Il silenzio della natura nel Realismo paesaggista di Elena Shamrina, contemplando l’incontaminata bellezza del mondo intorno al sé

Quando la quotidianità diviene troppo rigida, pragmatica e cupa per lasciare spazio alla serenità e al sogno, un atteggiamento funzionale a permettere dall’interiorità di liberarsi dalle catene della contingenza può essere quello di allontanarsi dalla giungla cittadina per ritrovare un contatto profondo con una dimensione più affine alla delicatezza del sentire, più morbida proprio perché in grado di condurre l’individuo verso un mondo naturale semplice, spontaneo, che posssa ricollegarlo a quel legame primordiale da cui l’uomo contemporaneo si è allontanato in maniera eccessiva perdendosi in un progresso che sempre più somiglia a una gabbia. La protagonista di oggi sviluppa tutta la sua produzione artistica esattamente su quel ritorno alla natura necessario al proprio animo per esprimere liberamente la propria delicata sensibilità, il bisogno di equilibrio che si genera solo attraverso la connessione con tutto ciò che avvolge l’esistenza al di fuori dei fortini effimeri e fumosi delle città, con tutto ciò che sottolinea quanto in fondo ogni cosa faccia parte di un’armonia superiore che regola la vita al di fuori dell’azione dell’essere umano.

I primi decenni del Diciannovesimo secolo segnarono l’inizio di un interesse degli artisti verso soggetti nuovi e inediti rispetto al tradizionale ritratto o alle scene bibliche ed ecclesiastiche che invece avevano predominato in precedenza; fu in particolare l’Arte Romantica a mettere in primo piano l’osservato circostante l’essere umano, una natura fortemente presente al punto di essere persino unica protagonista di una tela, e la sensazione dell’esiguità di un uomo incapace di contenerne misteri e forza, così come l’incredibile e perfetta bellezza. In particolare il Romanticismo inglese trovò in John Constable l’autore della pura contemplazione dei panorami della campagna dove era nato e cresciuto e di cui sapeva mettere in evidenza la calma e la semplicità della vita quotidiana, ma soprattutto rese l’individuo solo un piccolo dettaglio all’interno di una scena dove la natura era protagonista assoluta.

Qualche decennio dopo il Realismo francese della Scuola di Barbizon approfondì il tema del legame tra uomo e natura che contraddistinse l’intera produzione pittorica di John Constable, come anche dell’altro grande interprete britannico William Turner, ma lo attenuò escludendo l’eccesso del sublime e del pittoresco, dunque ripudiando ogni allegoria, e lo trasformò in semplice ammirazione dell’armonia e dell’incanto dei paesaggi davanti ai loro sguardi. Théodore Rousseau, Jules Dupré, Narcisse-Virgile Diaz de La Peña si concentrarono prevalentemente sulla narrazione della natura tralasciando la presenza umana, tanto quanto al contrario Jean-François Millet mise in risalto la vita umile dei lavoratori nei campi sottolineando la semplicità spontanea della loro esistenza. Fu proprio a questa scuola realista che si ispirarono gli esponenti dell’Impressionismo nelle descrizioni dei loro paesaggi arricchite dalla tecnica innovativa e dalla ricerca della perfezione estetica dove la luce doveva predominare per esaltare la calma e la tranquillità degli scorci, ben lontani dagli scenari tempestosi di Turner e forse più vicini alla contemplazione che aveva contraddistinto l’opera di Consable.

Grazie alla Scuola di Barbizon il paesaggio in Francia si elevò a genere pittorico di primo livello permettendo ad altri paesi di allinearsi alla nuova tendenza; in Italia furono i Macchiaioli e gli esponenti della Scuola di Posillipo a prendere e modificare le linee guida del Realismo per adattarle alla propria poetica espressiva, più fortemente realista e pervasa di luce quella degli artisti campani, più frammentata nella pennellata e sperimentale nella composizione quella dei toscani. Elena Shamrina, nata in Siberia ma ormai da anni trasferitasi in Italia, mostra una propria interpretazione del Realismo dove l’atteggiamento fortemente osservativo degli appartenenti alla Scuola di Barbizon, si unisce a una sua necessità interiore di lasciarsi avvolgere dalla morbidezza e dall’armonia dei panorami su cui il suo sguardo si posa, o che semplicemente appartengono a un ricordo racchiuso nello scrigno della memoria.

La narrazione è sempre delicata, l’artista mette in luce l’equilibrio silenzioso e sussurrato che appartiene a un mondo ormai lontano dalla realtà quotidiana ma da lei vissuto e respirato come se costituisse un sogno, un rifugio da una contingenza troppo spigolosa per essere affine a un sentire molto più ricco e bisognoso di tranquillità e di quiete. La luce pervade senza invadere, il chiarore delle atmosfere è dovuto alla scelta di Elena Shamrina di rappresentare i paesaggi con una gamma cromatica tenue, costituita da colori impalpabili in grado di riflettere luminosità sugli elementi intorno; il tratto invece è fortemente descrittivo a volte più nitido altre più sfumato in base al soggetto focale dell’osservazione, perché in alcuni casi a dover prevalere è la totalità dell’ambientazione.

Connettersi con la natura equivale per l’artista a trovare quella dimensione ideale a raggiungere e dialogare con il sé più profondo, quello che troppo spesso rimane in disparte rispetto all’urgenza del vivere ma che ha bisogno di essere ascoltato, necessita di trovare un canale comunicativo che si può liberare solo e unicamente davanti alla contemplazione calma della bellezza circostante.

Ed è proprio sotto questa veste che Elena Shamrina descrive la natura, come se essa fosse nido accogliente all’interno di cui lasciar parlare la poesia interiore, quella in grado di comprendere molto più di quanto sia concesso alla mente e alla razionalità; la tela La meditazione esplica perfettamente questo concetto attraverso la rappresentazione di un luogo magico, incantato, una scena fluviale o lacustre in cui l’acqua sembra essere il riflesso della pace, dei pensieri che nel momento dell’osservazione si liberano delicatamente propagandosi e unendosi all’armonia del paesaggio descritto. Qui il tocco pittorico è quasi impressionista perché è necessario andare a immortalare la scena nella sua immediatezza, con pennellate frammentate e nel dettaglio grazie a cui possa emergere il perfetto equilibrio estetico costituito dagli alberi, dall’acqua e dal cielo, arricchito dalla moltitudine di emozioni che sembrano andare a scuotere con leggerezza le foglie e la superficie dell’acqua.

Nel dipinto Un passo avanti al contrario Elena Shamrina riproduce un paesaggio che sembra fermo, il cielo ha le sfumature del rosa, come se il sole stesse lasciando il posto al crepuscolo che precede la notte mentre la parte inferiore della tela è caratterizzata da un sentiero costituito da fiori, quasi fosse un invito ad aprire il cancello per andare oltre e scoprire cosa riserva il futuro. La presenza di una panchina è emblematica del bilico, dell’indecisione che contraddistingue l’uomo moderno nello scegliere di abbandonare una situazione comoda, una zona sicura costituita da certezze, per alzarsi e compiere quel passo necessario a scoprire cosa ci si potrebbe aspettare se solo si scegliesse di non restare seduti bensì andarsi a prendere il proprio futuro che, in virtù della luminosità della parte bassa del cielo, sembra essere pieno di splendide opportunità.

La creazione mostra invece tutto il talento realista di Elena Shamrina, perché in quest’opera, che descrive la capacità della natura di rigenerarsi e rinascere dopo il periodo invernale, si nasconde di fatto il simbolismo dell’essere umano, spesso talmente spaventato da ipotetici pericoli, da non considerare la propria forza interiore a cui può attingere nei momenti più cupi, nelle difficoltà, esattamente come fa il tronco che dopo la morte invernale risorge più bello e forte di prima in primavera. Il tronco è spoglio ma alcune foglie sembrano non volersi arrendere alla caduta, quasi fossero una promessa, un preludio del risveglio che di lì a qualche mese avverrà.

Benvenuta la primavera sembra pertanto essere in continuità con l’opera precedente perché qui Elena Shamrina racconta dei primi raggi di sole, dei primi momenti tiepidi in cui i passerotti giungono a bere l’acqua prodotta dalla neve che si scioglie e che nell’arco di pochi giorni permetterà agli arbusti di compiere quel ciclo rigenerativo che renderà il paesaggio imbiancato di nuovo verde e rigoglioso; anche in questo caso il tratto pittorico è fortemente legato al Realismo, soprattutto nel gioco di luci e ombre e nelle piccole impronte sulla neve lasciate dagli uccellini, in virtù del quale l’osservatore avverte la sensazione di trovarsi in quel luogo idilliaco e incontaminato.

Tanto quanto nella tela La canzone degli alberi la percezione è quella del movimento delle foglie, di quella dolce e soffusa melodia percepibile solo da chi sa mettersi in contatto con un ambiente che nella sua naturalezza riesce a far sentire la propria voce, quasi a voler ricordare all’essere umano l’importanza di una presenza troppo spesso sottovalutata. Elena Shamrina si è formata come autodidatta ma questo non le ha impedito di farsi notare per il suo talento figurativo apprezzato dal pubblico e dagli addetti ai lavori; ha al suo attivo la partecipazione a molte mostre a Roma e zone limitrofe, è socia dei Cento Pittori di Via Margutta e di Art Studio Tre, negli anni 2019 e 2023 ha vinto il Premio Nazionale di Pittura Charles ed Enrico Coleman per la sezione olio su tela.

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The silence of nature in the landscape realism of Elena Shamrina, contemplating the pristine beauty of the world around the self

When everyday life becomes too rigid, pragmatic and gloomy to leave room for serenity and dreams, a functional attitude to allow the inner self to free itself from the shackles of contingency can be to move away from the city jungle to find a deep contact with a dimension more akin to the delicacy of feeling, softer precisely because it is able to lead the individual towards a simple, spontaneous natural world that can reconnect him to that primordial bond from which contemporary man has distanced himself excessively, losing himself in a progress that increasingly resembles a cage. Today’s protagonist develops her entire artistic production precisely on that return to nature that is necessary for her soul to freely express its delicate sensitivity, the need for balance that is only generated through connection with everything that envelops existence outside the ephemeral and smoky forts of the city, with everything that emphasises how all is basically part of a higher harmony that regulates life outside the actions of human beings.

The first decades of the 19th century marked the beginning of an interest among artists in new and unprecedented subjects, if compared to the traditional portraits or biblical and ecclesiastical scenes that had previously predominated; it was Romantic Art in particular that placed the observed surroundings of the human being in the foreground, nature strongly present to the point of even being the sole protagonist of a canvas, and the feeling of the smallness of a man incapable of containing its mysteries and strength, as well as its incredible and perfect beauty. In particular, English Romanticism found in John Constable the author of pure contemplation of the landscapes of the countryside where he was born and grew up and of which he knew how to highlight the calm and simplicity of everyday life, but above all he made the individual just a small detail within a scene where nature was the absolute protagonist.

A few decades later, the French Realism of the Barbizon School deepened the theme of the link between man and nature that characterised the entire pictorial production of John Constable, as well as that of the other great British interpreter William Turner, but toned it down by excluding the excess of the sublime and the picturesque, thus repudiating all allegory, and transformed it into simple admiration of the harmony and enchantment of the landscapes before their eyes. Théodore Rousseau, Jules Dupré, Narcisse-Virgile Diaz de La Peña concentrated mainly on the narration of nature, neglecting the human presence, as much as on the contrary Jean-François Millet emphasised the humble life of workers in the fields by putting in evidence the spontaneous simplicity of their existence. It was this realist school that inspired the exponents of Impressionism in the descriptions of their landscapes enriched by innovative technique and the search for aesthetic perfection where light had to predominate to enhance the calm and tranquillity of the views, a far cry from Turner‘s stormy scenarios and perhaps closer to the contemplation that had characterised Consable‘s paintings. Thanks to the Barbizon School, landscape painting in France was elevated to a top-level pictorial genre, allowing other countries to align themselves with the new trend; in Italy it was the Macchiaioli and the exponents of the Posillipo School who took and modified the guidelines of Realism to adapt them to their own expressive poetics, the Campania artists being more strongly realist and pervaded with light, the Tuscans more fragmented in their brushstrokes and more experimental in their composition.

Elena Shamrina, who was born in Siberia but moved to Italy many years ago, shows her own interpretation of Realism in which the strongly observational attitude of the Barbizon School is combined with her inner need to allow herself to be enveloped by the softness and harmony of the landscapes on which her gaze rests, or which simply belong to a memory enclosed in the treasure chest of memory. The narration is always delicate, the artist highlights the silent and whispered equilibrium that belongs to a world now far removed from everyday reality but which she lives and breathes as if it were a dream, a refuge from a contingency too angular to be akin to a much richer feeling in need of tranquillity and quiet.

The light pervades without invading, the brightness of the atmospheres is due to Elena Shamrina‘s choice to represent the landscapes with a soft chromatic range, made up of impalpable colours capable of reflecting luminosity on the surrounding elements; the stroke, on the other hand, is strongly descriptive, sometimes sharper and sometimes more nuanced depending on the focal subject of the observation, because in some cases it is the totality of the setting that must prevail. For the artist, connecting with the nature means finding that ideal dimension to reach out and dialogue with the deepest self, that which too often remains aloof from the urgency of living but needs to be heard, needs to find a communication channel that can only be freed in front of the calm contemplation of the surrounding beauty. And it is precisely in this guise that Elena Shamrina describes nature, as if it were a cosy nest within which to let inner poetry speak, the poetry capable of understanding much more than the mind and rationality allow; the canvas La meditazione (The meditation) perfectly expresses this concept through the representation of a magical, enchanted place, a river or lake scene in which the water seems to be the reflection of peace, of thoughts that in the moment of observation are delicately released, spreading and joining the harmony of the described landscape.

Here, the painterly touch is almost impressionistic because it is necessary to go to immortalise the scene in its immediacy, with fragmented brushstrokes and in the detail thanks to which can emerge the perfect aesthetic balance of trees, water and sky enriched by the multitude of emotions that seem to lightly shake the leaves and the surface of the water. In the painting Un passo avanti (One step forward) on the contrary, Elena Shamrina reproduces a landscape that seems to be still, the sky has shades of pink, as if the sun were giving way to the twilight that precedes the night, while the lower part of the canvas is characterised by a path made up of flowers, almost as if it were an invitation to open the gate to go further and discover what the future holds. The presence of a bench is emblematic of the balancing act, of the indecision that characterises modern man in choosing to abandon a comfortable situation, a safe zone of certainties, in order to get up and take that step necessary to discover what one might expect if only one chose not to remain seated but rather to go and seize one’s future which, by virtue of the brightness of the lower part of the sky, seems to be full of splendid opportunities. La creazione (The creation), on the other hand, shows all of Elena Shamrina‘s realist talent, because in this work, which describes nature’s ability to regenerate and be reborn after the winter period, is in fact concealed the symbolism of the human being, who is often so frightened by hypothetical dangers that he does not consider his own inner strength that he can draw on in the darkest moments, in difficulties, just as the trunk does, which after winter’s death rises again more beautiful and stronger than before in spring. The trunk is bare but some leaves seem not to want to surrender to the fall, almost as if they were a promise, a prelude to the awakening that will take place a few months later.

Benvenuta la primavera (Welcome Spring) therefore seems to be in continuity with the previous painting because here Elena Shamrina tells of the first rays of sunshine, of the first lukewarm moments when the sparrows come to drink the water produced by the melting snow, which in a few days will allow the shrubs to perform that regenerative cycle that will make the whitened landscape green and lush again; here too, the pictorial trait is strongly linked to Realism, especially in the play of light and shadow and in the small footprints on the snow left by the birds, by virtue of which the observer feels the sensation of being in that idyllic and uncontaminated place. As much as in the canvas La canzone degli alberi (The Song of the Trees), the perception is that of the movement of the leaves, of that sweet and suffused melody perceptible only by those who know how to get in touch with an environment that in its naturalness manages to make its voice heard, almost as if to remind human beings of the importance of a presence that is too often underestimated. Elena Shamrina trained as a self-taught artist, but this has not prevented her from being noticed for her figurative talent appreciated by the public and insiders; she has taken part in many exhibitions in Rome and surrounding areas, she is a member of the Cento Pittori di Via Margutta and of Art Studio Tre, in 2019 and 2023 she won the Charles and Enrico Coleman National Painting Prize for the oil on canvas section.