In sospeso tra anima, sogni e ricordi il NeoSimbolismo di Laura Batzu

Esistono percorsi che appartengono all’evoluzione spirituale dell’essere umano tanto quanto alla trasformazione stilistica dell’artista, perché in fondo la pittura e la scultura non sono che emanazioni dell’interiorità e della personalità dell’autore di un’opera; in particolar modo in coloro che possiedono una spiccata sensibilità e la capacità di immergersi, perdendosi, nel profondo della propria anima, intesa anche come capacità di ricevere dalle energie intorno all’individuo, la narrazione espressiva non può fare a meno di svelare quei pensieri, quelle riflessioni e quelle conoscenze introspettive che di fatto li contraddistinguono. L’autrice di cui vi racconterò oggi mette in sinergia alcune linee guida di movimenti del passato con un approccio contemporaneo legato però alla meditazione, alle filosofie orientali e a un forte legame con la sublimazione delle forze invisibili che circondano la vita.

La connessione con tutto ciò che appartiene al mondo delle sensazioni e agli enigmi irrisolti del vivere trovarono spazio nell’arte dell’Ottocento, quando alcuni autori cominciarono a mostrare e ad arricchire le loro tele di sensazioni soggettive fino a quel momento escluse dalla pittura; furono gli esponenti del Romanticismo Inglese William Turner e William Blake a permeare la loro produzione di riflessioni personali sulla maestosità della natura, il primo, e a indagare sulle connessioni con l’Universo e sui misteri astrali appoggiandosi al Naturalismo e alle religioni non cristiane, il secondo. Laddove Turner fu di fatto l’avanguardista da cui presero spunto i fondatori dell’Impressionismo in particolar modo per l’utilizzo della luce e per la sua tendenza a ritrarre paesaggi marini dove le pennellate veloci e sfumate rendevano le tele vibranti, William Blake con il suo legame con la spiritualità e l’illustrazione della Divina Commedia di Dante Alighieri, gettò le basi per tutti quegli artisti che non volevano restare sulla superficie del visibile, bensì avvertivano l’esigenza di andare a scavare, a studiare non solo l’oggettività piuttosto erano interessati alla soggettività, a tutte le sfaccettature di un essere umano troppo limitato da leggi, regole morali e religiose che lo allontanavano dalla sua vera essenza e dall’ascolto della realtà circostante. Fu dunque proprio dalle sue teorie pittoriche ed espressive che qualche decennio dopo, intorno alla fine del secolo, si affermò il Simbolismo, un movimento che volle approfondire secondo modalità narrative diverse sulla base della personalità e del pensiero del singolo autore, quelle energie che indiscutibilmente appartengono alla realtà e che dall’esterno sopraggiungono all’interno del soggetto per indurlo a collegarsi a esse.

Odilon Redon fu tra tutti i simbolisti decisamente il più poetico almeno per quanto riguardava i dipinti in cui il sottilmente inquietante fuoriusciva in maniera marginale, poiché le sue atmosfere erano quasi sempre accompagnate da fiori, da delicati animali come le farfalle, quasi a voler suggerire l’accoglienza di un mondo intorno che solo in un secondo tempo lasciava emergere i mostri e le terrificanti figure antropomorfe su cui vertevano i suoi disegni, come essi fossero l’altro lato della sua medaglia espressiva. Arnold Böcklin si spinse invece a indagare il mondo dell’al di là ritraendo scene in cui le anime aleggiano silenziose e invisibili sopra paesaggi cupi e misteriosi, dove la desolazione del presente lascia spazio all’inquietudine di un passato che non vuole lasciare questo mondo. Nel suo affrontare l’ignoto l’autore in qualche modo lasciava fuoriuscire un innato bisogno di connettersi, interagire e cercare di spiegare ciò che invece veniva liquidato come inspiegabile. E poi vi fu Félicien Rops che si spinse verso le pulsioni più terrene e perverse dell’essere umano, rendendo protagonista la sessualità nelle sue sfaccettature più degenerate. Tutta la poetica simbolista veniva esplicitata attraverso uno stile fortemente figurativo e decisamente realista nella descrizione, pur elevandosi in virtù di tutte le sensazioni che venivano immesse nelle tele. L’artista sarda Laura Batzu entra nel mondo del Simbolismo in maniera nuova, affine all’evoluzione del pensiero e dell’approccio al circostante che appartiene a chi, nell’era contemporanea, ha saputo seguire un percorso spirituale divergente dal pragmatismo e dalla superficie su cui galleggia l’individuo di oggi, orientandosi invece verso un approfondimento, un ascolto del sé in perfetta armonia con la natura e con tutta la realtà intesa come soggettività più che come oggettività.

La correlazione con le energie che aleggiano impalpabili circondando ogni aspetto dell’esistenza è ciò che emerge in maniera chiara e inequivocabile dalle sue tele in cui la figurazione si mescola a volte con l’astrazione, perché alcuni concetti non possono essere raccontati visivamente bensì lasciati all’intuizione, e in cui il Realismo si fonde con il Surrealismo per generare un NeoSimbolismo dove la spiritualità e la magia che si sprigiona dall’anima vengono rappresentate in maniera nitida, senza sfumature, quasi la definizione sia necessaria per la comprensione.

Una delle caratteristiche più evidenti di Laura Batzu è quella di lasciare le sue delicate figure femminili prive di bocca, forse perché i moti interiori più profondi vanno vissuti solo con se stessi, nascosti e protetti dall’esterno e comprensibili solo attraverso il silenzio inteso come momento di approfondimento, o forse perché è solo privandosi delle parole che è possibile ascoltare la voce dell’anima, quella melodia soffice che permette di lasciarsi andare alle atmosfere surreali che appartengono all’inconscio e al sogno. Nelle tele dell’autrice ogni dettaglio, ogni oggetto, ogni sfondo è funzionale a costituire un simbolo, un’allegoria di pensieri, idee, credenze che accompagnano chiunque sia in grado di elevarsi dalla contingenza e di credere che esistano infinite altre possibilità, innumerevoli altri mondi e modi in cui scegliere di camminare.

Questo è il concetto che fuoriesce dall’opera Cosmos, the doors, forse la più astratta delle tele di Laura Batzu, perché il reticolato che riempie la tela è interrotto solo da forme ellittiche luminose corrispondenti alle porte quantiche; scegliendo una di esse l’essere umano può spostare e modificare il suo stato attuale, può cambiare la vita in cui si trova per entrare in un’altra più affine al suo percorso, più conforme alla spinta evolutiva che sente di dover compiere senza riuscirvi. Le linee fortemente legate le une alle altre costituiscono le unioni karmiche, quelle che non andranno mai perdute indipendentemente dalla scelta-porta che si varcherà e che sapranno accompagnare qualunque sia il percorso oltre il salto quantico che si andrà a compiere.

La filosofia di Laura Batzu è dunque imprescindibile dalla sua produzione artistica, quasi l’arte fosse la voce che non riusciva a tirare fuori in passato, quando da bambina timida, preferiva scegliere accuratamente le persone con cui dialogare; ecco dunque il senso del dipinto Il guscio, in cui esprime quella dimensione segreta e protetta in cui custodiva i segreti, le emozioni, i pensieri adolescenziali che riusciva a far fuoriuscire solo tra sé e sé, nel silenzio della sua cameretta dove sapeva che nessuno avrebbe invaso lo spazio vitale necessario alla sua anima per manifestare le sensazioni più profonde. La presenza della natura e degli animali sottolinea l’importanza che il contatto con la semplicità e la spontaneità riveste nel mondo dell’autrice, ma al contempo è anche un invito a uscire, crescere e compiere la naturale evoluzione che ciascun essere umano dovrà prima o poi affrontare, pur mantenendo vivo dentro di sé il periodo più bello, quello della giovane età, in cui tutto sembrava più facile. Il pensiero New Age, a cui si lega fortemente Laura Batzu, vicino peraltro alle teorie delle filosofie orientali, crede fortemente nella reincarnazione, nella sopravvivenza dell’anima che per effettuare il cammino di crescita spirituale necessario è chiamata a scegliere i corpi in cui ricominciare a vivere e le altre con cui incontrarsi di nuovo, generando con loro un forte ed eterno legame karmico, ed è esattamente questo il senso dell’opera La matrice.

Qui vengono rappresentate le anime in quel momento sospeso che precede la discesa nei nuovi corpi, e soprattutto nella fase di riflessione e di scelta di chi vorranno trovare, ancora e ancora, nei successivi percorsi e chi invece avranno bisogno di allontanare poiché non più funzionali a un’evoluzione che ha bisogno di costanti rinnovamenti. Tutti gli sfondi utilizzati da Laura Batzu emanano un senso di pace, di equilibrio, di suggestione funzionale a sollecitare l’ascolto dell’osservatore, il quale non può fare a meno di sentirsi avvolto da quell’inedita dimensione e dal sottile messaggio nascosto all’interno delle opere.

In particolare Le fil rouge narra di quella circolarità delle vite, delle circostanze e del meccanismo di causa ed effetto che legano quanto accade nella vita attuale a quella precedente, perché di fatto ciò che non è stato risolto deve trovare una sua pacificazione, un suo motivo che l’anima porta sempre con sé, così come gli incontri guidati dal destino si ripetono in tutte le vite successive sebbene con altre sembianze e modalità determinate dalle scelte del libero arbitrio.

Laura Batzu dipinge prevalentemente a olio ma usa anche il pastello, l’acquarello, materiali naturali, carta e ceramica, oltre alla tela. Ha al suo attivo collettive in Italia, Kiev, Messico e Parigi e diverse personali; le sue opere sono presenti in collezioni private in Italia, Francia, Belgio, Germania e Messico.

LAURA BATZU-CONTATTI

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Suspended between soul, dreams, and memories the NeoSymbolism by Laura Batzu

There are paths that belong to the spiritual evolution of human beings as much as to the stylistic transformation of artists, because ultimately painting and sculpture are nothing more than emanations of the inner self and personality of the author of a work; especially in those who possess a keen sensitivity and the ability to immerse, losing themselves, in the depths of their own soul, also understood as the ability to receive from the energies around the individual, expressive narration cannot help but reveal those thoughts, reflections, and introspective knowledge that distinguish them. The author I am going to tell you about today brings together some guidelines from past movements with a contemporary approach linked, however, to meditation, Eastern philosophies, and a strong connection with the sublimation of the invisible forces that surround life

The connection with everything that belongs to the world of sensations and the unsolved enigmas of life found space in Nineteenth-century art, when some authors began to show and enrich their canvases with subjective sensations that had until then been excluded from painting; were the exponents of English Romanticism, William Turner and William Blake, who permeated their work with personal reflections on the majesty of nature, the former, and investigated connections with the universe and astral mysteries, drawing on Naturalism and non-Christian religions, the latter. Whereas Turner was in fact the avant-garde artist who inspired the founders of Impressionism, particularly in his use of light and his tendency to portray seascapes where quick, blurred brushstrokes made the canvases vibrant, William Blake, with his connection to spirituality and his illustration of Dante Alighieri’s Divine Comedy, laid the foundations for all those artists who did not want to remain on the surface of the visible, but felt the need to dig deeper, to study not only objectivity but also subjectivity, all the facets of a human being too limited by laws, moral and religious rules that distanced him from his true essence and from listening to the surrounding reality. It was therefore precisely from his pictorial and expressive theories that, a few decades later, towards the end of the century, emerged Symbolism, a movement that sought to explore, through different narrative modes based on the personality and thinking of the individual author, those energies that unquestionably belong to reality and that come from outside into the subject, prompting him to connect with them. Odilon Redon was definitely the most poetic of all the Symbolists, at least as far as concerning his paintings where the subtly disturbing emerged only marginally, becauese his atmospheres were almost always accompanied by flowers and delicate animals such as butterflies, as if to suggest the welcoming nature of a world that only later revealed the monsters and terrifying anthropomorphic figures that were the focus of his drawings, as if they were the other side of his expressive coin.

Arnold Böcklin, on the other hand, pushed to investigate the world beyond, portraying scenes in which souls hover silently and invisibly above gloomy and mysterious landscapes, where the desolation of the present gives way to the unease of a past that does not want to leave this world. In his approach to the unknown, the author somehow released an innate need to connect, interact, and try to explain what was otherwise dismissed as inexplicable. And then there was Félicien Rops, who explored the most earthly and perverse impulses of human beings, placing sexuality in its most degenerate forms at the center of his work. The entire Symbolist poetics was expressed through a highly figurative and decidedly realistic style of description, while at the same time elevating itself by virtue of all the sensations that were conveyed in the canvases. Sardinian artist Laura Batzu enters the world of Symbolism in a new way, akin to the evolution of thought and approach to the surrounding environment that belongs to those who, in the contemporary era, have been able to follow a spiritual path that diverges from the pragmatism and superficiality on which today’s individual floats, orienting themselves instead towards a deeper understanding, a listening to the self in perfect harmony with nature and with all reality understood as subjectivity rather than objectivity.

The correlation with the energies that hover intangibly around every aspect of existence is what emerges clearly and unequivocally from her canvases, in which figuration is sometimes mixed with abstraction, because some concepts cannot be conveyed visually but must be left to intuition, and in which Realism merges with Surrealism to generate a Neo-Symbolism where spirituality and the magic that emanates from the soul are represented in a clear manner, without nuances, as if definition were necessary for understanding. One of Laura Batzu‘s most striking characteristics is that she leaves her delicate female figures without mouths, perhaps because the deepest inner emotions should only be experienced by oneself, hidden and protected from the outside world and understandable only through silence understood as a moment of reflection, or perhaps because it is only by depriving oneself of words that it is possible to hear the voice of the soul, that soft melody that allows one to let go and surrender to the surreal atmospheres that belong to the unconscious and to dreams. In the artist’s canvases, every detail, every object, every background serves to create a symbol, an allegory of thoughts, ideas, and beliefs that accompany anyone who is able to rise above contingency and believe that there are infinite other possibilities, countless other worlds and ways in which to choose to walk. This is the concept that emerges from the artwork Cosmos, the doors, perhaps the most abstract of Laura Batzu‘s canvases, because the grid that fills the canvas is interrupted only by luminous elliptical shapes corresponding to quantum doors; by choosing one of them, human beings can shift and change their current state, they can modify the life they are living to enter another one more in line with their path, more in line with the evolutionary drive they feel they must fulfill without succeeding.

The lines that are strongly linked to each other constitute karmic unions, those that will never be lost regardless of the choice-door that will be crossed and that will accompany whatever path lies beyond the quantum leap that will be made. Laura Batzu‘s philosophy is therefore inseparable from her artistic production, as if art were the voice she was unable to express in the past, when, as a shy child, she preferred to choose carefully the people with whom she would talk. This is the meaning of the painting Il guscio (The Shell), in which she expresses that secret and protected dimension where she kept her secrets, emotions, and adolescent thoughts that she could only express to herself, in the silence of her bedroom, where she knew that no one would invade the space necessary for her soul to express hers deepest feelings. The presence of nature and animals emphasizes the importance that contact with simplicity and spontaneity has in the author’s world, but at the same time it is also an invitation to go out, grow, and undergo the natural evolution that every human being will sooner or later have to face, while keeping alive within themselves the most beautiful period, that of youth, when everything seemed easier.

New Age thinking, to which Laura Batzu is strongly attached, and which is also close to Eastern philosophical theories, absolutely believes in reincarnation, in the survival of the soul, which, in order to undertake the necessary journey of spiritual growth, is called upon to choose the bodies in which to start living again and the others with whom to meet again, generating a strong and eternal karmic bond with them, and this is precisely the meaning of the artwork La matrice (The Matrix). Here, souls are represented in that suspended moment before descending into new bodies, and above all in the phase of reflection and choice of who they will want to find, again and again, in their subsequent journeys and who, on the other hand, they will need to distance themselves from because they are no longer functional to an evolution that requires constant renewal. All the backgrounds used by Laura Batzu exude a sense of peace, balance, and suggestion that encourages the observer to listen, who cannot help but feel enveloped by that unusual dimension and the subtle message hidden within the works. In particular, Le fil rouge narrates the circularity of lives, circumstances, and the mechanism of cause and effect that link what happens in the current life to the previous one, because in fact what has not been resolved must find its own peace, its own reason that the soul always carries with it, just as encounters guided by destiny are repeated in all subsequent lives, albeit with different appearances and modalities determined by the choices of free will. Laura Batzu mainly paints in oils but also uses pastels, watercolors, natural materials, paper, and ceramics, as well as canvas. She has participated in group exhibitions in Italy, Kiev, Mexico, and Paris, as well as several solo exhibitions; her artworks are present in private collections in Italy, France, Belgium, Germany, and Mexico.