L’Espressionismo di Salvatore Peritore, quando lo sguardo artistico sospende il tempo e si avvolge di serenità

Alcuni artisti mostrano nelle loro opere una spiccata capacità di permettere al loro io interiore di approcciare la realtà in maniera contemplativa, trovando così una dimensione ideale in cui tutto appare calmo, e rapita da tutto ciò che passa sotto il loro sguardo e che, di conseguenza, cattura l’osservatore proprio per quell’illusione di trovarsi di fronte a una vera e propria oasi di morbidezza percettiva. Le sfaccettature stilistiche che contraddistinguono ciascuno di questi autori possono variare nell’aspetto esteriore e nella forma ma ciò che non cambia è la sensazione che attraverso le loro opere viene trasmessa, emanata fino a raggiungere il fruitore che non può fare a meno di sentirsi immerso nell’atmosfera di tranquillità ricevuta nel momento in cui si trova davanti a quel tipo di narrazione. Salvatore Peritore, scegliendo un approccio pittorico fortemente figurativo, inonda le sue tele di tutta l’emozione da cui i suoi occhi sono colpiti nella fase osservativa di tutta la bellezza silenziosa che gli ruota intorno.

Quando verso la fine dell’Ottocento i maestri Fauves – Henri Matisse, Maurice de Vlaminck e André Derain -, delinearono le linee guida di quello che di lì a poco sarebbe diventato ufficialmente uno dei movimenti più rivoluzionari di ogni tempo, parlo ovviamente dell’Espressionismo, non avevano previsto quante sfaccettature e interpretazioni personali avrebbero apportato gli artisti che aderirono a quello stile in cui a predominare su tutto era l’emozione, il sentire interiore. Rinunciare a tutte le regole accademiche fondamentali nell’arte precedente, e mettere in secondo piano la rappresentazione della realtà osservata per lasciare spazio a quella sentita, percepita attraverso le sensazioni soggettive dell’esecutore di un’opera, permise agli autori di adeguare l’espressività alla propria natura e alla propria personalità.

Da un lato dunque emerse l’interpretazione più cupa e sofferente, a volte persino ferocemente critica verso la società borghese dei primi decenni del Novecento, che contraddistinse la produzione del norvegese Edvard Munch, del danese Emil Nolde, dell’austriaco Oskar Kokoshka e degli appartenenti al gruppo tedesco della Nuova Oggettività; dall’altro vi fu la declinazione esistenzialista di Egon Schiele che ispirò il lavoro di Lucian Freud, attivo a Londra dopo la seconda metà del Ventesimo secolo, e di Amedeo Modigliani, sebbene in quest’ultimo a essere messa in evidenza era l’accezione malinconica in cui erano immersi i suoi ritratti; e infine vi fu la sfaccettatura sognante e romantica che attinse al lavoro post-impressionista di Marc Chagall e che trovò la sua espressione più eterea negli aderenti al gruppo Der Blaue Reiter di cui Franz Marc, August Macke e Paul Klee furono tra i massimi rappresentanti. Ma tra gli artisti che più di tutti ripresero la sfaccettatura sognante e quasi magica di cui Marc Chagall fu precursore, vi fu la pittrice portoghese Paula Rego, anche lei appartenente al gruppo della School of London come Lucian Freud, che rilasciò nelle sue tele narrazioni nostalgiche verso il suo paese di origine, i ricordi di quando era bambina e le atmosfere lunari di un mondo lontano ma mai dimenticato di cui non trascurava di mettere in risalto anche le criticità e il lato negativo dell’eccessivo tradizionalismo.

In tutti gli autori citati finora era evidente un’assoluta personalizzazione delle linee guida dell’Espressionismo che dovevano essere affini al loro personale modo di dipingere e di trasportare sulla tela il mondo interiore, i sentimenti, le sensazioni che attraverso il gesto pittorico potevano liberarsi; a rimanere costanti erano le linee di contorno nette e definite, i colori pieni, quasi mai sfumati, intensi e violenti o al contrario quasi monocromi per mettere in evidenza il segno grafico, e ancora l’assenza di prospettiva tradizionale e di quel chiaroscuro che avevano permesso agli autori del passato di avvicinarsi il più possibile alla realtà oggettiva. Ecco, l’Espressionismo doveva invece agganciarsi alla soggettività; ed è proprio a questo movimento che attinge, per la sua produzione pittorica, l’artista Salvatore Peritore il quale ne dà un’interpretazione nuova, più al passo con i tempi attuali ma soprattutto con la sua natura che lo induce a osservare con calma e tranquillità la sottile magia e la bellezza di tutto ciò che lo circonda o dove il suo sguardo casualmente si posa.

Le narrazioni vanno dalla nostalgia del ricordo, il riemergere di scene vissute in un momento lontano nel tempo ma che si è impresso nello sguardo dell’autore e poi ripercorso nell’atto pittorico, all’immaginazione simbolista di luoghi al di là dello spazio e del tempo, oppure ancora alla semplicità contemplativa di panorami che suscitano la sensazione di serenità e di calma tipiche della sua produzione artistica.

Il cromatismo di Salvatore Peritore, pur rientrando nell’intensità e nella pienezza espressionista, non risulta mai eccessivo o estremamente decontestualizzato, sembra quasi volersi aggrappare alla realtà perché quest’ultima è funzionale a permettergli di compiere quel cammino introspettivo a seguito del quale trasforma le sue sensazioni sulla tela, arricchendola pertanto del filtro di un’interiorità più ricca, più a tinte forti di quanto gli occhi non riescano a catturare dall’oggettività. Questo manto di calma serena, di tranquillità emozionale viene applicato a qualunque soggetto Salvatore Peritore decida di rendere protagonista, dagli scorci marini ai ritratti, dalle scene intraviste in strada alla spiritualità delle narrazioni di soggetti magici quanto frutto della sua fantasia.

A quest’ultima declinazione appartiene il dipinto L’Araba Fenice in cui l’autore racconta il mito rappresentando l’animale leggendario capace di dominare il fuoco e di rinascere dalle proprie ceneri con le sembianze di una donna, quasi volesse sottolineare la forza di una natura femminile in grado di trovare sempre la determinazione di rialzarsi dopo le avversità. Le fiamme si trasformano infatti in leggere farfalle che stanno a rappresentare la preziosità delle esperienze compiute ma anche la capacità di trasformazione che esse simboleggiano, poiché è solo attraverso il passaggio da bruco a bozzolo e infine alla loro forma definitiva, che possono evolvere per raggiungere la fase finale della loro vita. Qui dunque il Simbolismo si mescola all’Espressionismo lasciando all’osservatore un’immagine poetica che suggerisce il coraggio, la resilienza ma anche la magia che avvolge la vita e di cui spesso nella quotidianità si dimentica l’esistenza.

L’uomo in blu appartiene alla serie più contemplativa di Salvatore Peritore, perché qui non esiste una simbologia da scoprire, piuttosto a emergere è la semplicità con cui il protagonista sembra affrontare le proprie giornate affacciato sul patio di una casa in cui ha vissuto l’intera esistenza e da cui è sempre più restìo ad allontanarsi; le mani sul grembo e il bastone appoggiato alla ringhiera in muratura svelano infatti una posizione rilassata, serena malgrado lo sguardo sembri vagare alla ricerca di ricordi del passato, di tutto ciò che è stato vissuto e che appartiene allo scrigno emotivo dell’anziano. Il colore blu simboleggia la saggezza che caratterizza tutte le persone che hanno alle spalle un’intera vita, ma il blu è anche la tonalità della malinconia, del senso di solitudine che inevitabilmente si prova man mano che si va avanti con l’età e si cominciano a perdere le persone care con cui si è condiviso il cammino.

Le tele Il silenzio del porto e Il soffio del tramonto mostrano il lato più paesaggista dell’autore che spesso si confronta con le immagini del mare, quasi nell’immensità sterminata oltre l’orizzonte potesse lasciare che la sua immaginazione si perda, sogni luoghi lontani o semplicemente trovi l’evasione di cui ha bisogno per vivere meglio la routine. Ma l’acqua è anche l’elemento della trasformazione, del tutto scorre eracliteo che svela all’uomo l’impossibilità di rimanere fermo e attaccato a certezze che di giorno in giorno possono cambiare, ecco perché le barche, ormeggiate oppure veleggianti in mare, tendono sempre verso un punto lontano rispetto a quello di osservazione, come se l’autore volesse sottolineare, o ricordare a se stesso, le possibilità che si susseguono esattamente grazie al costante movimento di una realtà mai fissa. Anche laddove l’individuo cerchi di restare aggrappato allo scoglio delle certezze, non riuscirà mai a contrastare il flusso sottostante e dunque, sembra essere l’invito di Salvatore Peritore, è meglio aprirsi a esso considerando quella sottile evoluzione come un’opportunità di luce che può generare percorsi inediti funzionali alla crescita interiore.

Verso la luce conferma questo atteggiamento positivo e propositivo dell’autore che illumina l’ombrosità del bosco con un respiro di apertura e di ampliamento di quella luminosità che filtra da un lato e che si propaga magicamente quasi a voler sottintendere quanto attraverso un atteggiamento costruttivo e ottimista, tutto può avere un aspetto diverso da quello che si penserebbe di trovare o che l’idea comune suggerirebbe; ecco dunque che l’opera diviene metafora di chi sa di dover uscire dagli schemi, di credere alle possibilità che l’esistenza, ogni giorno, offre. Salvatore Peritore ha al suo attivo la partecipazione a molte mostre collettive nel Lazio e a Roma, sia in spazi pubblici che in gallerie come la Arte Sempione che lo ha ospitato spesso; è stato selezionato per l’Atlante dell’Arte Contemporanea Giunti Moma Edition 2026.

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Salvatore Peritore’s Expressionism, when the artistic gaze suspends time and envelops itself in serenity

Some artists show in their works a marked ability to allow their inner self to approach reality in a contemplative manner, thus finding an ideal dimension in which everything appears calm, and enraptured by everything that passes under their gaze and which, consequently, captures the observer precisely because of the illusion of being in front of a true oasis of perceptive softness. The stylistic facets that distinguish each of these artists may vary in outward appearance and form, but what remains constant is the sensation conveyed through their works, a feeling that radiates until it reaches the viewer who cannot help but feel immersed in the atmosphere of tranquility experienced the moment he stands before that kind of narrative. Salvatore Peritore, choosing a strongly figurative pictorial approach, floods his canvases with all the emotion that strikes his eyes when observing all the silent beauty that revolves around him.

When, towards the end of the 19th century, the Fauve masters—Henri Matisse, Maurice de Vlaminck and André Derain—outlined the guidelines for what would soon officially become one of the most revolutionary movements of all time, I am speaking of course of Expressionism, they did not foresee how many nuances and personal interpretations would be brought to bear by the artists who embraced that style in which emotion and inner feeling predominated above all else. Abandoning all the fundamental academic rules in previous art and putting the representation of observed reality into the background to make room for felt reality, perceived through the subjective sensations of the author of an artwork, allowed the authors to adapt expressiveness to their own nature and personality. On the one hand, therefore, emerged the darker and more suffering interpretation, at times even fiercely critical of the bourgeois society of the early decades of the

Twentieth century, which characterized the production of the Norwegian Edvard Munch, the Danish Emil Nolde, the Austrian Oskar Kokoshka and the members of the German group New Objectivity; on the other, there was the existentialist declination of Egon Schiele that inspired the work of Lucian Freud, active in London after the second half of the Twentieth century, and of Amedeo Modigliani, although in the latter it was the melancholic meaning in which his portraits were immersed that was highlighted; and finally, there was the dreamy and romantic facet that drew on the post-Impressionist work of Marc Chagall and which found its most ethereal expression in the members of the Der Blaue Reiter group, of which Franz Marc, August Macke and Paul Klee were among the leading representatives. But among the artists who most recaptured the dreamy and almost magical facet of which Marc Chagall was a precursor was the Portuguese painter Paula Rego, also belonging to the School of London group like Lucian Freud, who released in her canvases nostalgic narratives towards her country of origin, the memories of when she was a child and the lunar atmospheres of a distant but never forgotten world, of which she did not fail to highlight also the critical issues and the negative side of excessive traditionalism. In all the artists cited so far was evident a complete personalization of the guiding principles of Expressionism which had to be akin to their own personal way of painting and of translating onto canvas the inner world, the feelings, and sensations that could be released through the pictorial gesture. What remained constant were the clear and defined contour lines, the full colors, almost never shaded, intense and violent or, on the contrary, almost monochrome to highlight the graphic sign, and the absence of traditional perspective and that chiaroscuro that had allowed artists of the past to get as close as possible to objective reality. Expressionism, however, had to connect with subjectivity; and it is precisely this movement that the artist Salvatore Peritore draws upon for his pictorial production, offering a new interpretation, more in step with current times but above all with his own nature, which leads him to calmly and tranquilly observe the subtle magic and beauty of everything around him or wherever his gaze casually rests. The narratives range from the nostalgia of memory, the resurfacing of scenes experienced in a distant moment in time but which have imprinted themselves on the author’s gaze and then retraced in the act of painting, to the symbolist imagination of places beyond space and time, or even to the contemplative simplicity of panoramas that evoke the sensation of serenity and calm typical of his artistic production.

Salvatore Peritore‘s chromaticism, while still reflecting the intensity and fullness of Expressionism, never appears excessive or extremely decontextualized, it almost seems to cling to reality because it allows him to undertake that introspective journey through which he transforms his sensations onto the canvas, thus enriching it with the filter of a richer, more vivid interiority than the eyes can capture from objectivity. This cloak of serene calm and emotional tranquility is applied to any subject Salvatore Peritore decides to make the protagonist, from seascapes to portraits, from scenes glimpsed on the street to the spirituality of the narratives of magical subjects as much as the fruit of his imagination. The painting L’Araba Fenice (The Arabic Phoenix) belongs to this latter declination, in which the author tells the myth by representing the legendary animal capable of dominating fire and of being reborn from its own ashes in the form of a woman, almost as if he wanted to underline the strength of a feminine nature capable of always finding the determination to get back up after adversity.

The flames transform into light butterflies, representing the preciousness of the experiences they have had but also the capacity for transformation they symbolise, since it is only through the transition from caterpillar to cocoon and finally to the final form that they can evolve to reach the final stage of their lives. Here Symbolism blends with Expressionism leaving the observer with a poetic image that evokes the courage, resilience, but also the magic that envelops life and whose existence we often forget in everyday life. L’uomo in blu (The Man in Blue) belongs to Salvatore Peritore‘s most contemplative series, because there’s no symbolism to be discovered here, rather what emerges is the simplicity with which the protagonist seems to go about his days, overlooking the patio of a house where he’s lived his entire life and from which he’s increasingly reluctant to leave; the hands in his lap and his cane leaning against the brick railing reveal a relaxed, serene posture, despite his gaze seemingly wandering in search of memories of the past, of everything he’s experienced and which belongs to the old man’s emotional treasure chest. The color blue symbolizes the wisdom that characterizes all people who have a full life behind them, but blue is also the hue of melancholy, of the sense of loneliness that inevitably comes as we age and begin to lose loved ones with whom we have shared the journey. The canvases Il silenzio del porto (The silence of the port) and Il soffio del tramonto (The breath of sunset) reveal the artist’s more landscape-oriented side, often engaging with images of the sea, as if in the boundless immensity beyond the horizon he could let his imagination wander, dream of distant places, or simply find the escape he needs to better navigate his daily routine.

But water is also the element of transformation, a Heraclitean flow of everything that reveals to man the impossibility of remaining still and attached to certainties that can change from day to day, this is why the boats, moored or sailing at sea, always tend toward a point far from the observation point, as if the author wanted to underline, or remind himself, of the possibilities that follow one another precisely thanks to the constant movement of a never-fixed reality. Even when an individual tries to cling to the rock of certainties, they will never be able to counteract the underlying flow and therefore, Salvatore Peritore seems to suggest, it is better to open up to it, considering that subtle evolution as an opportunity for light that can generate new paths that are functional to inner growth. Verso la luce (Towards the Light) confirms the author’s positive and proactive attitude that illuminate the shadows of the forest with a breath of openness and expansion, a brightness that filters in from one side and magically spreads, almost as if to imply that, through a constructive and optimistic attitude, everything can look different from what one might expect or what common perception would suggest; thus the work becomes a metaphor for those who know they must break free from the norm, believing in the possibilities that life offers every day. Salvatore Peritore has participated in numerous group exhibitions in Lazio and Rome, both in public spaces and in galleries such as Arte Sempione, which has often hosted him; he was selected for the 2026 Giunti Moma Atlas of Contemporary Art.