La golosità voluttuosa della scultura pittorica di Justin Gaffrey che immette nella pittura l’abilità decorativa gastronomica

Alcuni artisti presentano una dualità esecutiva che non riesce a rimanere completamente distinta, bensì ha bisogno di entrare in stretta connessione al punto di fondersi per dare vita a un dialogo espressivo che appaga l’istinto creativo dell’autore e al contempo meraviglia l’osservatore che si trova di fronte a immagini familiari ma realizzate con un aspetto inatteso e sorprendente. Questa è la caratteristica distintiva di Justin Gaffrey che applica la conoscenza decorativa proveniente dall’esperienza passata come chef, a un percorso pittorico in cui coniuga l’amore per i paesaggi e per la flora alla soffice morbidezza che ricorda la panna montata, le creme golose, e alla sinuosità scolpita attraverso strumenti studiati, progettati e fatti realizzare per essere pienamente conformi alla sua esigenza creativa.

Coniugare tecniche che sconfinano dall’ambito tradizionale della pittura e della scultura per dare vita a linguaggi innovativi e sorprendenti è una tendenza emersa nelle sperimentazioni della seconda metà dell’Ottocento ma poi proseguita in maniera via via più articolata e contaminante in tutto il secolo scorso fino a giungere all’attuale. Con l’Arts and Crafts inglese, movimento nato subito dopo la Rivoluzione Industriale che aveva ridotto gli oggetti, e l’uomo, a mera parte di una catena di montaggio asettica e schematica, l’artigianato era entrato di diritto nel mondo artistico proprio per la sua caratteristica di originalità nel poter creare forme e figure floreali flessuose e curvilinee impossibili da riprodurre dalla tecnologia di quell’epoca. Il movimento diede di fatto inizio a tutta la corrente Art Nouveau che si diffuse rapidamente nell’intera Europa, prendendo nomi diversi di paese in paese, e che coinvolse molteplici ambiti creativi, dalla gioielleria alla creazione di mobili, dalla pittura alla scultura, dalla decorazione alla vetreria passando per gli interni dei palazzi in legno o in ferro battuto, mostrando come le varie tecniche esecutive potessero trasformarsi e ispirarsi reciprocamente convergendo nell’obiettivo comune di soffermarsi sulla bellezza, su un gusto estetico che doveva necessariamente sopravvivere e contrastare la monotonia degli oggetti prodotti in serie. Tra i grandi rappresentanti del movimento vi fu l’architetto catalano Antoni Gaudì, maestro del Modernismo spagnolo, che contraddistinse le sue costruzioni architettoniche con forme ondulate ispirare al mare, alle creature che lo abitano, oppure a merletti e a mondi immaginari che lo riconducevano anche a una sorta di Surrealismo immersivo. Ma l’attitudine a inserire materiali insoliti e tecniche appartenenti ad ambiti diversi dall’arte proseguì insinuandosi in quelle avanguardie del Novecento che, pur distaccandosi dalla morbidezza formale e dall’inseguimento del gusto estetico tipico dell’Art Nouveau, perseguirono l’obiettivo di sconfinare dalla tradizione, di fuoriuscire dalla tela apponendovi materiali insoliti, scarti di lavorazioni industriali, bruciando e fondendo fino a plasmarli per renderli affini alla poetica espressiva; questa fu la caratteristica dell’Arte Informale di Alberto Burri e di Antoni Tàpies, anticipatore quest’ultimo del movimento dell’Arte Povera, dove i mestieri di falegname, di fabbro, di tuttofare, entravano di diritto all’interno di un processo creativo in cui a essere importante era anche il percorso per raggiungere il risultato espressivo finale. In un’epoca contemporanea dove la tecnologia ha preso il sopravvento, sono state elevate a forma d’arte anche professioni inizialmente rigorosamente distaccate da essa, soprattutto quelle in cui la manualità e l’originalità riescono ancora a dar vita a forme armoniche di alto gusto estetico e di unicità; tra questi nuovi approcci, anche la pasticceria ha trovato un posto di primo piano poiché i grandi maestri dolciari hanno cominciato a comporre dei veri e propri capolavori gastronomici attraverso disegni e decorazioni avvicinabili a un’alta abilità pittorica. Ed è proprio qui che si inserisce la produzione dello statunitense Justin Gaffrey che sembra aver effettuato un percorso al contrario poiché da chef di alto livello misuratosi in particolar modo con la pasticceria, è passato gradualmente, fino a farla divenire preponderante, alla pittura che però mantiene le medesime caratteristiche decorative dell’arte pasticcera trasformando i suoi dipinti in pittosculture golose che sollecitano il desiderio di tuffarsi nella sofficità evocata dal colore solido e stratificato, modellato per apparire morbido.

Anche dal punto di vista dei soggetti, Gaffrey si riallaccia alla tradizione Art Nouveau nel momento in cui narra il magico mondo dei fiori, o degli animali più leggeri ed evanescenti come le farfalle e le meduse, associando la loro delicatezza alla magia quasi decontestualizzata di sfondi irreali quanto incantati e sempre contrassegnati da quella tridimensionalità voluttuosa che appartiene al gesto pittorico dell’autore.

Un’altra serie è dedicata invece ai paesaggi, agli scorci acquatici della Florida, lo stato dove risiede, che lo ispira a raccontare sia il mare con le sue onde che sembrano fatte di panna montata grazie alla sua azione stratificata che va a scavare la densità scultorea della pittura, e sia i panorami lacustri appartenenti all’interno di un territorio in cui il sole e la natura sono predominanti su tutto il resto.

Il suo passato da chef gli ha permesso di creare strumenti unici in virtù dei quali riesce a plasmare l’acrilico come fosse una crema morbida, allo stesso modo in cui in passato usava la crema di burro e la panna montata per creare sculture dolci deliziando lo sguardo quanto le papille gustative; nel caso della pittura tuttavia la sensazione è visiva e tattile ma assolutamente permanente, non rischia di essere distrutta dal taglio del coltello o dall’affondo di un cucchiaino, trattenendo così l’emozione e l’attitudine a fuoriuscire dal supporto per invadere lo spazio circostante, come se una bidimensionalità non fosse immaginabile per Justin Gaffrey. Operando rigorosamente su tavole in legno, necessarie per sostenere il peso della densità del colore che viene poi inciso e ricolorato per dargli la forma finale, l’autore agisce con un processo istintivo e immediato, quello dell’apposizione con uno strumento molto simile a quello con cui il muratore applica la malta prima di spalmarla, che un attimo dopo diventa meditato e razionale poiché dare la forma a quei rilievi indefiniti richiede visionarietà e abilità manuale. Il risultato è un mondo poetico e magico dove la natura è in perfetto equilibrio armonico e induce l’osservatore a sognare lasciandosi cullare dal magnetismo delle acque, dalla luminosità del sole e dalla leggerezza dei fiori e delle farfalle, spesso presenti.

Arcadia Butterfly, strutturata a forma di arco come fosse una parte di un pannello a bifora, mostra tutti gli elementi più tipici di Justin Gaffrey, che qui si mescolano per dare vita a un’ambientazione fiabesca, a uno scorcio di un panorama immaginario o reale, l’interpretazione è lasciata all’immaginazione e alla memoria emotiva dell’osservatore, che rivela tutta la delicatezza espressiva di uno stile personale che tuttavia si riallaccia fortemente a quella tradizione Art Nouveau in cui le linee curve e la decoratività floreale predominavano per dare risalto alla bellezza intesa in un senso tradizionale eppure modernizzata. Ecco, Justin Gaffrey nella contemporaneità e con il suo stile spiccatamente materico, si distacca da una tecnologia fin troppo predominante per tratteggiare un mondo ideale fatto di piccole cose, di piccoli piaceri che sembrano fuoriuscire tendendo la mano al fruitore. La leggerezza delle farfalle, raffigurate bidimensionalmente, che si innalzano verso il cielo celeste tenue viene contrapposta alla rigogliosità dei fiori fortemente legati alla terra che li nutre e che mostrano tutta la loro esuberanza lussureggiante stratificandosi e uscendo dalla superficie in legno.

In Seascape Justin Gaffrey evoca il calore di un sole alto nel cielo che lo accoglie quasi cullandolo, sensazione che viene evocata con quelle linee tondeggianti e spesse a forma di nido, come a volerlo trattenere a sé il più a lungo possibile per continuare a scaldare le acque e i fiori. In questo lavoro la prospettiva è particolarmente evidente e accentuata dallo spessore degli steli dei fiori e delle onde vicine alla riva, contrapposte allo sfondo in cui invece la pittura è utilizzata in modo tradizionale evidenziando la differenza di piani di osservazione tra ciò che si trova davanti e ciò che invece è più lontano come l’orizzonte e il cielo roseo che testimonia la fine dell’alba dopo che il sole si è alzato per far sentire il suo tepore.

Daylight lakescape 19 raffigura invece un paesaggio lacustre, uno di quelli che l’autore ha il privilegio di avere costantemente davanti agli occhi vivendo in quella parte di Florida che affaccia sul Golfo del Messico; osservando questo dipinto si ha la sensazione di trovarsi più di fronte a uno scorcio immaginario frutto della fantasia, quasi fosse un ricordo fanciullesco, perché l’irrealtà del cielo solcato da un’onda evidenzia ed enfatizza il resto della composizione che dunque appare magica in quella cornice incantata dove l’acqua e il cielo sembrano confondersi e dove le piante sono contraddistinte da un colore tenue quasi in scala con la predominante verde acqua dell’opera. La loro matericità contribuisce a far emergere l’impressione di trovarsi alle porte di un mondo fatato che nasconde mille meraviglie tutte da scoprire.

Justin Gaffrey ha al suo attivo molte mostre personali negli Usa, le sue opere fanno parte di collezioni internazionali e trovano spazio in gallerie, strutture ricettive, collezioni private, installazioni pubbliche, pubblicazioni editoriali e collaborazioni nel campo del design; il suo studio è a Santa Rosa Beach, nella costa occidentale della Florida.

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The voluptuous gluttony of the pictorial sculpture by Justin Gaffrey who infuses painting with a gastronomic decorative flair

Some artists exhibit a duality in their executive practice that cannot remain entirely distinct, rather it needs to enter into such a close connection, to the point of merging, that it gives rise to an expressive dialogue that fulfills the author’s own creative instinct while simultaneously astonishing the observer who finds himself confronted with familiar images rendered in an unexpected and surprising way. This is the hallmark of Justin Gaffrey who applies the decorative expertise gained from his past experience as a chef to a painterly practice in which he combines his love for landscapes and flora with a soft, velvety texture reminiscent of whipped cream and luscious custards, and with sinuous forms sculpted using tools studied, designed, and custom-made to fully meet his creative needs.

Combining techniques that go beyond the traditional realm of painting and sculpture to give rise to innovative and surprising forms of expression is a trend that emerged in the experimental art of the second half of the Nineteenth century but then continued in an increasingly complex and cross-fertilizing manner throughout the last century, right up to the present day. With the English Arts and Crafts movement which emerged immediately after the Industrial Revolution, a period that had reduced objects, and indeed people, to mere cogs in a sterile and schematic assembly line, craftsmanship rightfully entered the artistic world precisely because of its originality in creating supple, curvilinear floral forms and figures that were impossible to reproduce with the technology of that era.

The movement effectively gave rise to the entire Art Nouveau movement,which spread rapidly throughout Europe, taking on different names from country to country, and encompassed a wide range of creative fields, from jewelry to furniture design, from painting to sculpture, from decoration to glasswork, and even the interiors of wooden or wrought-iron buildings, demonstrating how various techniques could transform and inspire one another while converging toward the common goal of celebrating beauty, an aesthetic sensibility that was essential to survive and counteract the monotony of mass-produced objects. Among the movement’s leading figures was the Catalan architect Antoni Gaudí, a master of Spanish Modernism, who distinguished his architectural works with undulating forms inspired by the sea, the creatures that inhabit it, or by lace and imaginary worlds that also led him toward a sort of immersive Surrealism.

But the tendency to incorporate unusual materials and techniques from fields outside of art continued to permeate the avant-garde movements of the 20th century which, while distancing themselves from the formal softness and pursuit of aesthetic taste typical of Art Nouveau, sought to transcend tradition, to break free from the canvas by applying unusual materials, industrial waste, burning and melting them until they were shaped to align with the expressive poetics; this was the hallmark of the Informal Art of Alberto Burri and Antoni Tàpies, the latter a forerunner of the Arte Povera movement, where the trades of carpenter, blacksmith, and handyman rightfully became part of a creative process in which the journey toward the final expressive result was just as important as the result itself. In the contemporary era where technology has taken over, even professions that were initially strictly detached from art have been elevated to the status of art forms, especially those in which manual skill and originality still manage to give rise to harmonious forms of high aesthetic taste and uniqueness; among these new approaches, pastry has also taken center stage as master pastry chefs have begun to create true gastronomic masterpieces through designs and decorations that rival the skill of fine art painting. And this is precisely here that comes in the work of American artist Justin Gaffrey who seems to have taken a reverse path as he began as a top-tier chef who specialized particularly in pastry, gradually shifting until it became his primary focus, to painting which, however, retains the same decorative characteristics as the art of pastry-making, transforming his artworks into mouthwatering paintings-sculptures that stir the desire to dive into the softness evoked by the solid, layered color, shaped to appear supple.

Even in terms of subject matter, Gaffrey draws on the Art Nouveau tradition as he depicts the magical world of flowers, or of the lightest, most evanescent creatures such as butterflies and jellyfish, associating their delicacy with the almost decontextualized magic of backgrounds that are as unreal as they are enchanted—and always marked by that voluptuous three-dimensionality characteristic of the artist’s painterly style. Another series, on the other hand, is dedicated to landscapes, the watery vistas of Florida, the state where he lives, which inspire him to depict both the sea with its waves that seem to be made of whipped cream thanks to his layered technique that carves out the sculptural density of the painting, and the lake views of an inland region where the sun and nature reign supreme over everything else. His background as a chef has allowed him to create unique tools with which he shapes acrylic paint as if it were a soft cream, just as he once used buttercream and whipped cream to create sweet sculptures that delighted the eye as much as the taste buds; in the case of painting, however, the sensation is both visual and tactile yet absolutely permanent because it runs no risk of being destroyed by the cut of a knife or the thrust of a teaspoon, thus retaining the emotion and the tendency to spill out from the canvas to invade the surrounding space, as if two-dimensionality were unimaginable for Justin Gaffrey. Working exclusively on wooden panels necessary to support the weight of the dense paint, which is then carved and repainted to give it its final form, the artist begins with an instinctive and immediate process, applying the paint with a tool very similar to the one a bricklayer uses to apply mortar before spreading it, that a moment later becomes thoughtful and rational, since giving shape to those undefined contours requires vision and manual skill. The result is a poetic and magical world where nature is in perfect harmony, inviting the viewer to dream while being lulled by the allure of the water, the radiance of the sun, and the lightness of the flowers and butterflies which are often present. Arcadia Butterfly, structured in the shape of an arch as if it were part of a mullioned window, displays all of Justin Gaffrey’s most characteristic elements which blend here to bring to life a fairy-tale setting, a glimpse of a landscape that may be imaginary or real the interpretation is left to the viewer’s imagination and emotional memory, revealing all the expressive delicacy of a personal style that nevertheless draws strongly on the Art Nouveau tradition, in which curved lines and floral ornamentation predominated to highlight beauty understood in a traditional yet modernized sense. Indeed Justin Gaffrey in the contemporary context and with his distinctly textural style, distances himself from an all-too-dominant technology to sketch an ideal world made up of small things, of small pleasures that seem to spill out, reaching out to the viewer.

The lightness of the butterflies depicted in two dimensions as they soar toward the pale blue sky, is contrasted with the lushness of the flowers which are deeply rooted in the earth that nourishes them and display all their luxuriant exuberance as they layer upon one another and emerge from the wooden surface. In Seascape Justin Gaffrey evokes the warmth of a sun high in the sky that embraces him, almost cradling him, a sensation conveyed by those thick, rounded, nest-like lines, as if seeking to hold him close for as long as possible to continue warming the waters and the flowers. In this work, perspective is particularly evident and accentuated by the thickness of the flower stems and the waves near the shore, in contrast to the background, where painting is used in a traditional manner to highlight the difference in planes of observation between what lies in the foreground and what is farther away such as the horizon and the rosy sky that signals the end of dawn after the sun has risen to radiate its warmth. Daylight Lakescape 19 on the other hand depicts a lakeside landscape, one of those that the artist has the privilege of constantly seeing before his eyes, living as he does in that part of Florida that overlooks the Gulf of Mexico.

Looking at this painting, one gets the feeling of being faced not so much with an imaginary scene born of the imagination, almost like a childhood memory, because the unreality of the sky, crisscrossed by a wave, highlights and emphasizes the rest of the composition which thus appears magical in that enchanted setting where the water and sky seem to merge and where the plants are characterized by a soft color that harmonizes with the work’s predominant aqua-green hue. Their textural quality helps create the impression of standing at the threshold of a fairy-tale world that hides a thousand wonders waiting to be discovered. Justin Gaffrey has held numerous solo exhibitions in the U.S., his works are part of international collections and can be found in galleries, hospitality venues, private collections, public installations, publications, and design collaborations; his studio is located in Santa Rosa Beach, on Florida’s west coast.