Il fascino retrò della pittura al vino rosso del Realismo di Marina Tomašević

A volte l’arte si manifesta in maniera estesa, conquista l’animo di chi ha la predisposizione a farsi voce e interprete delle emozioni che percepisce intorno a sé attraverso una capacità comunicativa appartenente solo a pochi, e si sviluppa parallelamente con linguaggi differenti ma sempre intensi perché parte della loro indole espressiva. Questo è il caso particolare del binomio arte visiva e musica, molto frequentemente unite nello stile di autori che trasformano le parole di una canzone o le note musicali di uno strumento in immagini piene di poesia, di approfondimento e di intensità emozionale che vive di un ritmo fatto di silenzio eppure in grado di propagare ugualmente il suo eco narrativo.

La protagonista di oggi mostra nelle sue opere un’accurata ricerca di originalità, in virtù dell’utilizzo di un materiale di realizzazione insolito, e anche l’esigenza di entrare in contatto attraverso la tecnica artistica con la sua energia spirituale, quella dimensione inconscia dentro cui perdersi che si trasforma in connessione con tutto ciò che non può essere colto dallo sguardo.

Nella storia dell’arte di ogni tempo il vino ha sempre esercitato un fascino speciale sugli artisti poiché spesso era attribuita a questa sostanza una valenza sacrale, a volte curativa altre divina, come nelle rappresentazioni degli antichi egizi ma anche, e soprattutto, dei greci che per la prima volta legarono l’estratto di uva al culto di Dioniso. Nelle anfore abbondavano decorazioni dedicate alla divinità gaudente, tradotta dai romani con la personalità festaiola di Bacco divenuto successivamente protagonista delle opere dei grandi autori protagonisti dei secoli successivi e che si fecero ispirare proprio dalla mitologia greca e romana per dare vita ai loro capolavori. Michelangelo, Tiziano, Caravaggio, Velázquez dedicarono molti dipinti al dio del vino, sottolineando la celebrazione che l’arte intendeva dedicare all’edonismo e all’aristocraticità di uno dei nettari prediletti della nobiltà, primi fra tutti i Medici di Firenze, grandi mecenati e committenti di tele e affreschi.

Andando avanti con l’evoluzione dell’arte si susseguirono punti di vista diversi, l’interpretazione degli autori moderni di inizio Novecento non era più legata alle divinità e ai temi religiosi bensì il vino divenne sinonimo di piacevolezza della vita, si collegò in maniera più profonda alla riflessione, alla meditazione, all’introspezione e al sentire intimo dell’esecutore di un’opera, svelandone l’anima più nascosta. Nelle nature morte di Claude Monet apparivano spesso bottiglie o calici di vino; Joan Mirò nel suo Surrealismo Astrattista scelse di dedicargli una tela; e infine la Metafisica del grande artista italiano Giorgio Morandi che trasformò le bottiglie in protagoniste assolute della sua produzione pittorica, simboli di uno sguardo nostalgico verso oggetti familiari e rassicuranti dentro cui la sua interiorità aveva bisogno di soffermarsi, producendo atmosfere silenziose e suggestive.

Nell’epoca contemporanea il legame dell’arte con il vino ha avuto però un’insolita evoluzione inducendo alcuni interpreti a connettersi a esso in maniera più indelebile trovando il modo di trasformare il nettare in vero e proprio mezzo espressivo sostituendolo ai tradizionali colori per sfruttarne il fascino sfumato, la sua ossidazione a contatto con l’aria, la leggerezza ariosa che si concretizza sulla carta o sulla tela, sulla base della scelta personale dei pionieri che scelgono questo mezzo pittorico, e l’atmosfera delicata che sa infondere alle scene raccontate. Nella maggior parte dei casi questo studio approfondito sulle reazioni cromatiche dei vari vini rimane fortemente connessa all’immagine, al visibile, proprio per consentire agli artisti che si avvicinano a questo particolare stile esecutivo di concentrare l’attenzione del fruitore sul fascino generato dalla sostanza nell’incontro con la tela o con la carta.

Proprio quest’ultimo supporto viene scelto dall’artista croata Marina Tomašević, cantante di fama internazionale che trova nella pittura una dimensione più interiore, introspettiva e spirituale, come se la sua fosse un’esigenza a cui rispondere per permettere anche alle pieghe più empaticamente osservative della sua natura di emergere; la natura e l’essere umano con la sua complessità, con le sue emozioni, sono il punto di partenza per un processo di ascolto di quel non detto, di quell’emanato percepibile solo con l’anima che si propaga quotidianamente e continuamente nella realtà di tutti i giorni ma che troppo spesso rimane ignorato perché l’uomo attuale non è più capace di soffermarsi sull’essenza delle cose. Una delle caratteristiche più distintive di Marina Tomašević è quella di utilizzare il vino rosso, dando vita così a una tecnica da lei denominata Vinorel, sostituendolo completamente a ogni altra tipologia di colore perché è attraverso di esso che il lato più intimo e intuitivo dell’autrice fuoriesce, quasi come se il colore rosso andasse a creare l’effetto di sfumatura e di dissoluzione dell’atmosfera funzionale a mettere in risalto ciò che conta, uno sguardo, uno scorcio affascinante, un simbolo di qualcosa da interpretare, o ancora il disarmante misticismo che viene emanato dai tanto amati cavalli, soggetto naturale da lei prediletto.

L’effetto del vino contribuisce a infondere ai suoi lavori un’atmosfera retrò, come fossero usciti da un passato lontano eppure recente, ricordano le fotografie color seppia degli anni Venti del Novecento con la caratteristica di non avere sfondo oppure di averlo completamente sfumato per mettere in luce il centro dell’immagine, quel ritratto intenso dei personaggi raccontati. Ed è esattamente questo che fa Marina Tomašević con la sua pittura Vinorel, racconta tutto ciò che i suoi protagonisti non riescono a esprimere se non attraverso una posa, uno sguardo, un gesto o un ammiccamento che l’autrice coglie facendolo diventare il fulcro stesso dell’opera.

In Djevojčica sa kapom (Ragazza con cappello) viene svelata tutta la tenerezza e la spontaneità con cui l’artista si è messa davanti al foglio per immortalare quella purezza, quella gioia intensa che appartiene all’età infantile e che viene suscitata dalle piccole cose con cui l’essere umano adulto non sa più deliziarsi; la tecnica realista di Marina Tomašević è notevole, riesce a mettere a fuoco ogni minimo dettaglio, ogni particolare del volto della bambina inducendo l’osservatore a credere davvero di trovarsi davanti a quelle fotografie del passato, eppure l’atmosfera evocata dal vino rende la descrizione morbida, soffusa, evanescente.

Il lavoro Konji u galopu (Cavalli al galoppo) mostra tutta la maestria nel riprodurre gli animali che non possono fare a meno di conquistare l’anima dell’autrice, quasi fossero gli spiriti guida del suo percorso esistenziale, come se la connessione con loro le permettesse di attingere al suo lato più istintivo, quello in cui il senso di libertà si unisce alla forza interiore e al coraggio di non lasciarsi imbrigliare da alcuna convenzione, scegliendo di essere se stessa fino in fondo. La perfezione del tratto non distrae dal senso simbolico dell’opera, proprio in virtù dell’utilizzo del vino, in questo caso ossidato fino ad assumere un aspetto più marroncino e dunque simile al pelo del cavallo, sfumato per avvolgere l’immagine di una sensazione di sospensione dalla realtà raccontata, quasi uscisse da un sogno, da un pensiero, dalla necessità di attingere alla spiritualità all’interno di sé.

Ovo srce i ruka je (Questo cuore e questa mano) è un lavoro più simbolista, racconta di riguardo verso qualcosa di prezioso, della delicatezza con cui va trattato un cuore che non è inteso come organo bensì come emblema di tutto ciò che fa parte dell’anima, il luogo dove risiedono i sentimenti e che pertanto deve essere protetto; le mani lo avvolgono come se costituisse il tesoro più grande e la sensazione è quella di un amante, un partner, un genitore, che con la sua presenza forte e costante decide di prendersi cura delle emozioni dell’altro. Il cuore sembra sciogliersi in quell’abbraccio rassicurante, come se tra quelle mani sa che nulla potrebbe mai accadergli, dunque l’evocazione è quella della forma di amore più alta, quella in grado di combattere contro tutto e contro tutti pur di tutelare dalla sofferenza.

Stari dvorac (Il vecchio castello) mostra invece il lato paesaggista di Marina Tomašević, l’approccio romantico inteso nel senso più pittorico del termine in virtù del quale quella fortezza appartenente a un panorama conosciuto assume un aspetto familiare, diviene parte di quel patrimonio comune a cui l’autrice ama riservare un posto speciale; il cielo nuvoloso contribuisce a infondere drammaticità all’immagine inducendo il fruitore a riflettere sulla grandezza del passaggio dell’uomo quando sapeva interagire perfettamente con la natura intorno a sé, senza danneggiarla come invece rischia costantemente di fare nella contemporaneità. Quella struttura antica sembra vivere di vita propria esattamente per la consapevolezza di poter oltrepassare il tempo, di aver attraversato i secoli senza rompere l’equilibrio del posto che la ospita.

Marina Tomašević nata a Zara, in Dalmazia, ha alle sue spalle quarant’anni di carriera musicale fatta di album, festival, concerti e tournée internazionali; parallelamente negli anni più recenti ha coltivato un percorso pittorico che l’ha vista diventare membro della Società Croata degli Artisti Figurativi e partecipare al QIAF 2025 – Qatar International Art Festival a Doha, dove ha esposto con oltre 500 artisti da 72 Paesi distinguendosi come unica artista con la tecnica del Vinorel. Ha ricevuto certificati di merito e il suo nome è stato inserito nelle pubblicazioni ufficiali del festival.

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The retro charm of the paintings in red wine of Realism by Marina Tomašević

Sometimes art manifests itself in a extended way, it conquers the soul of those who have the predisposition to become a voice and interpreter of the emotions they perceive around them through a communicative ability belonging to only a few, and it develops in parallel with different but always intense languages ​​because they are part of their expressive nature. This is the particular case of the combination of visual art and music, very frequently combined in the style of artists who transform the words of a song or the notes of an instrument into images full of poetry, depth, and emotional intensity that thrive on a silent rhythm, yet are still capable of spreading their narrative echo. Today’s protagonist demonstrates in her works a meticulous search for originality, thanks to the use of unusual materials, as well as a need to connect through artistic technique with her spiritual energy, that unconscious dimension in which to lose herself, which transforms into a connection with everything that cannot be grasped by the eye.

Throughout the history of art of each time wine has always held a special fascination for artists, as this substance was often attributed a sacred value, sometimes curative, sometimes divine, as in the representations of the ancient Egyptians but also, and above all, of the Greeks who for the first time linked grape extract to the cult of Dionysus. Amphorae abounded with decorations dedicated to the joyous deity, translated by the Romans as the festive personality of Bacchus, who subsequently became the protagonist of the works of the great artists of the following centuries, who drew inspiration from Greek and Roman mythology to create their masterpieces. Michelangelo, Titian, Caravaggio and Velázquez dedicated many paintings to the god of wine, underscoring the celebration that art intended to dedicate to the hedonism and aristocracy of one of the favorite nectars of the nobility, first and foremost the Medici family of Florence, great patrons and commissioners of canvases and frescoes. As art continued to evolve, different perspectives emerged, the interpretation of early 20th-century artists was no longer tied to deities and religious themes, rather wine became synonymous with the pleasure of life, it connected more deeply to reflection, meditation, introspection and the intimate feelings of the author of an artwork, revealing its most hidden soul. Bottles or glasses of wine often appeared in Claude Monet’s still lifes; Joan Miró in his Abstract Surrealism chose to dedicate a canvas to it; and finally, the Metaphysical Art of the great Italian artist Giorgio Morandi, who transformed bottles into the absolute protagonists of his pictorial production, symbols of a nostalgic gaze toward familiar and reassuring objects within which his inner self needed to linger, producing silent and evocative atmospheres.

In the contemporary era, however, the connection between art and wine has undergone an unusual evolution, leading some artists to connect with it in a more indelible way by finding a means to transform the nectar into a true medium of expression replacing traditional paints to exploit its nuanced charm, its oxidation upon contact with air, the airy lightness that materializes on paper or canvas, based on the personal choice of the pioneers who select this pictorial medium, and the delicate atmosphere it can infuse into the scenes depicted. In most cases, this in-depth study of the chromatic reactions of various wines remains closely tied to the image, to the visible, precisely to allow artists who embrace this particular style to focus the viewer’s attention on the allure generated by the substance as it meets the canvas or paper. It is precisely this latter medium that is chosen by the Croatian artist Marina Tomašević, an internationally renowned singer who finds in painting a more inner, introspective, and spiritual dimension, as if hers were a need to be fulfilled in order to allow even the most empathetically observant facets of her nature to emerge; nature and the human being, with their complexity and emotions, are the starting point for a process of listening to the unspoken, to that emanation perceptible only to the soul, which propagates daily and continuously in everyday reality but is too often ignored because modern man is no longer capable of dwelling on the essence of things.

One of Marina Tomašević’s most distinctive traits is her use of red wine, giving rise to a technique she calls Vinorel, in which she completely replaces all other types of color because it is through this medium that emerges the artist’s most intimate and intuitive side, almost as if the color red were creating an effect of nuance and dissolution in the atmosphere, serving to highlight what truly matters, a glance, a captivating glimpse, a symbol of something to be interpreted, or even the disarming mysticism emanating from her beloved horses, her favorite natural subject. The effect of wine helps infuse her works with a retro atmosphere, as if they had emerged from a distant yet recent past, they recall the sepia-toned photographs of the 1920s, characterized by the absence of a background or by one that is completely blurred to highlight the center of the image, that intense portrait of the subjects depicted. And this is precisely what Marina Tomašević achieves with her Vinorel paintings, she conveys everything her subjects cannot express except through a pose, a glance, a gesture, or a wink that the artist captures, making it the very heart of the work.In Djevojčica sa kapom (Girl with a Hat) we see all the tenderness and spontaneity with which the artist approached the paper sheet to capture that purity, that intense joy unique to childhood sparked by the little things that adults no longer know how to delight in; Marina Tomašević’s realist technique is remarkable, she manages to bring every minute detail, every feature of the little girl’s face into focus, leading the viewer to truly believe they are looking at photographs from the past, yet the atmosphere evoked by the wine renders the depiction soft, suffused, and evanescent.

The artwork Konji u galopu (Horses at a Gallop) showcases her mastery in depicting the animals that cannot help but capture the artist’s soul, as if they were the guiding spirits of her life’s journey, as if her connection with them allowed her to tap into her most instinctive side, where a sense of freedom merges with inner strength and the courage not to be constrained by any convention, choosing to be herself to the very end. The perfection of the brushstroke does not distract from the work’s symbolic meaning, precisely because of the use of wine, in this case oxidized until it takes on a more brownish hue thus resembling a horse’s coat, blended to envelop the image in a sense of detachment from the reality depicted, as if emerging from a dream, a thought, or the need to draw upon one’s inner spirituality. Ovo srce i ruka je (This Heart and This Hand) is a more symbolist work, it speaks of reverence for something precious, of the delicacy with which must be treated a heart, intended not as an organ but as an emblem of everything that is part of the soul, the place where feelings reside and which must therefore be protected; the hands envelop it as if it were the greatest treasure, and the sensation is that of a lover, a partner, a parent, who with his strong and constant presence decides to take care of the other’s emotions.

The heart seems to melt in that reassuring embrace, as if in those hands it knows that nothing could ever happen to it, therefore the evocation is that of the highest form of love, the one capable of fighting against everything and everyone in order to protect from suffering. Stari dvorac (The Old Castle) on the other hand, showcases Marina Tomašević’s landscape-oriented side, a romantic approach in the most pictorial sense of the term, through which that fortress, set against a familiar landscape, takes on a familiar appearance and becomes part of that shared heritage to which the artist loves to reserve a special place; the cloudy sky helps to infuse the image with drama, prompting the viewer to reflect on the grandeur of humanity’s past when it knew how to interact perfectly with the nature around it, without damaging it as it constantly risks doing in the present day.

That ancient structure seems to have a life of its own precisely because of the awareness that it can transcend time, having spanned the centuries without disrupting the balance of the place that hosts it. Marina Tomašević, born in Zadar, Dalmatia, has a forty-year musical career behind her, marked by albums, festivals, concerts, and international tours; at the same time, in recent years she has cultivated a pictorial path that has seen her become a member of the Croatian Society of Figurative Artists and participate in QIAF 2025, the Qatar International Art Festival in Doha, where she exhibited alongside over 500 artists from 72 countries, distinguishing herself as the only artist using the Vinorel technique. She has received certificates of merit, and her name has been included in the festival’s official publications.