L’Astrattismo Pop di David Moses, quando il mondo dei fumetti Disney viene sovrastato dal caos dell’indefinito

Nell’era contemporanea esistono interpreti che hanno bisogno di rompere ogni schema, annullare i confini tra stili pittorici differenti e coniugare opposizioni espressive apparentemente inconciliabili perché fare arte significa anche tracciare nuove linee, soprattutto quando si rivelano più affini a un’indole narrativa per cui restare all’interno di un’unica direzione appare come una gabbia da cui liberarsi. La sinergia diviene particolarmente sorprendente quando a venire associati sono linguaggi che alla loro nascita si ponevano obiettivi completamente diversi risultando agli antipodi come bacino di interesse; eppure, nella modernità, esistono autori che avvertono l’esigenza di sovvertire l’ordine predefinito aggiungendovi quel caos creativo e dirompente in virtù del quale rendono meno esplicito il messaggio che intendono nascondere al di sotto dello strato del visibile. David Moses è uno di questi artisti e per concretizzare la sua attitudine espressiva attinge a due movimenti del passato, nati nello stesso periodo ma assolutamente divergenti nella manifestazione visiva.

Poco dopo la fine della seconda guerra mondiale cominciarono a emergere negli Stati Uniti dei movimenti artistici che segnarono una rinascita emozionale ma anche una nuova libertà di espressione in precedenza limitata e ostacolata dagli orrori bellici attraverso i quali la spontaneità degli artisti fu bloccata dagli accadimenti. Non solo, la rinascita della società e l’affermarsi della classe media condussero al desiderio di alcuni autori a rivolgersi proprio a quel nuovo pubblico che doveva essere raggiunto parlando un linguaggio più comprensibile anche per chi non aveva avuto una formazione culturale adeguata a comprendere l’arte. Da un lato dunque l’Espressionismo Astratto mostrò l’irruenza emozionale attraverso la quale il gruppo di interpreti della corrente lasciò fluire tutto quel mondo interiore che aveva attraversato il conflitto, molti di loro furono costretti ad abbandonare l’Europa per sfuggire alle persecuzioni o all’arruolamento, abbattendo ogni regola formale e lasciando che fosse l’istinto, l’impulso creativo a far sentire la propria voce sulla tela con tutta la forza delle emozioni.

Dall’altro invece la Pop Art, di qualche anno successiva, si propose di rivoluzionare in un modo diverso il mondo dell’arte di quel periodo, seguendo l’intuizione del suo fondatore, Andy Warhol, di tendere la mano a quella fetta di popolazione che stava acquisendo potere economico e cominciava a dettare le regole delle mode e degli acquisti. Trasformare in pezzi d’arte da poter avere in casa a un prezzo più contenuto rispetto alla pittura e alla scultura tradizionali, grazie alla serigrafia e a nuove tecniche come il collage, le icone del mondo del cinema, dei fumetti, i simboli del nuovo benessere come i prodotti di largo consumo, permisero di andare verso il grande pubblico con un messaggio visivo immediato e appetibile proprio per la familiarità che le persone ritrovavano nelle tele. Il mondo dei fumetti in particolare contraddistinse la produzione artistica di due grandi rappresentanti della Pop Art della metà del Novecento, Roy Liechtenstein che introdusse nelle sue opere non solo personaggi protagonisti ma anche tutti quei suoni onomatopeici diventati ormai mezzo di linguaggio giovanile, e Steve Kaufman che invece concentrò la sua narrazione sull’universo dei supereroi, anche loro miti di una società bisognosa di lasciarsi alle spalle le brutture del passato per guardare al futuro con leggerezza e ottimismo.

Mentre l’Espressionismo Astratto aveva bisogno di un pubblico colto e in grado di comprendere un tipo di arte ermetica e interpretativa, anche se molto più travolgente dell’Astrattismo precedente, di contro la Pop Art era assolutamente esplicita pur nascondendo sotto agli strati superficiali, la denuncia di una società che stava perdendo la sostanza per andare verso l’apparenza e l’effimero, seguendo le mode e dimenticando l’essenzialità dell’essere. L’artista tedesco David Moses crea il suo stile distintivo mescolando e sovrapponendo i due linguaggi pittorici appena illustrati dando vita a una cifra stilistica in cui la Pop Art costituisce la base narrativa delle tele, mentre l’Espressionismo Astratto nella sua accezione più caotica e impulsiva sopraggiunge a sovvertire l’ordine, confonde lo sguardo quasi a voler cancellare ciò che esiste al di sotto attraverso segni grafici, pennellate vivaci e cromatismi eccentrici che sottolineano i differenti punti di vista sul mondo apparentemente ingenuo dei cartoni animati di Walt Disney.

Apparentemente è la parola chiave delle opere di David Moses poiché a guardare in maniera più attenta quei volti che emergono dall’indefinitezza, essi celano espressioni diverse da quelle allegre e spensierate appartenenti al mondo dei fumetti, in alcuni casi svelano sguardi e atteggiamenti inquietanti, disturbanti come fossero un monito a scrutare con maggiore attenzione la società. La gamma cromatica è quella variopinta e vitale della Pop Art e al contempo attinge alle tonalità delicate e solari del Color Field di Helen Frankenthaler, mentre i grafismi e i segni riconducono a quell’aggressività impattante del Graffitismo degli anni Ottanta del Novecento, quando gli autori più fuori dagli schemi come Jean-Michel Basquiat avevano bisogno di gridare al mondo la rabbia e il disagio che apparteneva alla loro esistenza.

Dal punto di vista puramente tecnico, David Moses mescola l’acrilico con i pastelli soft proprio per rendere più incisivo il passaggio tra figurazione sottostante e pittura segnica che interviene in una seconda fase esecutiva, determinando quella sensazione di cancellazione ricollegabile alla presa di coscienza di quanto nell’attualità si sia persa la semplicità e la piacevolezza di un vivere privo di brutture e di minacce.

Qui l’autore costringe a considerare la realtà per come è, un sovrapporsi di eventi e circostanze che non concedono all’interiorità di adagiarsi e di sentirsi al sicuro bensì la inducono, esattamente come i graffi con cui contraddistingue le sovrapposizioni delle sue tele, a essere consapevole delle complicazioni, dei pericoli e della violenza subdola che quotidianamente è costretta a fronteggiare.

L’innocenza si alterna alla disillusione così come tutte le maschere sembrano cadere in virtù dell’analisi di David Moses, come se egli fosse in grado di oltrepassare il filtro costituito dall’apparenza, come se la sua dote di supereroe fosse quella di saper vedere la vera natura di chi si trova a passare sotto al suo sguardo vigile e attento. Il monito per l’osservatore è dunque quello di non lasciarsi imbrogliare da un’innocenza esteriore che può mascherare altri livelli di verità, che può svelare un modo di essere completamente diverso, più subdolo e inaspettato. I graffi di colore costituiscono pertanto la rottura della patina superficiale, distruggono l’ordine che i personaggi erano certi di essersi dati e intervengono a mettere in luce il compito del caos, non sempre distruttivo bensì in alcuni casi funzionale a dare un’altra versione della storia, a rivelare, attraverso la sua frammentazione, scorci di verità che senza il suo sopraggiungere non sarebbe possibile notare.

La caratteristica di non dare titoli ai lavori bensì di contrassegnarli con sigle alfanumeriche enfatizza il concetto di generalizzazione, come se David Moses sottolineasse quanto alcune specifiche dinamiche appartengano all’intera società che spesso si veste di un abito di innocenza e di spontaneità non sempre corrispondente alla vera natura dei singoli. Al di sotto della prima analisi tuttavia, non può non emergere una riflessione persino più filosofica, quella che permette all’individuo di comprendere quanto sia fondamentale l’azione del disordine che pur sopraggiungendo in maniera improvvisa e facendo crollare tutte le certezze, permette di cadere e poi rialzarsi, di ricostruire il puzzle della realtà in maniera diversa, più cosciente delle varie sfaccettature che affiora proprio grazie alla possibilità di aver guardato attraverso il filtro, quella patina con cui si coprono le persone tanto quanto i binari sicuri in cui si sceglie di vivere, e di aver potuto accettare un cambiamento fondamentale per la crescita e la costruzione di un’individualità più cosciente e in grado di restare in piedi da soli.

Anche nel mondo ideale raccontato da un sognatore come Walt Disney, alla cui produzione fumettistica David Moses attinge, può nascondersi il lato meno buono, quello a cui la natura umana purtroppo viene ricondotta poiché è nella sua stessa essenza contenere in sé gli opposti necessari per evolvere. L’approccio divertente, ironico e Pop dell’autore si trasforma dunque in una critica alla società contemporanea che insegue la superficialità della forma e che spesso, proprio a causa di quel rimanere sul filo superficiale dell’immagine, fa nascere mostri intesi nel senso meno letterale e più filosofico del termine, cioè personaggi convinti di poter vivere secondo i propri egoismi trascurando chiunque gli ruoti intorno, ignorando la socialità e il senso di comunità che appartiene atavicamente all’essere umano.

David Moses ha al suo attivo nove mostre personali e la partecipazione a mostre collettive e fiere internazionali prevalentemente in Germania ma anche in Svizzera, Francia, Belgio, Spagna e Italia.

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David Moses’ Pop Abstractionism, when the world of Disney comics is overwhelmed by the chaos of the indefinite

In the contemporary era, there are artists who need to break down every pattern, blur the boundaries between different pictorial styles, and combine seemingly irreconcilable expressive oppositions because making art also means drawing new lines, especially when they reveal themselves to be more akin to a narrative nature for which remaining within a single direction seems like a cage from which to break free. The synergy becomes particularly striking when the combined languages ​​are those that, at their inception, had completely different objectives and were poles apart in their scope of interest; yet, in modernity, there are authors who feel the need to subvert the predefined order by adding that creative and disruptive chaos by virtue of which they blur the message they intend to hide beneath the layer of the visible. David Moses is one of these artists and to realize his expressive approach he draws on two past movements, born in the same period but completely divergent in their visual expression.

Shortly after the end of World War II, began to emerge in the United States artistic movements that marked an emotional rebirth but also a new freedom of expression previously limited and hindered by the horrors of war, which stifled the spontaneity of artists. Furthermore, the rebirth of society and the rise of the middle class led some artists to desire to address this new audience, which needed to be reached by speaking a language more comprehensible even to those without the cultural background needed to understand art. On the one hand, Abstract Expressionism demonstrated the emotional impetuosity with which its proponents unleashed the inner world that had endured the conflict, many of them were forced to abandon Europe to escape persecution or conscription, breaking down all formal rules and allowing instinct, the creative impulse, to make its voice heard on the canvas with all the force of emotion.

On the other hand Pop Art, a few years later, set out to revolutionize the art world of the period in a different way, following the intuition of its founder, Andy Warhol, to reach out to that segment of the population that was gaining economic power and beginning to dictate the rules of fashion and of purchases. Transforming icons from the worlds of cinema, comics, and symbols of a new era of prosperity, such as consumer products, into pieces of art that could be enjoyed at home at a lower cost than traditional painting and sculpture, thanks to screen printing and new techniques like collage, allowed the artist to reach a wider audience with an immediate and appealing visual message, precisely because of the familiarity people found in the canvases.

The world of comics in particular characterized the artistic production of two great representatives of mid-twentieth-century, Roy Liechtenstein who introduced into his works not only protagonists but also all those onomatopoeic sounds that had become a common language for young people, and Steve Kaufman, who instead focused his narrative on the universe of superheroes, also myths of a society needing to leave behind the ugliness of the past and look to the future with lightheartedness and optimism. While Abstract Expressionism required a cultured audience capable of comprehending a form of art that was hermetic and open to interpretation, albeit far more overwhelming than the Abstract Art that preceded it, Pop Art, by contrast, was absolutely explicit, yet beneath its superficial layers, it concealed a critique of a society that was shedding its substance in favor of appearance and the ephemeral, chasing trends while forgetting the essential nature of being.

The German artist David Moses creates his distinctive style by blending and layering these two pictorial languages, giving rise to a signature aesthetic in which Pop Art serves as the narrative foundation of his canvases while Abstract Expressionism, in its most chaotic and impulsive guise, then intervenes to subvert this order, disorienting the viewer’s gaze as if to obliterate what lies beneath through graphic marks, vibrant brushstrokes, and eccentric color palettes that underscore divergent perspectives on the seemingly innocent world of Walt Disney cartoons. Seemingly is the keyword in David Moses’s artworks for upon closer inspection of the faces emerging from this visual ambiguity, one discovers expressions quite distinct from the cheerful, carefree countenances typical of the comic-book world, in some instances they reveal unsettling, even disturbing gazes and attitudes, serving as a warning to scrutinize society with greater vigilance. The chromatic range draws upon the vibrant, lively palette of Pop Art while simultaneously tapping into the delicate, sun-drenched tones of Helen Frankenthaler’s Color Field painting; meanwhile, the graphic elements and markings evoke the forceful aggression of Graffiti Art of 1980, an era when iconoclastic figures like Jean-Michel Basquiat felt compelled to shout to the world the rage and alienation that defined their existence.

From a purely technical standpoint, David Moses blends acrylics with soft pastels specifically to heighten the contrast between the underlying figurative imagery and the gestural painting that intervenes in a subsequent phase of execution thereby evoking a sense of erasure connected to the awareness that, in our contemporary world, the simplicity and pleasantness of a life free from ugliness and threats have been lost. Here, the artist compels to confront reality as it truly is, a superposition of events and circumstances that denies the inner self the luxury of settling into complacency or feeling secure, instead, much like the scratches that characterize the layered surfaces of his canvases, it forces the inner self to remain acutely conscious of the complications, dangers, and insidious violence it is compelled to face on a daily basis. Innocence alternates with disillusionment, just as all masks seem to fall through David Moses‘s analysis, as if he were able to transcend the filter of appearance, as if his superhero gift lay in the ability to see the true nature of those who pass under his watchful and attentive gaze. The warning to the observer is therefore not to be fooled by an external innocence that can mask other levels of truth which can reveal a completely different, more subtle and unexpected way of being. The scratches of color therefore constitute a rupture in the superficial patina, destroying the order the characters were certain they had established, and intervene to highlight the role of chaos, not always destructive but in some cases functional to providing another version of the story, to reveal, through its fragmentation, glimpses of truth that would be impossible to perceive without its arrival.

The characteristic of not giving titles to the works but rather marking them with alphanumeric acronyms emphasizes the concept of generalization, as if David Moses were underlining how certain specific dynamics belong to the entire society, which often dresses itself in a guise of innocence and spontaneity that does not always correspond to the true nature of individuals. Beneath the initial analysis, however, an even more philosophical reflection cannot help but emerge, one that allows the individual to understand the fundamental impact of disorder that although arriving suddenly and shattering all certainties, it allows to fall and then get back up, to reconstruct the puzzle of reality in a different way, more aware of the various facets that emerge precisely thanks to the possibility of having looked through the filter, that patina that covers people as much as the safe paths one chooses to live, and to have been able to accept a fundamental change necessary for growth and the construction of a more conscious individuality capable of standing on its own.

Even in the ideal world depicted by a dreamer like Walt Disney, whose comic book production David Moses draws upon, can lurk the darker side, the one to which human nature is unfortunately led back since it is in its very essence to contain within itself the opposites necessary for evolution. The author’s humorous, ironic, and Pop approach thus transforms into a critique of contemporary society which pursues the superficiality of form and often, precisely because of this persistence on the surface of the image, gives rise to monsters understood in the less literal and more philosophical sense of the term, that is to say characters convinced they can live according to their own selfishness, neglecting everyone around them, ignoring the sociality and sense of community that is atavic in all human beings. David Moses has nine solo exhibitions to his credit, as well as participation in group shows and international fairs, primarily in Germany but also in Switzerland, France, Belgium, Spain, and Italy.