outside world, crossing over into the third dimension. British artist Daisy Parris mixes the instinctive attitude typical of Abstract Expressionism with the need to explore what the impulse commands, thus introducing matter into her canvases, which often spills out completely to become an extension of the work itself, as much as the words through which she seems to want to engrave the emotions that moved her to create the work.

From a chromatic point of view, one cannot fail to notice the similarity to Joan Mitchell and Helen Frankenthaler, because the shades chosen are always delicate, subtle, as if to emphasize the poetry that exists in everything that belongs to life, to a memory, or to the predominant feeling at the moment when she chose the focal theme of the painting. Daisy Parris mixes scraps of canvas, which constitute real inserts, silent voices that burst in the same way that graffiti artists’ messages are engraved on a mural, completing and fixing, like an indelible mark, the initial concept that moved her to paint and which, after the emotional release phase, it was able to express itself in her mind. The artist’s colorful traces, instinctive and similar to agitated signs of the soul, are reminiscent of Joan Mitchell‘s style in their tendency to enrich the paintings with internal shades that cannot fail to make the interpretation of the two painters poetic, but Parris‘ personalization is evident in the small chromatic squares that encapsulate the essence of the work itself.

Sorriest Sorry highlights this characteristic, emphasizing how all kinds of sensations, even those amplified and made excessive by the perception of the individual, can also have a positive, reassuring side, even when heightened and exaggerated. This is perhaps why the shades chosen by Daisy Parris are so captivating and sunny. It seems that from the ball of emotions defined by words, shortly afterwards is released a greater awareness, pushing the inner self towards evolution, towards a rise to seek the light, towards self-improvement. The superlative nature of wordplay thus becomes a way to smile and learn how excess is ultimately a temporary phase, a bridge to a greater understanding of human nature as well as one’s own. In the painting The Light, on the other hand, the artist approaches a subtle figuration because she feels the need to show, to make explicit the well-being that anyone can perceive when they come into contact with nature, with the floral world that instills well-being not only by virtue of the magic of its colors, but also through the olfactory harmony of its scents, thus elevating the inner self to a state of grace that places it in perfect balance with the world around it.

The stylized and barely hinted at flowers timidly emerge from the lines of Daisy Parris‘ Informal Art, spreading their luminosity to the entire surrounding environment, as if they were radiating the light referred to in the title, which therefore does not refer to the natural light of the sun, but rather to the inner light of a soul that knows how to let itself be enveloped by the softness and lyricism of that fragment of landscape before its eyes. A Storm the Night You Went reveals another characteristic of the artist’s pictorial art, that of creating very large paintings, often divided into diptychs or triptychs, as if her emotions could not be contained within the limited space of a single canvas and needed to expand to fill an entire wall, because, after all, the soul, the feelings, should have no limits. In this painting, the storm referred to in the title is a subtle pain, showing the nostalgia for a moment that has remained engraved, with all its force, in the heart of Daisy Parris who, despite the narrative of a separation, cannot erase the beautiful moments shared before the departure of the person to whom the work is dedicated.

The pinks and lilacs emphasize the poetry of those moments, while the red highlights the passion as well as the anger of knowing that, due to external circumstances or personal choices, that separation cannot be prevented. No More Pain for You conveys a relaxing, soft atmosphere, as if Daisy Parris wanted to create the conditions to reassure the other person, or her own inner self, as if she wanted to build a nest, a refuge in which to take care of the deepest, most intimate emotions, which, precisely because of their delicacy and fragility, need to be protected even more. The soft pinks, yellows, and aqua greens serve to stimulate the sense of security necessary to no longer feel pain, as if the title were a promise and the words engraved at the top of the canvas were the title of a new chapter in the life of the person to whom the painting is dedicated, or to herself. Daisy Parris has participated in group exhibitions in the United Kingdom, Germany, the United States, Sweden, Australia, and China, as well as solo exhibitions in London, Lisbon, Paris, Barcelona, Turku (Finland), Dallas, Los Angeles, New York, and Vancouver. Her works are included in public and private collections, and she is represented by the Sim Smith Gallery in London.