Leggerezza e impalpabilità nel Neocubismo Surrealista di Antonio Pusceddu

Nel linguaggio artistico contemporaneo una delle caratteristiche che emerge in modo chiaro è quella della libertà espressiva attraverso la quale gli autori, alla luce della conoscenza delle sperimentazioni creative effettuate nel secolo scorso, possono mescolare, far entrare in sinergia e associare stili che in passato erano rimasti nettamente distinti, accuratamente separati per far sentire la voce del gruppo a cui gli interpreti avevano scelto di appartenere. Nel presente, decisamente più individualista e autonomo dal punto di vista dell’espressività, gli artisti possono dare vita a stili unici e personali attingendo a quelle teorie, tecniche e innovazioni per tracciare un cammino inedito e affascinante. Antonio Pusceddu rivela esattamente questo tipo di approccio creativo, in virtù del quale dà vita a opere contraddistinte da linee delicate tanto quanto le tonalità che le contraddistinguono, mostrando al contempo il forte legame con una tradizione sperimentalistica che emerge dai suoi lavori ammaliando l’osservatore.

Ripercorrere il cammino dei movimenti avanguardisti dei primi decenni del Novecento equivale a fare un salto indietro alle origini di tutta l’arte moderna, quella che ha gettato le basi sostanziali su cui si è sviluppato tutto ciò che è venuto dopo. All’epoca la necessità di riunirsi in collettivi per proporre in maniera più incisiva le proprie idee era irrinunciabile, malgrado all’interno di quelle realtà ve ne siano state alcune che si sono distinte per un percorso più individuale. In ogni caso i grandi gruppi si focalizzarono su conseguenze espressive diverse pur partendo dai denominatori comuni costituiti dalla scomposizione dell’immagine, dal distacco dalla realtà osservata per costituirne una più legata all’interiorità, e per trasportare gli appassionati in un mondo in cui l’arte bastasse a se stessa, senza il bisogno di essere legata all’immagine riscontrabile nella quotidianità. Il Futurismo concentrò la sua ricerca sul movimento, sulla velocità legata al progresso che la società stava affrontando in quell’epoca, introducendo una gamma cromatica vivace e delicata, particolarmente visibile nelle tele di Umberto Boccioni; il Cubismo sperimentò invece il tema della simultaneità del punto di osservazione, scomponendo letteralmente la realtà e appiattendo la prospettiva e per focalizzare l’attenzione sull’apporto analitico necessario alla comprensione si sintonizzò su una scelta di tonalità terrose, moderate e quasi bitonali; e infine l’Astrattismo, in particolar modo nell’intenzione di Wassily Kandinsky, induceva il fruitore a entrare in una dimensione distaccata da ogni concetto visivo conosciuto, lasciando a forme geometriche sinuose e fluttuanti il compito narrativo. All’interno di questo quadro del primo ventennio del Ventesimo secolo, si inserì anche un altro movimento in cui il distacco dalla realtà, pur essendovi, non avvenne tanto dal punto di vista descrittivo quanto da quello sostanziale poiché le ambientazioni e la linea realizzativa erano stranamente vicine a quanto visibile intorno all’individuo, ma poi divenivano paradossalmente irreali perché andavano a connettersi con quel mondo onirico non controllabile con la razionalità e all’interno del quale si materializzavano tutte le angosce e le paure della coscienza. Alle atmosfere mostruose e morbose di Salvador Dalì, a quelle terrificanti di Max Ernst e a quelle apocalittiche di Yves Tanguy, si aggiunsero quelle di un outsider, il catalano Joan Mirò, che riuscì a mantenere la visionarietà del Surrealismo associandola però a una tendenza all’astrazione che in alcune opere lo avvicinava alle forme aere e fluttuanti di Wassily Kandinsky.

L’artista di origine sarda Antonio Pusceddu sembra costituire la sintesi tra i movimenti appena citati perché in lui convergono la gamma cromatica variopinta e vivacemente delicata di Umberto Boccioni, l’appiattimento della prospettiva così come l’utilizzo di volti riconducibili al Primitivismo che lo avvicinano a Pablo Picasso, l’irrealtà onirica non più legata al mondo degli incubi piuttosto a quello dei sogni poetici e armonici del Surrealismo, e in alcune tele la presenza di elementi fluttuanti e impalpabili che mostrano l’ispirazione costituita dal lato più astrattista di Joan Mirò. La sua attitudine alla ricerca si manifesta anche nell’introduzione di una tecnica aerografica che negli anni Ottanta del Novecento cominciava a uscire dagli ambiti più commerciali per entrare nell’universo dell’arte, ed è esattamente in quel periodo storico che Antonio Pusceddu decide di integrarla nei suoi lavori già contraddistinti dalla leggerezza fondamentale per la sua pittura caratterizzata da forme sinuose, volumi geometrici, cerchi che si intrecciano e si sovrappongono in trasparenza per dare l’effetto ottico essenziale della sua pittura.

L’aerografo enfatizza ancor più quell’attitudine all’impalpabilità, alla luminosità che sembra schiarire i dettagli e i colori creando atmosfere soffuse, morbide, fini nelle linee e nel tratteggio dei personaggi protagonisti delle sue ambientazioni liriche. I volti sono stilizzati, a volte assenti nei dettagli perché ciò che interessa ad Antonio Pusceddu è il concetto generale su cui si sofferma di dipinto in dipinto, quella generalità che rende le persone parte di un gruppo, quella natura umana che ha bisogno della comunità, sia essa ristretta come nel caso della famiglia, o più estesa come insieme variegato ma condividente le medesime sensazioni e le stesse circostanze.

La base su cui opera con l’aerografo è creata con spatole e pennelli, utilizzando tempere acriliche su compensato e su legno, e talvolta si misura con la materia introducendo legni, plastiche, metalli e oggetti vari sulla superficie scelta come supporto per l’opera; questo è il caso del lavoro A babbu miu dove l’autore inserisce strumenti di lavoro che probabilmente appartengono alla sua memoria emotiva, a quei momenti trascorsi a osservare il genitore mentre trafficava con arnesi e utensili per costruire, aggiustare, rigenerare oggetti necessari alla famiglia. La gamma cromatica in questa tipologia di opere diverge completamente dalla tavolozza tenue e pastello di Antonio Pusceddu, quasi a costituire una seconda linea produttiva nettamente separata dalla principale e contraddistinta da un approccio informale che strizza l’occhio all’Arte Povera. Ma ciò che caratterizza in maniera riconoscibile e indistinguibile l’autore è lo stile arioso, leggero e poetico in virtù del quale lascia emergere il suo sguardo segreto nei confronti della vita, come a suggerire l’esigenza di consentire alla mente e all’emozionalità di regalarsi un mondo ideale, un universo fatto di morbidezza in cui abbandonare il caos e il pragmatismo della realtà ed entrare nella dimensione avvolgente della luce e dell’armonia.

Il dipinto Coppia mostra l’attitudine primitivista nella narrazione dei volti dei due protagonisti associata a un Astrattismo che va a costituire quel groviglio unito di sentimenti e di sensazioni avvolgenti ottenuto sia attraverso la lievità trasparente della figurazione, sia in virtù delle figure geometriche tondeggianti del centro della composizione, che coincide con la vicinanza dei corpi dei personaggi, più rigorose e schematiche sui due lati come a introdurre la supremazia della razionalità man mano che si esce dall’aura dell’emozione. Nella parte più alta del dipinto, la scia gialla sottolinea l’emanazione che scaturisce e che viene percepita anche all’esterno attivando energia positiva e coinvolgente.

In Danza Antonio Pusceddu immette la magia della musica tanto cara a Kandinsky, associandola a uno dei piaceri della vita appartenenti all’istinto primordiale dell’essere umano, a una spontaneità armonica in grado di generare bellezza e sintonia con la natura più autentica del sé; le ballerine infatti sembrano fluttuare in una dimensione incantata, poste in una decontestualizzazione sognante dove si muovono sinuosamente accompagnate da una melodia che sembra oltrepassare i confini del supporto per raggiungere le corde emotive dell’osservatore in quale si sente così completamente rapito da quell’unione tra delicatezza cromatica, trasparenza e ariosità dei movimenti delle protagoniste. Le linee ondulate ed emozionali vengono perfettamente associate ai volti ancora una volta ispirati al primitivismo che tuttavia non risultano mai rigidi o distaccati, piuttosto sottolineano quanto l’individualità sia esaltata e appagata nell’appartenenza a un gruppo che condivide una passione in comune.

L’opera Innamorati delle costellazioni appartiene alla serie Grazie Mirò, dove Antonio Pusceddu rende omaggio a uno dei grandi maestri del Novecento che ha saputo coniugare le atmosfere irreali e oniriche del Surrealismo alle forme geometriche e alle linee danzanti dell’Astrattismo Lirico che lo ha reso una voce fuori dal coro rispetto al movimento di appartenenza. Le figure di questa opera mostrano un riferimento più marcatamente cubista nei volti, mentre il resto della composizione contraddistinta dalla tavolozza cromatica appartenente indissolubilmente all’autore, è più evanescente nello sfondo e più astratta nelle forme che sembrano intrecciarsi, unirsi, partecipare all’immaterialità di quella dimensione lontana ma vicina, e cioè la volta celeste suggerita dal titolo.

Antonio Pusceddu, che vive e lavora a Palombara Sabina in provincia di Roma, all’attività professionale di architetto affianca da sempre quella di artista e nel corso della sua carriera ha partecipato a diverse mostre personali e collettive e ha un’esposizione permanente presso il suo studio professionale a Palombara Sabina, in Piazza V. Veneto 15.

ANTONIO PUSCEDDU-CONTATTI

Email: anto.pusceddu@libero.it

Instagram: www.instagram.com/antoniopusceddu.54/

Lightness and ethereality in Antonio Pusceddu’s Surrealist Neocubism

In contemporary artistic discourse, one of the characteristics that clearly emerges is that of expressive freedom, through which artists drawing on the creative experiments of the past century can blend, synergize, and combine styles that were once sharply distinct and carefully separated to give voice to the group to which the artists had chosen to belong. In the present, which is decidedly more individualistic and autonomous from an expressive point of view, artists can give life to unique and personal styles by drawing on those theories, techniques, and innovations to chart a new and fascinating path. Antonio Pusceddu embodies precisely this kind of creative approach, through which he creates artworks characterized by lines as delicate as the hues that define them, while simultaneously revealing a strong connection to an experimental tradition that emerges from his works, captivating the viewer.

Retracing the path of the avant-garde movements of the early decades of the 20th century is akin to taking a step back to the origins of all modern art, the one that laid the substantial foundations upon which everything that followed was built. At that time, the need to come together in collectives to present their ideas more forcefully was indispensable, although within those settings there were some that distinguished themselves by following a more individual path. In any case, the major groups focused on different expressive outcomes even while starting from common foundations formed through the deconstruction of the image, a detachment from observed reality in favor of one more deeply rooted in the inner self, and to transport enthusiasts into a world where art could be self-sufficient with no need to remain tethered to the imagery of everyday life.

Futurism concentrated its exploration on movement and on the speed associated with the progress society was undergoing at that time, introducing a vibrant yet delicate color palette, particularly evident in the canvases of Umberto Boccioni; Cubism, by contrast, explored the theme of a simultaneous point of view literally deconstructing reality and flattening perspective and, in order to focus attention on the analytical effort required for comprehension, adopted a palette of earthy, restrained, and nearly two-tone hues; and finally, Abstract Art, particularly as conceived by Wassily Kandinsky, led the viewer into a dimension detached from any known visual concept, leaving the narrative task to sinuous, fluctuating geometric forms. Within this context of the first two decades of the Twentieth century, another movement also emerged in which the detachment from reality while present did not occur so much from a descriptive standpoint as from a substantive one, since the settings and the artistic approach were strangely close to what was visible around the individual, yet they paradoxically became unreal because they connected with that dreamlike world beyond the reach of reason in which all the anxieties and fears of the conscious mind materialized.

To the monstrous and morbid atmospheres of Salvador Dalí, the terrifying ones of Max Ernst, and the apocalyptic ones of Yves Tanguy, were added those of an outsider, the Catalan Joan Miró, who managed to preserve the visionary quality of Surrealism while associating it with a tendency toward abstraction that, in some works, brought him closer to the ethereal and floating forms of Wassily Kandinsky. The Sardinian-born artist Antonio Pusceddu seems to embody a synthesis of the movements just mentioned, as his work brings together Umberto Boccioni’s colorful and vividly delicate color palette, the flattening of perspective as well as the use of faces reminiscent of Primitivism which bring him closer to Pablo Picasso, the dreamlike unreality no longer tied to the world of nightmares but rather to that of the poetic and harmonious dreams of Surrealism, and, in some works, the presence of floating, intangible elements that reveal inspiration drawn from the more abstract side of Joan Miró. His spirit of exploration is also evident in his introdution of airbrushing technique, that in the 1980s was beginning to move beyond commercial contexts and enter the world of art and and it is precisely during that historical period that Antonio Pusceddu decides to incorporate it into his works already distinguished by a sense of lightness, which is fundamental to his painting style characterized by sinuous forms, geometric volumes, and circles that intertwine and overlap with a sense of transparency, creating the essential optical effect of his art. The airbrush further emphasizes that sense of ethereality and luminosity that seems to lighten the details and colors, creating soft, diffused atmospheres with delicate lines and hatching in the figures that are the protagonists of his lyrical settings. The airbrush further emphasizes that sense of ethereality and luminosity, which seems to lighten the details and colors, creating soft, diffused atmospheres with delicate lines and hatching in the characters who are the protagonists of his lyrical settings.

The faces are stylized, sometimes lacking in detail, because what interests Antonio Pusceddu is the general concept he explores from painting to painting, that universality that makes people part of a group, that human nature that needs community, whether it be as small as a family or as broad as a diverse group that shares the same feelings and circumstances. The base on which he works with the airbrush is created using palette knives and brushes, applying acrylic tempera on plywood and wood and at times he experiments with materials by incorporating wood, plastic, metal, and various objects onto the surface chosen as the support for the work; this is the case with the painting A babbu miu, where the artist incorporates tools that likely stem from his emotional memory, to those moments spent watching his father as he fiddled with tools and implements to build, repair, and restore objects necessary for the family. The color range in this type of work diverges completely from Antonio Pusceddu’s soft, pastel palette, almost as if to constitute a second body of work distinctly separate from the main one and characterized by an informal approach that nods to Arte Povera. But what characterizes the artist in a recognizable and unmistakable way is his airy, light, and poetic style, through which he reveals his secret perspective on life, as if suggesting the need to allow the mind and emotions to indulge in an ideal world, a universe of softness in which to leave behind the chaos and pragmatism of reality and enter the enveloping dimension of light and harmony. The painting Coppia displays a primitivist approach in the depiction of the two protagonists’ faces, combined with an abstract style that creates that unified tangle of feelings and enveloping sensations achieved both through the transparent lightness of the figuration and by virtue of the rounded geometric shapes at the center of the composition, which coincide with the proximity of the characters’ bodies, more rigorous and schematic on either side, as if to introduce the supremacy of rationality as one moves away from the aura of emotion. In the uppermost part of the painting, the yellow trail emphasizes the emanation that radiates outward and is perceived even from the outside, generating positive and captivating energy. In Danza Antonio Pusceddu infuses the magic of music, so dear to Kandinsky, linking it to one of life’s pleasures rooted in the primordial instinct of the human being, a harmonious spontaneity capable of generating beauty and harmony with the most authentic nature of the self; indeed, the dancers seem to float in an enchanted dimension, placed in a dreamlike, decontextualized world where they move sinuously accompanied by a melody that seems to transcend the boundaries of the support to touch the viewer’s emotional core, leaving them completely captivated by that union of chromatic delicacy, transparency, and the airy lightness of the protagonists’ movements.

The undulating, emotive lines are perfectly paired with faces, once again inspired by Primitivism, that never appear rigid or detached, instead, they underscore how individuality is enhanced and fulfilled through belonging to a group that shares a common passion. The painting Innamorati delle costellazioni belongs to the Grazie Mirò series, in which Antonio Pusceddu pays homage to one of the great masters of the Twentieth century who was able to combine the unreal and dreamlike atmospheres of Surrealism with the geometric forms and dancing lines of Lyrical Abstraction, a style that set him apart from the movement to which he belonged. The figures in this work display a more distinctly Cubist style in their faces, while the rest of the composition, characterized by the artist’s signature color palette, is more ethereal in the background and more abstract in its forms which seem to intertwine, merge, and participate in the immateriality of that distant yet nearby dimension, the celestial vault suggested by the title. Antonio Pusceddu, who lives and works in Palombara Sabina in the province of Rome, has always combined his professional work as an architect with that of an artist and throughout his career he has participated in various solo and group exhibitions and maintains a permanent exhibition at his professional studio in Palombara Sabina, located at Piazza V. Veneto 15.