La meraviglia della realtà osservata nei dipinti di Ágnes Feith-Göblös, quando il Post-Impressionismo tende la mano all’Espressionismo

Spesso il modo in cui un artista tratteggia i suoi pensieri e le sue emozioni sulla tela, ne svela l’attitudine esistenziale nei confronti di una vita e di un quotidiano cangianti e mutevoli sulla base del soggetto osservante, e di conseguenza dell’interpretazione che ne viene data; dare vita a un’opera d’arte equivale per un autore ad abbandonare le barriere difensive della razionalità per mostrare se stesso e la sua natura più spontanea, immediata, priva di quei filtri che abitualmente l’essere umano utilizza per schermarsi dal mondo esterno.

La scelta di come mostrarsi, attraverso quale stile e quale linguaggio, si collega dunque all’inclinazione espressiva di ciascun autore e determina il modo in cui le sue opere vengono ricevute dall’osservatore esterno, generando così lavori più ermetici e meditativi, altri più manifesti eppure con qualcosa da scoprire al di sotto della patina reale, e infine ve ne sono alcuni che mantengono contestualmente il contatto con la realtà ma anche un forte legame con il senso profondo che inevitabilmente va a stimolare la riflessione forse proprio in virtù della mancanza di una definitezza estetica che diversamente renderebbe la realtà meno stimolante e affascinante. Questa è esattamente la cifra stilistica che contraddistingue la protagonista di oggi, un’artista originale, sperimentatrice e al contempo legata formalmente a un passato recente che ha rotto le regole precedenti permettendo alla pittura di entrare nell’epoca moderna.

Gli ultimi anni dell’Ottocento segnarono l’inizio di una rivoluzione destinata a cambiare per sempre il volto dell’arte mondiale, perché alcuni autori avvertirono l’esigenza di ribellarsi contro le rigide regole accademiche che avevano contraddistinto i movimenti antecedenti, ma anche di allontanarsi dalla ricerca di aderenza alla realtà osservata che aveva caratterizzato l’Impressionismo, malgrado questo movimento fu di fatto il principio da cui presero spunto i successivi innovatori. Già il Post-Impressionismo, pur facendo proprie le ricerche sulla scomposizione della pennellata tipica della pittura impressionista, sottolineò l’attitudine a un distacco da ciò che lo sguardo poteva cogliere nell’ambiente circostante per lasciare maggiore spazio alla sensazione provata dall’autore di una tela che ne diveniva dunque interpretazione suggestiva. Laddove però George Seurat studiò la suddivisione della pennellata in modo quasi scientifico analizzando l’interazione tra colori e retina dell’occhio creando lo stile chiamato Puntinismo, e Paul Cézanne indugiò invece su una frammentazione geometrica anticipando di fatto l’analisi razionale del Cubismo, Vincent Van Gogh fu invece l’autore che più di tutti introdusse l’impulso emozionale nell’opera d’arte divenendo anticipatore dell’appena seguente Espressionismo. Il fascino turbolento delle sue opere fu enfatizzato da sensazioni incontrollabili e impulsive, esaltate dal suo tratto frammentato costituito da righe parallele e sinuose che infondevano nell’osservatore il senso di fragilità esistenziale e interiore che da esse si manifestava, come se l’arte fosse per il pittore olandese l’unica via per salvare se stesso.

Con la nascita della pittura espressionista fu evidente che l’arte avvertisse il bisogno di andare verso una direzione nuova, così le intuizioni del Post-Impressionismo di Vincent Van Gogh furono ampliate e applicate a una vera e propria rivoluzione cromatica, più aderente alle idee dei Fauves francesi orientati al completo distacco da ogni regola estetica perché troppo divergente dal burrascoso mondo emotivo, ma soprattutto al sopravvento della soggettività rispetto all’oggettività mantenendo tuttavia il legame con la figurazione. Edvard Munch, pur nella cupezza delle sue tele, fu forse l’autore che più di tutti mescolò l’emozionalità espressionista all’attitudine alla suddivisione esecutiva in sottili e sinuose righe che contraddistinse il Post-Impressionismo di Vincent Van Gogh. L’artista ungherese Ágnes Feith-Göblös dà vita nella contemporaneità a uno stile pittorico assolutamente personale in cui però non possono fare a meno di emergere le connessioni dell’autrice con i due stili rivoluzionari del periodo a cavallo tra Ottocento e Novecento, il Post-Impressionismo e l’Espressionismo, che tuttavia in lei assumono un aspetto più morbido e anche più indefinito in alcune opere, quasi la scomposizione cromatica risentisse di quella frammentazione tipicamente impressionista che impediva di distinguere i soggetti se osservati da vicino.

Ma ciò che rende uniche le opere di Ágnes Feith-Göblös è l’utilizzo della tecnica del fluido diretto, solitamente definita Fluid Art e abitualmente legata all’Astrattismo, che lei trasforma in mezzo per ottenere la figurazione mobile e fluttuante che contraddistingue il suo stile artistico. I colori acrilici, generalmente troppo viscosi, vengono miscelati con dei mezzi fluidificanti e versati direttamente sulla tela o sul supporto, creando sfumature e motivi unici dove poi l’autrice interviene con l’uso di con vari strumenti – spatola, forchetta, bastoncino, pennelli – per dare la forma finale alle immagini che desidera rendere protagoniste.

Laddove il procedimento potrebbe sembrare analitico, in Ágnes Feith-Göblös invece è completamente emozionale poiché è esattamente dal fluire cromatico che magicamente comincia a prendere vita il soggetto figurativo che risulterà dunque vibrante e intenso proprio in virtù di un’indefinizione funzionale a lasciar emergere le sensazioni dell’autrice e, di conseguenza, dell’osservatore.

La gamma cromatica è luminosa, solare anche quando vengono ritratte scene notturne, perché ciò che emerge è l’anima, la visione soggettiva di tutto ciò che colpisce lo sguardo artistico di Ágnes Feith-Göblös e che viene raccontato sotto forma di incantevole reinterpretazione, quasi come se guardato attraverso la meraviglia di un istinto fanciullesco mai messo in secondo piano dal passare degli anni. I soggetti sono molteplici, così come l’atteggiamento narrativo poiché a volte predomina la contemplazione, il desiderio di mostrare scorci e paesaggi secondo il proprio punto di vista, altre emerge una figurazione più definita ed espressionista che conduce sottilmente verso la riflessione nei confronti di tematiche contemporanee, e infine altre sono semplice memoria di una circostanza vissuta che ha rapito il cuore dell’autrice.

A quest’ultima serie appartiene il dipinto Venetian Carnival Tale, dove Ágnes Feith-Göblös mette in primo piano una delle bellissime maschere del carnevale della città italiana unica al mondo, da cui lei stessa si è sentita completamente conquistata nel momento in cui ha vissuto quella magica esperienza; il colore qui è fortemente frammentato e contribuisce a rendere l’opera palpitante, fluttuante come le acque della laguna veneziana, in completa armonia con il colore dominante dello sfondo, quell’azzurro che renderebbe indistinguibile il cielo dal mare se non fosse per la presenza in lontananza dei monumenti che caratterizzano la città. Osservando la tela sembra di sentire la musica, l’emozione solenne delle persone che indossano le meravigliose maschere celando o lasciando intuire enigmi, misteri e storie nascoste tra le calli. I lavori che stimolano di più la riflessione sono quelli in cui Ágnes Feith-Göblös introduce i QR Codes nascondendoli dietro un aspetto cromatico accattivante e gioioso, quasi a suggerire che al di sotto della patina di superficie in cui si incastona il vivere attuale, esiste da un lato la possibilità facilitativa di ricevere informazioni rapide su qualsiasi argomento di interesse del singolo, ma dall’altro quello di catalogare ogni cosa dal punto di vista tecnologico fino a perdere il fascino di vivere e scoprire attraverso l’esperienza, la sperimentazione o un tipo di approfondimento diverso in cui l’intelletto è più stimolato. La velocità di reperimento delle informazioni tramite il QR Code può essere pertanto una risorsa ma può anche generare un impigrimento della mente se si abitua a ottenere tutto troppo facilmente.

Questo è il senso del dipinto Lady adorned with QR Codes, come se tutte le parti di sé dovessero divenire facilmente accessibili all’osservatore, come se ella stessa fosse un prodotto di largo consumo, lasciando emergere così la terza chiave di lettura di questa serie di opere. Friendship Chess – Game in the Park è forse la tela più impressionista della selezione presentata in questo testo, poiché qui la tecnica del fluido diretto sembra essere stata prevalente nella creazione finale, la scomposizione del tratto rende assolutamente indefinita l’immagine che si rivela solo nel momento in cui l’osservatore prende le distanze dall’opera; i veri protagonisti in questo caso sono gli scacchi, gli amici che Ágnes Feith-Göblös menziona nel titolo non sono distinguibili dallo sfondo, come se a essere importante non fosse il singolo giocatore, piuttosto il piacere aggregativo costituito da un gioco antico, lontano da ogni tipo di modernità contemporanea, eppure ancora in grado di far socializzare le persone, di stimolare le menti e di essere un modo per lasciare le proprie case e incontrarsi esattamente come si faceva tanti anni fa.

Ágnes Feith-Göblös ha al suo attivo la partecipazione a mostre e concorsi, dove è spesso risultata vincitrice o ha ricevuto diversi premi speciali; le sue opere sono state esposte in numerose mostre collettive a Budapest, principalmente alla Golden Duck Gallery, alla Sors Gallery, all’Etele Plaza e alla A38 Ship e all’estero, in Francia e in Austria.

ÁGNES FEITH-GÖBLÖS-CONTATTI

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The wonder of the observed reality in the paintings of Ágnes Feith-Göblös, where Post-Impressionism reaches out to Expressionism

Often, the way an artist renders thoughts and emotions on canvas reveals his existential stance toward a life and a daily reality that shift and change depending on the observer and, consequently, on the interpretation applied; for the artist bringing a work of art to life means letting go of the defensive barriers of rationality to reveal his true self and most spontaneous, immediate nature, stripped of the filters human being typically use to shield himself from the outside world. The choice of how to present oneself, through which style and language, is thus linked to each author’s expressive inclination and determines how his artworks are received by the external observer; giving rise to works that are more hermetic and meditative, others that are more overt yet harbor something to be discovered beneath the surface, and finally, works that simultaneously maintain a connection to reality and a strong bond with a deeper meaning, inevitably prompting reflection, perhaps precisely because they lack a fixed aesthetic definition that would otherwise render reality less stimulating and fascinating. This is precisely the stylistic hallmark that distinguishes today’s protagonist, an original, experimental artist who is nonetheless formally linked to a recent past that broke with established rules, allowing painting to enter the modern era.

The late Nineteenth century marked the beginning of a revolution destined to change the face of world art forever, because some artists felt the need to rebel against the rigid academic rules that had defined earlier movements, but also to move away from the pursuit of fidelity to observed reality that had characterized Impressionism, even though this movement was, in fact, the starting point from which subsequent innovators drew inspiration. Post-Impressionism, while embracing the exploration of the decomposition of the brushstroke typical of Impressionist painting, emphasized a detachment from what the eye could perceive in the surrounding environment, leaving more room for the artist’s own sensation of the subject, which thus became a suggestive interpretation. Whereas George Seurat studied the subdivision of the brushstroke in an almost scientific manner by analyzing the interaction between colors and the retina of the eye, creating the style known as Pointillism, and Paul Cézanne focused instead on geometric fragmentation, effectively anticipating the rational analysis of Cubism, Vincent van Gogh, on the other hand, was the artist who, more than any other, introduced emotional impulse into the work of art, becoming a forerunner of the soon-to-follow Expressionism.

The turbulent allure of his artworks was emphasized by uncontrollable and impulsive emotions, heightened by his fragmented brushwork composed of parallel and sinuous lines that instilled in the viewer a sense of the existential and inner fragility they conveyed, as if art were the only way for the Dutch painter to save himself. With the birth of Expressionist painting it became evident that art felt the need to move in a new direction, thus the intuistions of Vincent van Gogh’s Post-Impressionist were expanded and applied to a genuine chromatic revolution that aligned more closely with the ideas of the French Fauves, who sought a complete break from aesthetic rules deemed too far removed from the turbulent emotional realm, and who prioritized subjectivity over objectivity, while nonetheless maintaining a link to figuration. Despite the somberness of his canvases, Edvard Munch was perhaps the artist who most effectively blended Expressionist emotion with the technique of breaking down the image into the fine, sinuous lines that characterized the Post-Impressionism of Vincent van Gogh. Hungarian artist Ágnes Feith-Göblös brings in the contemporary era a deeply personal approach to painting that nonetheless inevitably reveals her connections to the two revolutionary styles spanning the turn of the 20th century, Post-Impressionism and Expressionism, which however in her take on a softer aspect, and even undefined in some artworks as if the chromatic decomposition were affected by that typically Impressionist fragmentation which made it impossible to distinguish the subjects when viewed up close. But what makes Ágnes Feith-Göblös’s works unique is her use of the direct fluid technique, usually referred to as Fluid Art and typically associated with Abstract Art, which she transforms into a medium for achieving the mobile, fluctuating figuration that distinguishes her artistic style. Acrylic paints, which are generally too viscous, are mixed with fluidizing agents and poured directly onto the canvas or support, creating unique gradations and patterns where the artist then intervenes with various tools – painting knife, fork, stick, brushes – to give the final form to the images she wishes to make the protagonists. While the process might appear analytical, in the work of Ágnes Feith-Göblös it is entirely emotional as is exatly from the chromatic flow that the figurative subject magically comes to life, which will thus prove vibrant and intense, precisely by virtue of an indefiniteness that allows to emerge the sensations of the artist and, consequently, those of the observer. The color palette is luminous and radiant even when depicting night scenes because what truly emerges is the soul, the subjective vision of everything that catches Ágnes Feith-Göblös’s artistic eye and that is recounted through an enchanting reinterpretation, as if viewed with the sense of wonder of a childlike instinct that the passing years have never eclipsed.

The subjects are varied, as is the narrative approach becase at times predominates contemplation, the desire to present vistas and landscapes from a personal perspective, in other instances emerges a more defined, expressionist figurative style, subtly prompting reflection on contemporary themes, and finally, others are simply the memory of an experience that captured the author’s heart. To this last series belongs the painting Venetian Carnival Tale in which Ágnes Feith-Göblös brings to the foreground one of the beautiful carnival masks of the Italian city unique in the world which completely captivated her the moment she experienced that magical moment; the work here is highly fragmented and helps make the work pulsating, fluctuating like the waters of the Venetian lagoon, in complete harmony with the dominant color of the background, that shade of blue that would make the sky indistinguishable from the sea were it not for the presence in the distance of the monuments that characterize the city. Looking at the canvas, one seems to hear the music, the solemn emotion of the people wearing the marvelous masks concealing or hinting at enigmas, mysteries, and stories hidden among the narrow streets. The works that most stimulate reflection are those in which Ágnes Feith-Göblös incorporates QR codes, concealing them behind an appealing and joyful chromatic appearance almost as if to suggest that beneath the surface veneer in which contemporary life is embedded, there exists on the one hand the convenient possibility of quickly accessing information on any topic of personal interest, but on the other, the tendency to categorize everything from a technological perspective to the point of losing the charm of living and discovering through experience, experimentation, or a different kind of exploration in which the intellect is more deeply stimulated. The speed with which information can be retrieved via a QR code can therefore be an asset, but it can also lead to mental laziness if one becomes accustomed to obtaining everything too easily.

This is the meaning behind the painting Lady Adorned with QR Codes, as if all parts of herself were meant to become easily accessible to the viewer, as if she herself were a mass-market product thus revealing the third interpretation of this series of works. Friendship Chess – Game in the Park is perhaps the most Impressionist canvas in the selection presented in this text, since here the technique of direct, fluid work seems to have prevailed in the final creation; the fragmentation of the brushstrokes renders the image utterly indefinite, revealing itself only when the viewer steps back from the work; the true protagonists in this case are the chess pieces, the friends Ágnes Feith-Göblös mentions in the title are indistinguishable from the background, as if what matters were not the individual player, but rather the communal pleasure derived from an ancient game, far removed from any form of contemporary modernity yet still capable of bringing people together, stimulating their minds, and serving as a way to leave their homes and meet up just as they did many years ago. Ágnes Feith-Göblös has participated in exhibitions and competitions, where she has often won or received various special awards; her works have been displayed in numerous group exhibitions in Budapest, primarily at the Golden Duck Gallery, the Sors Gallery, Etele Plaza, and the A38 Ship, as well as abroad, in France and Austria.