In bilico tra visione e percezione il Simbolismo di Pascal Colrat

L’incontro tra energie emozionali e natura permette all’essere umano, e all’artista, di entrare in una dimensione suggestiva e silenziosa dove tutto può essere liberato, propagandosi magicamente dalla soggettività dell’autore di un’opera verso il ricevente, ossia l’osservatore, che viene letteralmente avvolto da quelle atmosfere insolitamente personali eppure incredibilmente universali. Questo è il compito del tipo di linguaggio artistico che più di altri tende a legarsi al mondo che circonda l’essere umano ma da cui quest’ultimo spesso si distacca poiché troppo implicato e imbrigliato nel pragmatismo del vivere contemporaneo. Pascal Colrat esamina ed esplora esattamente quella connessione perduta, ripropone la possibilità di perdersi all’interno di ciò che non è spiegabile, che non è razionalizzabile bensì semplicemente necessita di essere ascoltato con l’apertura verso le energie sottili che corrono al di sotto della linea del visibile.

La necessità di andare oltre il confine tra l’oggettività e una soggettività particolarmente predisposta a entrare in contatto con tutto l’universo che abitualmente circonda l’essere umano, ha cominciato a emergere verso la fine dell’Ottocento, quando dopo un periodo di scoperta dell’umanità delle strade umile ma piena di vitalità lontana dai palazzi nobiliari che venne messa in luce dal Realismo, divenne necessario cominciare a introdurre nell’arte anche il punto di vista dell’esecutore dell’opera, la sua capacità interpretativa di tutte quelle forze misteriose e sotterranee che da sempre circondano l’esistenza e che erano sempre rimaste inesplorate. Forse solo il Cinquecento ebbe in Hieronymus Bosch un pioniere che coraggiosamente decise di raccontare mondi inquietanti e improbabili per mettere in luce le energie suscitate dai condizionamenti religiosi e dall’incapacità dell’uomo di vivere secondo le virtù sollecitate dalla chiesa. La trasformazione di quell’intuizione si tradusse nell’Arte Moderna con il Simbolismo, uno stile pittorico che pur mantenendosi fortemente legato alla figurazione del reale, volle mettere in luce tutti quei sottili misteri, gli enigmi e le forze soprannaturali facenti parte dei racconti mitologici del passato ma anche di tutto l’inspiegabile appartenente all’esistenza.

Tra i maggiori rappresentanti del Simbolismo si distinsero in Francia Odilon Redon e Gustave Moreau, diversi dal punto di vista narrativo ma entrambi in grado di condurre l’osservatore all’interno della realtà, oltrepassando il mondo oggettivo per conoscere quello soggettivo, impalpabile, difficilmente percepibile eppure costantemente presente. Laddove Gustave Moreau interpretò i temi mitologici e storici con un tratto sfumato e personale poiché tendeva a mettere in luce ciò che non riusciva a vedere oggettivamente, Odilon Redon invece trasformò il Naturalismo in un mezzo per esprimere le proprie emozioni, il sogno, l’esplosione di sentimenti che sembrano danzare sulle sue tele dove tutto è in bilico, fluttuante, magicamente sospeso e i colori sono tenui e sfumati proprio per consentire alle sensazioni di prevalere su qualsiasi altro tipo di analisi razionale. Il movimento del Simbolismo si oppose alla logica scientifica del Post-Impressionismo e si diffuse rapidamente anche in altri paesi d’Europa, trovando differenti e personali interpretazioni come quella dello svizzero Arnold Böcklin che rappresentò la mitologia ma anche quel mondo dell’aldilà a cui la sua opera è tanto legata; nell’apparato pittorico degli autori di questo movimento, non si può tuttavia ignorare l’influenza di alcuni autori del Romanticismo, o per lo meno quelli tra loro che più di tutti focalizzarono la loro attenzione sulle sensazioni provate davanti a scenari naturali di grande impatto visivo ed emozionale, come quelli raccontati dall’inglese William Turner e dal tedesco Caspar David Friedrich, la cui tela Il viandante sul mare di nebbia diede di fatto inizio al quel percorso di interrelazione tra individuo e natura circostante ripreso decenni dopo proprio dai simbolisti.

L’artista francese Pascal Colrat attinge al Simbolismo di cui reinterpreta le linee guida in maniera contemporanea, abbandona totalmente il legame con la mitologia e il mistero che avvolge l’esistenza, per sintonizzarsi sulle corde dell’ascolto di tutto ciò che appartiene alla natura dandole una voce solista; nelle sue tele infatti l’uomo non è mai presente, gli viene lasciato il compito contemplativo dall’esterno, lo stesso punto di vista dell’autore, perché tutto ciò che è necessario fare è compiere un salto dentro una dimensione incantata, quasi ogni singola tela costituisse un incontro tra luce ed emozione, quasi le delicate piante e i fiori che adornano i dipinti fluttuassero tra la realtà e il confine del sogno.

L’impalpabilità degli sfondi ricorda le ambientazioni di Caspar David Friedrich mescolate a quelle di Odilon Redon, sebbene nei dipinti di Pascal Colrat prevalga una scala cromatica più autunnale, terrosa, per ricordare quanto l’individuo debba scendere in profondità, alla base delle proprie radici, per comprendere tutto ciò che si trova e scorre in alto, in quell’aria raccontata sotto forma di luce, di irradiazione che sopraggiunge per guidare lo sguardo. La figurazione tende talmente tanto verso l’indefinitezza delle atmosfere da incontrare l’Astrattismo in alcune tele, perché molto spesso l’anima ha bisogno di sollevarsi dal contingente, necessita di andare a perdersi nelle infinite possibilità spirituali per riuscire ad abbandonare il contatto con quella logica che la tiene ancorata a una contingenza troppo limitante. Alcune tele, come quelle della serie Boralde, sono tuttavia legate al ricordo, a un luogo lontano nel tempo per raccontare le quali Pascal Colrat attinge allo scrigno della memoria sottolineando la sensazione più che la descrizione, quella trasformazione che l’anima compie quando si allontana da un paesaggio caro allo sguardo, sbiadendone i dettagli ma soffermandosi sull’intensità di tutto quel caleidoscopio di frammenti emozionali fuoriuscenti proprio in virtù della distanza.

Lo sguardo osserva, l’interiorità sente, è questo il messaggio dell’autore nel suo invito a perdersi nei paesaggi immaginari dove il concetto si va a perdere, permettendo al suo Simbolismo di collocarsi nella dimensione della visione onirica, del viaggio di una mente che non riesce più ad arginare il fluttuare emozionale. Nella serie Fleures noires invece, il tratto pittorico di Pascal Colrat diventa più soffice, la concretezza della tecnica mista delle opere di Boralde lascia spazio alla tempera in virtù della quale egli riesce a sfumare i panorami frutto della sua immaginazione, a dare alle piante e ai fiori protagonisti quell’aspetto evanescente e sottilmente instabile che inducono l’osservatore a domandarsi come possano resistere al vento, al freddo alle intemperie.

In qualche modo dunque il riferimento è alla resilienza, al saper restare in piedi anche davanti alle avversità che possono susseguirsi, divenendo un invito alla riflessione per il fruitore il quale non può fare a meno di meditare su quanto sia essenziale il messaggio che ogni giorno l’uomo riceve dalla natura pur ignorandolo, volgendo il capo altrove perso nell’urgenza del vivere, inghiottito dall’asfalto delle città al punto di dimenticarsi quanto egli stesso appartiene alla terra, all’aria, agli elementi che regolano l’evolversi dell’esistenza di ogni essere.

In questa particolare serie emerge forse persino più chiaramente il legame tra la pittura di Pascal Colrat e quella di Redon, per l’attitudine a raccontare il mondo della flora, per il lasciar fuori l’individuo che romperebbe un magico equilibrio e per spingere lo sguardo verso l’alto, verso la luce che sottintende la crescita interiore che l’uomo, più o meno consciamente, vuole compiere. Nella serie Animalis Pascal Colrat introduce la sua attitudine di illustratore di manifesti, uno dei suoi primi approcci artistici che gli ha permesso di farsi conoscere e al contempo di scoprire la forza di quel particolare mezzo di comunicazione; gli inserti bianchi rompono lo schema dello sfondo, appaiono come dei collage pur non essendolo e attraggono l’attenzione verso quelle presenze stilizzate che sembrano decontestualizzate rispetto ai paesaggi in cui sono inserite.

Forse l’autore desidera ricordare, a se stesso come al fruitore, che l’essere umano è solo un comprimario del mondo che abita, non ne è protagonista, anche se a volte si comporta come se fosse tale, e suggerisce la necessità di ascoltare le voci di chi non può parlare, di rispettare e tornare a una convivenza equilibrata e possibile per ogni singola specie, sia essa animale, floreale o umana. Le tonalità prevalentemente scure sono funzionali a imprimere nelle opere quella suggestione di cui spesso la mente ha bisogno per focalizzarsi su un tema, su un pensiero che diversamente sarebbe distratto da un aspetto più accattivante, più giocoso, dunque Pascal Colrat da un lato enfatizza la poesia con la presenza dei fiori e delle piante, dall’altro introduce la sottile percezione del pericolo a cui può andare incontro il pianeta terra se quella coabitazione non trova la sua perfetta armonia.

Pascal Colrat, pittore, cartellonista, fotografo e illustratore, ha portato avanti parallelamente le sue diverse anime creative che lo hanno condotto in giro per il mondo presentando i suoi progetti e vincendo importanti riconoscimenti. Ha al suo attivo la partecipazione a fiere d’arte in Francia, e molte mostre personali tra cui Parigi, Berlino, Nuova Delhi, Los Angeles, Algeri, Düsseldorf, Beirut e Mosca.

PASCAL COLRAT-CONTATTI

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Poised between vision and perception the Symbolism by Pascal Colrat

The encounter between emotional energies and nature allows human beings, and artists, to enter an evocative and silent dimension where everything can be liberated, magically spreading from the subjectivity of the author of an artwork to the recipient, the observer, who is literally enveloped by those unusually personal yet incredibly universal atmospheres. This is the task of the type of artistic language that, more than any other, tends to connect with the world that surrounds human being but from which the latter often detach himself because he’s too involved and constrained by the pragmatism of contemporary life. Pascal Colrat examines and explores precisely that lost connection, reintroducing the possibility of losing in what cannot be explained, what cannot be rationalized but simply needs to be listened to with an openness to the subtle energies that run beneath the line of the visible.

The need to go beyond the boundary between objectivity and a subjectivity particularly predisposed to coming into contact with the entire universe that usually surrounds human being, began to emerge towards the end of the 19th century, when after a period of discovering the humanity of the humble but vibrant streets far from the noble palaces that was brought to light by Realism, it became necessary to begin introducing into art the point of view of the artist, their interpretative ability of all those mysterious and subterranean forces that have always surrounded existence and had always remained unexplored. Perhaps only the 16th century had a pioneer in Hieronymus Bosch, who courageously decided to depict disturbing and improbable worlds in order to highlight the energies aroused by religious conditioning and man’s inability to live according to the virtues urged by the church.

The transformation of that intuition translated into Modern Art with Symbolism, a pictorial style that, while remaining strongly linked to the figuration of reality, sought to highlight all those subtle mysteries, enigmas, and supernatural forces that were part of the mythological tales of the past but also of everything inexplicable belonging to existence. Among the leading representatives of Symbolism in France were Odilon Redon and Gustave Moreau, who differed from a narrative point of view but were both able to lead the observer into reality, going beyond the objective world to discover the subjective, intangible, barely perceptible yet constantly present. Whereas Gustave Moreau interpreted mythological and historical themes with a nuanced and personal touch, tending to highlight what he could not see objectively, Odilon Redon, on the other hand, transformed Naturalism into a means of expressing his emotions, dreams, and the explosion of feelings that seem to dance on his canvases, where everything is poised, floating, magically suspended, and the colors are soft and nuanced precisely to allow sensations to prevail over any other type of rational analysis. The Symbolism opposed the scientific logic of Post-Impressionism and spread rapidly to other European countries, finding different and personal interpretations, such as that of the Swiss artist Arnold Böcklin, who represented mythology but also the world of the afterlife, to which his work is so closely linked. In the pictorial apparatus of the artists of this movement, however, one cannot ignore the influence of certain authors if Romanticism, or at least those among them who focused their attention on the sensations experienced when faced with natural scenes of great visual and emotional impact, such as those depicted by the English William Turner and the German Caspar David Friedrich whose painting The wayfarer above the sea of fog effectively marked the beginning of that interrelationship between the individual and the surrounding nature, which was taken up decades later by the Symbolists.

French artist Pascal Colrat draws on Symbolism, reinterpreting its guidelines in a contemporary way, completely abandoning the link with mythology and the mystery that surrounds existence, to tune in to everything that belongs to nature, giving it a solo voice. in fact, man is never present in his canvases, he is left with the contemplative task from the outside, the same point of view as the author, because all that is necessary is to take a leap into an enchanted dimension, as if each canvas were an encounter between light and emotion, as if the delicate plants and flowers that adorn the paintings were floating between reality and the border of dreams. The intangibility of the backgrounds is reminiscent of the settings of Caspar David Friedrich mixed with those of Odilon Redon, although Pascal Colrat‘s paintings feature a more autumnal, earthy color palette to remind how much the individual must descend deep, to the base of his roots, to understand everything that is found and flows above, in that air recounted in the form of light, of radiation that comes to guide the gaze.

The figurative style tends so much towards the indefiniteness of atmospheres that it encounters Abstract Art in some canvases, because very often the soul needs to rise above the contingent, it needs to lose itself in infinite spiritual possibilities in order to abandon contact with the logic that keeps it anchored to an overly limiting contingency. Some canvases, such as those in the Boralde series, are nevertheless linked to memory, to a place far away in time, which Pascal Colrat draws on from the treasure chest of memory, emphasizing sensation rather than description, that transformation that the soul undergoes when it moves away from a landscape dear to the eye, fading the details but dwelling on the intensity of that kaleidoscope of emotional fragments that emerge precisely because of the distance. The gaze observes, the inner self feels, this is the author’s message in his invitation to lose oneself in imaginary landscapes where the concept is lost, allowing his Symbolism to take its place in the dimension of dreamlike vision, of the journey of a mind that can no longer stem the flow of emotions.

In the Fleures noires series, however, Pascal Colrat‘s pictorial style becomes softer, the concreteness of the mixed media used in Boralde‘s works gives way to tempera, which allows him to soften the landscapes born of his imagination, giving the plants and flowers that feature prominently in his work an evanescent and subtly unstable appearance that leads the observer to wonder how they can withstand the wind, cold, and bad weather. In some ways, therefore, the reference is to resilience, to knowing how to stand firm even in the face of adversity, becoming an invitation to reflection for the viewer, who cannot help but meditate on how essential the message that man receives every day from nature is, even though he ignores it, turning his head away lost in the urgency of living, swallowed up by the asphalt of cities to the point of forgetting how much he himself belong to the earth, the air, and the elements that regulate the evolution of every being’s existence.

In this particular series, the link between Pascal Colrat‘s painting and that of Redon emerges perhaps even more clearly, due to the tendency to depict the world of flora, to leave out the individual who would break a magical balance, and to push the gaze upwards, towards the light that implies the inner growth that man, more or less consciously, wants to achieve. In the series Animalis, Pascal Colrat introduces his talent as a poster illustrator, one of his first artistic approaches that allowed him to make a name for himself and, at the same time, discover the power of that particular means of communication; the white inserts break up the background pattern, appearing as collages without actually being so, and draw attention to those stylized presences that seem decontextualized from the landscapes in which they are put. Perhaps the author wishes to remind himself and the viewer that human beings are only supporting actors in the world they inhabit, not protagonists, even if they sometimes behave as if they were, and suggests the need to listen to the voices of those who cannot speak, to respect and return to a balanced coexistence that is possible for every single species, be it animal, floral, or human.

The predominantly dark tones serve to impress upon the artworks that suggestion that the mind often needs in order to focus on a theme, on a thought that would otherwise be distracted by a more captivating, more playful aspect, so Pascal Colrat emphasizes poetry with the presence of flowers and plants, while introducing a subtle perception of the danger that planet Earth may face if this cohabitation does not find its perfect harmony. Pascal Colrat, painter, poster artist, photographer, and illustrator, has pursued his various creative souls in parallel, which have taken him around the world presenting his projects and winning important awards. He has participated in art fairs in France and held many solo exhibitions in Paris, Berlin, New Delhi, Los Angeles, Algiers, Düsseldorf, Beirut, and Moscow.