Dialogo tra Futurismo, Espressionismo e Surrealismo nelle visioni oniriche di Eleonora Rossi

Tutto ciò che non può essere colto con lo sguardo deve necessariamente essere osservato attraverso l’intuizione interiore, quella linea di coscienza inconsapevole in grado di emergere solo quando l’essere umano in generale, e l’artista in particolare, riesce a distaccarsi dal pragmatismo e dalla contingenza per immaginare dimensioni in cui l’anima possa scoprire tutto ciò che esiste sotto al velo del visibile. Per compiere questo tipo di percorso espressivo, per molti autori è necessario scegliere uno stile attraverso il quale rinunciare e distaccarsi dal legame con la realtà per tendere verso possibilità narrative differenti, in cui l’incognito emerge proprio grazie a quell’allontamamento da tutto ciò che lo sguardo potrebbe cogliere quotidianamente intorno a sé e avvicinarsi ai simboli, alle figure non figure che ricostituiscono i frammenti di cui quella realtà parallella si compone fino a trovare una forma che abbia un senso per l’approccio onirico che svela alla mente l’inconoscibile. Eleonora Rossi nella sua nuova produzione pittorica compie esattamente questo tipo di cammino espressivo, mescolando insieme e personalizzando, stili pittorici che hanno segnato un solco importante nell’arte del secolo scorso.

Gli inizi del Novecento furono contraddistinti da innovazioni espressive che attingevano alle sperimentazioni e alle intuizioni della seconda metà del secolo precedente, in particolar modo furono due le tendenze che trovarono maggiore sviluppo: il tema della scomposizione dell’immagine che fu la caratteristica principale dell’Impressionismo, e quella dell’interazione tra soggetto e ambiente circostante che fu la marcatura più importante del Simbolismo. Le correnti di inizio Ventesimo secolo nacquero dunque come enfatizzazione, estremizzazione e sviluppo di quelle intuizioni; il Futurismo diede una versione accentuata della scomposizione introducendo la geometria per frammentare le immagini al fine di infondere il senso di velocità, di progresso e di ottimismo verso il domani tipico del movimento. Anche il Cubismo di fatto si pose come sviluppatore delle teorie di suddivisione del visibile dove però l’intento era più scientifico e analitico che non emozionale, mettendo in luce il concetto del tempo, della contemporaneità di osservazione di tutta la realtà trasponendola su un unico piano bidimensionale. Le teorie del Simbolismo furono invece approfondite nel loro lato più estremo, misterioso e onirico, dal Surrealismo che studiò tutta la parte dell’inconscio, ispirandosi anche agli studi sulla psicanalisi di Sigmund Freud; tutta la simbologia nascosta esortava l’essere umano di inizio secolo a porsi in ascolto della propria mente, delle sue paure, degli incubi e dell’inquietudine appartenenti ai frammenti di verità colti nella fase di veglia ma poi elaborati e riaffioranti nella fase del sonno. I fantasmi e i mondi paralleli di Salvador Dalì non erano che proiezioni del subsconscio liberati nell’arte. L’accezione più umanista del Simbolismo fu invece il punto di partenza dell’ascolto e della rappresentazione interiore compiuta dall’Espressionismo che rivoluzionò le teorie del colore, necessariamente legato alle emozioni, e anche della figurazione poiché rinunciò all’estetica e alla perfezione narrativa pur di lasciar emergere quel mondo intimo e nascosto all’esterno e l’interpretazione soggettiva tanto a lungo ignorata dagli stili artistici precedenti. In quel periodo storico l’appartenenza a movimenti era essenziale per inquadrare un artista, per marcare le linee guida e far sì che venissero accettate dai salotti culturali dell’epoca, ma anche per causare quello scontro ideologico e creativo che si verficava tra gli appartenenti alle diverse correnti.

Nella contemporaneità quella necessità di riconoscimento, di aderenza assoluta a schemi e regole si è persa all’interno di un’indipendenza espressiva emersa proprio grazie alle esperienze del passato e alla scelta di mescolare liberamente caratteristiche diverse per dare vita a linguaggi più personali e affini all’indole creativa di ciascun autore. Eleonora Rossi attinge a ciascuna delle correnti pittoriche finora citate, Futurismo, Surrealismo ed Espressionismo, generando un approccio narrativo in cui le sensazioni, le emozioni e una lieve e delicata figurazione, escono da una dimensione in cui la suddivisione dell’immagine, degli sfondi ma anche di alcuni dettagli, è funzionale a trasportare verso il sogno, verso un universo parallelo in cui la definizione, il riferimento alla realtà è completamente dissolto perché altrimenti non sarebbe possibile ascoltare le emozioni e le connessioni più profonde.

La geometricità, a volte più schematica altre più morbida, serve a infondere nell’osservatore quel senso di interconnessione non solo tra tutti i frammenti di emozioni che ruotano all’interno della propria anima e che emergono nel momento in cui ci si pone in ascolto di essa, ma anche tra gli individui, quegli esseri umani apparentemente divisi ma in fondo appartenenti alla stessa emozionalità, allo stesso sentire che li rende appunto, umani.

La gamma cromatica è delicata ma vivace, proprio per sottolineare il forte legame delle sue tele con la sfera della sensazione, dell’introspezione che ricongiunge l’anima alla mente, come se la seconda fosse solo una proiezione della prima e non la sua gabbia come invece avviene nella quotidianità.

Nelle opere di Eleonora Rossi tutto è lasciato fluire liberamente, corpo, testa e anima galleggiano all’interno di uno spazio fatto di evocazioni, di simboli che rappresentano la necessità di perdersi per poi ritrovarsi grazie a una ricomposizione scomposta dove la luce prevale sull’ombra perché l’elevarsi comporta la possibilità di abbandonare i limiti e le cupezze della contingenza. Il Surrealismo si rivela con la presenza di occhi nascosti nelle composizioni, come appartenessero a quell’interiorità che tutto percepisce ben oltre i confini della realtà.

L’opera Architetture dell’anima esprime al massimo questo concetto e l’approccio pittorico di Eleonora Rossi, che riprende ma attualizza e adegua alla sua poetica espressiva, le deformazioni spaziali e gli scenari impossibili di Mauritius Cornelius Escher, come se l’autrice suggerisse che nello spazio interiore gli oggetti, le strutture, non hanno un senso se non quello legato all’emozionalità. Contrariamente al maestro olandese però, qui il dipinto perde l’accezione misteriosa e quasi disturbante per tendere verso la coscienza di trovarsi dentro un mondo meditativo e allegorico dove ogni accenno di scala, ogni salita e ogni porta conducono verso l’evoluzione interiore che arricchiscono l’anima a cui si riferisce il titolo.

In Pour l’amour si manifesta un’altra delle caratteristiche di Eleonora Rossi, quella di introdurre la parola all’interno della tela, quasi a voler creare un collegamento tra l’istinto che coglie l’immagine nell’immediatezza, e il secondo livello di coscienza, quello della scrittura attraverso cui alcuni pensieri hanno bisogno di trovare una loro concretezza, quasi fossero un promemoria essenziale dell’esistenza, un mantra necessario a non perdere la connessione con il lato più sensibile e romantico. Non solo, qui si rivela anche l’immagine di una donna, miniaturizzata rispetto all’eco immenso delle emozioni generate dal sentimento più alto che sembra volersi espandere in tutto l’intorno che caratterizza la parte più preponderante della tela; il volto è in stile Espressionista e in qualche modo ricorda le donne stilizzate e distanti di Amedeo Modigliani che tuttavia nel dipinto di Eleonora Rossi si trasforma in emblema di ricerca e di aspettativa di ciò che sfugge, ciò che non può essere afferrato malgrado il sogno e il desiderio che esso sopraggiunga a cambiare il senso stesso della vita. L’atmosfera infatti è morbida, soffusa, e le figure che emergono enfatizzano l’impressione di sospensione.

Il dipinto L’inconscio mostra caratteristiche più tipicamente futuriste, la scomposizione tende verso l’astrazione proprio perché l’universo più profondo dell’essere umano, quello che fa fatica spesso a rivelarsi, non vuole avere alcun tipo di riferimento concreto e visivo, viaggia su un binario parallelo ma mai convergente a quello della logica. Eppure in questa opera non esistono le inquietudini e gli eccessi portati alla luce dal Surrealismo, qui piuttosto si intravede il senso di liberazione di un’anima che può volare alto lasciando fuoriuscire i suoi veri colori, quelli che esprimono serenità, gioia, passione, intensità, proprio perché anche ciò che rimane nascosto all’interno del sé, a volte ha semplicemente bisogno di essere ascoltato in tutte le sue sfaccettature. La frammentazione caleidoscopica mette l’accento su quante siano le sensazioni, i pensieri, le riflessioni che sopraggiungono e convivono in un caos funzionale a infondere vitalità e forza emanativa in virtù della quale si definisce il carattere di ciascun individuo.

Eleonora Rossi, la cui pittura attuale è a sua volta un’enfatizzazione dello stile precedente riconducibile alla framentazione dell’Impressionismo, ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive su tutto il territorio nazionale ed è tra gli artisti selezionati per la Biennale di Milano.

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Dialogue between Futurism, Expressionism, and Surrealism in Eleonora Rossi’s dreamlike visions

Everything that cannot be grasped with the eye must necessarily be observed through inner intuition, that line of unconscious awareness that can only emerge when human being in general, and artists in particular, manage to detach himself from pragmatism and contingency in order to imagine dimensions in which the soul can discover everything that exists beneath the veil of the visible. To achieve this type of expressive journey, many authors find it necessary to choose a style through which they can renounce and detach themselves from their connection with reality in order to strive towards different narrative possibilities, in which the unknown emerges precisely thanks to this distancing from everything that the gaze might perceive around it on a daily basis and drawing closer to symbols, to the figures that are not figures that reconstitute the fragments of which that parallel reality is composed until finding a form that makes sense for the dreamlike approach that reveals the unknowable to the mind. Eleonora Rossi, in her new pictorial production, follows precisely this type of expressive path, mixing together and personalizing pictorial styles that have left an important mark on the art of the last century.

The early 20th century was marked by expressive innovations that drew on the experiments and insights of the second half of the previous century, particularly were two the trends which saw significant development: the theme of image decomposition, which was the main characteristic of Impressionism, and that of the interaction between the subject and the surrounding environment, which was the most important feature of Symbolism. The currents of the early 20th century thus arose as an emphasis, extreme expression, and development of those intuitions; Futurism gave an accentuated version of decomposition, introducing geometry to fragment images in order to instill the sense of speed, progress, and optimism toward the tomorrow that was typical of the movement. Cubism too developed theories of the subdivision of the visible, but its intent was more scientific and analytical than emotional, highlighting the concept of time and the contemporaneity of observation of all reality by transposing it onto a single two-dimensional plane.

The theories of Symbolism were explored in their most extreme, mysterious, and dreamlike form by Surrealism, which studied the unconscious, drawing inspiration from Sigmund Freud’s studies on psychoanalysis; all the hidden symbolism urged people at the beginning of the century to listen to their minds, their fears, nightmares, and anxieties belonging to fragments of truth grasped while awake but then processed and resurfacing during sleep phase. Salvador Dalí‘s ghosts and parallel worlds were nothing more than projections of the subconscious liberated in art. The more humanistic meaning of Symbolism was, instead, the starting point for the listening and inner representation accomplished by Expressionism, which revolutionized theories of color, necessarily linked to emotions, and also of figuration, as it renounced aesthetics and narrative perfection in order to allow to emerge that intimate world hidden from the outside, along with the subjective interpretation that had been ignored for so long by previous artistic styles.

In that historical period, belonging to movements was essential for framing an artist, for marking guidelines and ensuring that they were accepted by the cultural salons of the time, but also for causing the ideological and creative clash that occurred between members of different currents. In contemporary times, that need for recognition and absolute adherence to patterns and rules has been lost within an expressive independence that has emerged precisely thanks to the experiences of the past and the choice to freely mix different characteristics to give life to more personal languages akin to the creative nature of each author. Eleonora Rossi draws on each of the pictorial currents mentioned above, Futurism, Surrealism, and Expressionism, generating a narrative approach in which sensations, emotions, and a light and delicate figuration emerge from a dimension in which the subdivision of the image, the backgrounds, but also some details, serve to transport the viewer towards a dream, towards a parallel universe in which definition and reference to reality are completely dissolved, because otherwise it would not be possible to hear the deepest emotions and connections.

The geometricity, sometimes more schematic, sometimes softer, serves to instill in the observer that sense of interconnection not only between all the fragments of emotions that revolve within one’s soul and emerge when listening to it, but also between individuals, those human beings who are apparently divided but who ultimately belong to the same emotionality, to the same feeling that makes them precisely human. The color range is delicate but lively just to emphasize the strong link between her canvases and the sphere of sensation, of introspection that reconnects the soul to the mind, as if the latter were only a projection of the former and not its cage, as is the case in everyday life. In Eleonora Rossi‘s artworks, everything is left to flow freely, body, mind, and soul float within a space made up of evocations and symbols that represent the need to lose oneself in order to find again thanks to a decomposed recomposition where light prevails over shadow because rising up involves the possibility of abandoning the limits and gloom of contingency. Surrealism reveals with the presence of hidden eyes in the compositions, as if they belonged to that inner self that perceives everything far beyond the boundaries of reality. The work Architetture dell’anima (Architectures of the Soul) expresses this concept and Eleonora Rossi‘s pictorial approach to the fullest, taking up, but updating and adapting to her own expressive poetics, the spatial deformations and impossible scenarios of Mauritius Cornelius Escher, as if the author were suggesting that in interior space, objects and structures have no meaning other than that linked to emotion. Unlike the Dutch master, however, here the painting loses its mysterious and almost disturbing meaning, tending towards the awareness of being inside a meditative and allegorical world where every hint of a staircase, every climb, and every door leads to the inner evolution that enriches the soul referred to in the title. In Pour l’amour is showed another of Eleonora Rossi‘s characteristics, that of introducing words into her canvases, as if to create a link between the instinct that captures the image in its immediacy and the second level of consciousness, that of writing, through which certain thoughts need to find their concreteness, as if they were an essential reminder of existence, a mantra necessary to avoid losing connection with the more sensitive and romantic side.

Not only that, but here is revealed the image of a woman, miniaturized in comparison to the immense echo of emotions generated by the highest feeling that seems to want to expand throughout the surroundings that characterize the most predominant part of the canvas; the face is in Expressionist style and somehow reminiscent of the stylized and distant women of Amedeo Modigliani, who however in Eleonora Rossi‘s painting is transformed into an emblem of the search for and expectation of what escapes, what cannot be grasped despite the dream and desire that it will come to change the very meaning of life. The atmosphere is in fact soft, suffused, and the figures that emerge emphasize the impression of suspension. The painting L’inconscio (The Unconscious) displays more typically Futurist characteristics, with its decomposition tending towards abstraction precisely because the deepest universe of the human being, which often struggles to reveal itself, does not want to have any kind of concrete and visual reference, traveling on a parallel track that never converges with that of logic.

Yet in this work there are none of the anxieties and excesses brought to light by Surrealism, here instead we glimpse the sense of liberation of a soul that can fly high letting emerge its true colors, those that express serenity, joy, passion, intensity, precisely because even what remains hidden within the self, sometimes simply needs to be listened to in all its facets. The kaleidoscopic fragmentation emphasizes the many sensations, thoughts, and reflections that arise and coexist in a chaos that serves to instill vitality and emanative force, by virtue of which is defined the character of each individual. Eleonora Rossi, whose current painting is in turn an emphasis on her previous style which can be traced back to the fragmentation of Impressionism, has participated in group exhibitions throughout Italy and is among the artists selected for the Milan Biennale.