Evocazioni tra sogno e realtà della memoria del Mozambico nell’Espressionismo di Cassi Namoda

La pittura spesso si pone come mezzo per oltrepassare le barriere culturali, da un lato, e per creare un ponte ideale tra ciò che appartiene al quotidiano, al vissuto che si fissa sul ricordo emozionale dando vita a una dimensione fantastica e al contempo familiare, e una dimensione irreale e sognante, come se il confine tra immaginato e sperimentato fosse in una terra di mezzo soffusa e sospesa nel tempo. Lo stile più affine a tratteggiare questo tipo di atmosfere è indubbiamente quello figurativo poiché consente all’artista di attrarre lo sguardo attraverso immagini riconoscibili per poi condurre l’osservatore nel sottostrato significante che emerge solo dopo essersi soffermato sull’apparenza della superficie. La protagonista di oggi mette in luce entrambi gli aspetti di questa doppia valenza dell’espressione pittorica, fungendo così da linea di congiunzione tra una cultura lontana e la consapevolezza che le emozioni e i sogni sono analoghi in tutti gli esseri umani, a qualsiasi etnia appartengano.

L’Arte Africana è stata completamente ignorata, nel senso di inconosciuta, dall’Occidente e dunque completamente esclusa dai salotti e dai percorsi culturali, fino alla fine dell’Ottocento, quando cioè la maggiore facilità nei viaggi rese possibile l’esplorazione da parte di alcuni autori del fascino delle iconografie delle maschere africane dando origine così al Primitivismo che ispirò figurativamente il Cubismo, l’Espressionismo, i Fauves e in alcuni casi anche il Futurismo. Ciò che fu messo in evidenza soprattutto da Pablo Picasso e da Amedeo Modigliani, era l’aspetto oggettivo e spirituale dei volti suggestivi che attingevano alla religione politeista appartenente a un continente tanto vicino all’Europa eppure tanto lontano dal punto di vista della cultura e delle abitudini.

La scoperta e l’unione tra stili artistici occidentali e quel senso di esotico fornito dall’approfondimento della conoscenza dell’arte cosiddetta primitiva, indusse alcuni autori ad assorbire nella loro produzione pittorica e scultorea, simboli e abitudini fino a farli diventare centrali e identificativi del loro stile e della loro narrazione; tra gli autori che più di tutti dedicarono opere intere a descrivere la vita indigena in tutta la sua immediatezza e spontaneità vi furono il tedesco Ernst Ludwig Kirchner e il danese Emil Nolde i quali, sebbene in modi differenti, vollero mostrare al proprio pubblico una realtà distante e opposta a quella vissuta in Europa.

Mentre Nolde trasforma l’osservazione e la riproduzione delle ambientazioni e iconografie primitive in una dimensione ideale e pura in quanto priva delle ipocrisie e decadenze di un continente, l’Europa, che stava correndo velocemente verso il primo conflitto mondiale, Kirchner osservava invece il lato selvaggio, la libertà di costumi che divennero una fuga utopica dalla depressione che accompagnava la sua quotidianità a partire dal ritorno dal fronte. Entrambi questi autori cercarono di mettere in evidenza la quotidianità dei popoli africani, tanto quanto Paul Gauguin fece con la cultura polinesiana in cui scelse di immergersi trasferendosi lì per tutta la seconda metà della sua esistenza.

Non trascurabile è anche l’influenza che ebbero le radici africane nelle opere graffianti e incisive dal punto di vista visivo di Jean-Michel Basquiat che sebbene avesse un approccio meno figurativo e più criptico in quanto legato alle sue più istintive sensazioni, utilizzò i segni e le evocazioni grafiche del suo popolo di origine per dare vita a uno stile distintivo e violentemente unico. L’artista Cassi Namoda, originaria del Mozambico e dunque dell’Africa Orientale, elabora nella contemporaneità un linguaggio narrativo dove la tradizione del suo paese incontra l’Espressionismo utilizzato per rappresentare scene familiari eppure sospese tra memoria e desiderio di ritrovare un’immediatezza e una spontaneità quasi sognanti, quasi Naïf nella loro semplicità; le narrazioni appartengono alla vita delle strade, a momenti rubati con lo sguardo ma che di fatto appartengono allo scrigno emotivo dell’autrice e che si manifestano all’osservatore come fossero una fiaba proprio per il suo farne emergere le atmosfere serene e genuine.

La gamma cromatica è vivace e innaturalmente intensa ma al contempo paradossalmente reale perché in Africa tutti i colori sembrano amplificati dai contrasti della terra, dal desiderio delle persone di mantenere viva la personalità e la vitalità che si respira a ogni angolo del meraviglioso paese che abitano.

Lo stile pittorico che contraddistingue Cassi Namoda è l’Espressionismo poiché è solo attraverso una rappresentazione semplice e quasi fanciullesca che è possibile raccontare la semplicità esistenziale di una nazione che non conosce, non ancora, le complicazioni e lo stress della civiltà occidentale; l’immediatezza del tratto dell’autrice è dunque funzionale a sottolineare quanto il ritmo del Mozambico, e dell’Africa in generale, sia diverso, più orientato a godere appieno di ogni istante piuttosto che correre verso obiettivi sempre più lontani e più alti generando così negli individui un’insoddisfazione costante che sembra non riuscire mai ad appagarsi.

Nel mondo ritratto da Cassi Namoda i protagonisti non conoscono l’individualismo, vivono secondo le regole di una comunità che non lascia nessuno indietro, che non si pone come luogo in cui guardarsi le spalle, piuttosto ciascun personaggio appare concentrato solo su un sentire generato dalle circostanze ma attorniato dalla certezza di non doversi difendere o proteggere dall’esterno.

L’opera Pippyhouldsworta, long windy path with family and friends in Namacurra infonde nell’osservatore proprio la sensazione appena descritta; nonostante la strada lunga e solitaria infatti, i personaggi non sembrano percepire una sensazione di pericolo, tutt’altro, camminano tranquillamente certi di essere protetti all’interno di quel vuoto circostante che parte e arriva in un non-luogo, a metà tra sogno e realtà, tra ricordo e memoria di un’esperienza lontana eppure incredibilmente ancora viva nella mente di Cassi Namoda. L’impalpabilità dell’atmosfera viene enfatizzata dai colori tenui e sfumati e dalla completa mancanza della linea dell’orizzonte, quasi la scena appartenesse a un rasserenante e delicato sogno dentro cui potersi immergere.

Ritual prayer in Ibo island mostra invece un momento di aggregazione, una circostanza in cui i protagonisti si apprestano a condividere un evento importante nella vita societaria, quello cioè della preghiera che diviene anche un’occasione per incontrarsi, per sedersi e raccontarsi impressioni, sensazioni, speranze e desideri affidandole a un’entità superiore, sia essa un Dio cristiano o uno musulmano oppure una delle divinità animiste non importa, ciò che conta è avere fede e credere che un supporto divino possa giungere se richiesto con un cuore sincero e aperto. Qui Cassi Namoda lascia emergere la vivacità dei colori del suo paese, quelli che contraddistinguono gli abiti delle donne, il tappeto che sta per essere poggiato a terra per arricchire di bellezza cromatica il giallo del terreno e l’azzurro intenso ma velato di un cielo costretto a contrastare il calore di quelle latitudini. La sensazione che riceve l’osservatore dell’opera è quella di trovarsi davanti a un momento di festa, un evento atteso a cui tutti i personaggi sembrano non vedere l’ora di poter partecipare, quasi fosse una circostanza emblematica e centrale della vita del villaggio.

Nella tela Sleeping man in Maxixe, l’autrice racconta il ritmo lento, la tranquillità nel lasciarsi andare anche a un momento di sonno dell’uomo al centro della scena, forse il proprietario del locale o comunque dello stand dove si trovano dei prodotti in vendita, mostrando, ancora una volta, quanto poco difensivo sia l’atteggiamento delle persone, come se sapessero di non dover temere nulla grazie a quel senso di collettività fondamentale a sentirsi al sicuro e senza doversi guardare le spalle da niente e da nessuno, perché niente potrà mai accadere. La birra e il panino che l’uomo tiene tra le mani sono in bilico eppure non appaiono a rischio di cadere, come se in qualche modo la veglia fosse sempre presente, più che altro per accogliere un eventuale cliente che sopraggiungerà ad acquistare uno dei prodotti esposti; la calma e il fermo immagine del dipinto sottolineano la dimensione sognante con cui Cassi Namoda avvolge le opere come se l’evocazione non potesse mai essere scissa dalla rappresentazione pittorica, come se la magia dovesse necessariamente appartenere all’angolo di mondo dove è nata ma che poi ha abbandonato per seguire e costruire la sua professione di artista.

Cassi Namoda ha al suo attivo mostre personali a Città del Capo, Johannesburg, Londra e Detroit e la partecipazione a collettive ad Anversa, Città del Capo e le sue opere fanno parte del Pérez Art Museum di Miami, Baltimore Museum of Art di Baltimora, il MACAAL di Marrakech e The Studio Museum a New York.

CASSI NAMODA-CONTATTI

Sito web: www.goodman-gallery.com/artists/cassi-namoda

Instagram: www.instagram.com/cas_amandaa/

Evocations between dream and reality of Mozambique’s memory in Expressionism by Cassi Namoda

Painting often acts as a means of overcoming cultural barriers, on the one hand, and on the other creating an ideal bridge between everyday life and experiences that are fixed in emotional memory, giving rise to a dimension that is both fantastical and familiar, and an unreal, dreamlike dimension, as if the boundary between the imagined and the experienced were in a middle ground, suffused and suspended in time. The style most suited to depicting this type of atmosphere is undoubtedly figurative, as it allows the artist to attract the viewer’s gaze through recognizable images and then lead them into the underlying meaning that emerges only after they have lingered on the surface appearance. Today’s protagonist highlights both aspects of this dual value of pictorial expression, thus acting as a link between a distant culture and the awareness that emotions and dreams are similar in all human beings, regardless of their ethnicity.

African art was completely ignored, in the sense of being unknown, by the West and therefore completely excluded from salons and cultural circles until the end of the 19th century, when easier travel made it possible for some artists to explore the fascination of African mask iconography, thus giving rise to Primitivism, which figuratively inspired Cubism, Expressionism, the Fauves, and in some cases even Futurism. What was highlighted above all by Pablo Picasso and Amedeo Modigliani was the objective and spiritual aspect of the evocative faces that drew on the polytheistic religion belonging to a continent so close to Europe and yet so distant in terms of culture and customs. The discovery and union between Western artistic styles and that sense of the exotic provided by a deeper understanding of so-called primitive art led some artists to absorb symbols and customs into their paintings and sculptures, to the point that they became central and identifying features of their style and narrative. Among the artists who devoted entire works to describing indigenous life in all its immediacy and spontaneity were the German Ernst Ludwig Kirchner and the Danish Emil Nolde who, albeit in different ways, wanted to show their audience a reality that was distant and opposite to that experienced in Europe. While Nolde transformed the observation and reproduction of primitive settings and iconography into an ideal and pure dimension, free from the hypocrisy and decadence of a continent, Europe, which was rapidly heading towards the First World War, Kirchner observed the wild side, the freedom of customs that became a utopian escape from the depression that accompanied his daily life after returning from the front line of the war.

Both of these artists sought to highlight the daily life of African peoples, just as Paul Gauguin did with Polynesian culture, which he chose to immerse himself in by moving there for the second half of his life. Also noteworthy is the influence that African roots had on the visually striking and incisive works of Jean-Michel Basquiat, who, although he had a less figurative and more cryptic approach linked to his most instinctive feelings, used the signs and graphic evocations of his people of origin to create a distinctive and violently unique style. The artist Cassi Namoda, originally from Mozambique and therefore from East Africa, develops a contemporary narrative language where the tradition of her country meets Expressionism, used to represent familiar scenes that are nevertheless suspended between memory and the desire to rediscover an immediacy and spontaneity that are almost dreamlike, almostNaïf in their simplicity; he narratives belong to street life, moments stolen with a glance but which in fact belong to the author’s emotional treasure chest and which appear to the observer as if they were a fairy tale, precisely because of the way she brings out their serene and genuine atmospheres. The color palette is vibrant and unnaturally intense, yet paradoxically real, because in Africa all colors seem amplified by the contrasts of the earth and by the desire of the people to keep alive the personality and vitality that can be felt in every corner of the wonderful country they inhabit.

The pictorial style that distinguishes Cassi Namoda is Expressionism, because it is only through a simple, almost childlike representation that it is possible to convey the existential simplicity of a nation that does not yet know the complications and stress of Western civilization; the immediacy of the author’s style therefore serves to emphasize how different the rhythm of Mozambique, and Africa in general, is, more oriented towards enjoying every moment to the full rather than rushing towards ever more distant and lofty goals, thus generating in individuals a constant dissatisfaction that never seems to be satisfied. In the world portrayed by Cassi Namoda, the protagonists do not know individualism, hey live according to the rules of a community that leaves no one behind, that does not require them to watch their backs, rather each character appears focused solely on a feeling generated by circumstances but surrounded by the certainty that they do not need to defend or protect themselves from the outside world. The work Pippyhouldsworta, long windy path with family and friends in Namacurra instills in the observer precisely the feeling just described, despite the long and lonely road, the characters do not seem to perceive a sense of danger, on the contrary, they walk calmly, certain that they are protected within that surrounding void that starts and ends in a non-place, halfway between dream and reality, between memory and recollection of a distant experience that is still incredibly alive in Cassi Namoda‘s mind.

The intangibility of the atmosphere is emphasized by the soft, muted colors and the complete absence of the horizon line, as if the scene belonged to a soothing and delicate dream in which one could immerse oneself. Ritual prayer in Ibo Island shows instead a moment of gathering, a circumstance in which the protagonists prepare to share an important event in social life, namely prayer, which also becomes an opportunity to meet, sit down, and share impressions, feelings, hopes, and desires, entrusting them to a higher entity, be it a Christian or Muslim God or one of the animist deities it does not matter; what matters is to have faith and believe that divine support can come if requested with a sincere and open heart. Here Cassi Namoda brings out the vivid colors of her country, those that distinguish the women’s clothes, the carpet that is about to be laid on the ground to enrich the yellow of the soil with chromatic beauty, and the intense but veiled blue of a sky forced to contrast the heat of those latitudes. The sensation that the observer of the work receives is that of being in front of a moment of celebration, an eagerly awaited event that all the characters seem to be looking forward to participating in, as if it were an emblematic and central circumstance in the life of the village.

In the painting Sleeping Man in Maxixe, the artist depicts the slow pace and tranquility of letting go, even allowing to fall asleep the man at the center of the scene, perhaps the owner of the premises or, in any case, of the stand where the products are on sale, showing, once again, how little defensiveness there is in people’s attitudes, as if they knew they had nothing to fear thanks to that sense of community that is fundamental to feeling safe and not having to watch their backs for anything or anyone, because nothing could ever happen. The beer and sandwich that the man is holding in his hands are precarious, yet they do not appear to be at risk of falling, as if somehow vigilance were always present, more than anything else to welcome any customers who might come along to buy one of the products on display; the calm and still image of the painting underline the dreamlike dimension with which Cassi Namoda envelops her artworks, as if the evocation could never be separated from the pictorial representation, as if magic necessarily belonged to the corner of the world where she was born but which she then abandoned to pursue and build her career as an artist. Cassi Namoda has had solo exhibitions in Cape Town, Johannesburg, London, and Detroit, has participated in group exhibitions in Antwerp and Cape Town and her works are part of the Pérez Art Museum in Miami, the Baltimore Museum of Art in Baltimore, the MACAAL in Marrakech, and The Studio Museum in New York.