L’Espressionismo Naïf di Mary Wind, quando la natura diviene ambientazione fantastica

La necessità di trovare un punto di fuga per l’anima e per il suo percorso di guarigione dai limiti della contingenza, diviene per alcuni artisti l’impulso principale alla creazione, quella spinta espressiva attraverso la quale possono ridisegnare la realtà secondo le sensazioni più profonde, ascoltando un’interiorità che suggerisce di trovare un mezzo comunicativo per esprimere il loro approccio sognante con cui elevarsi dall’osservato dando vita a scenari in cui la fantasia può perdersi e trovare pieno sfogo. La pittrice di cui vi racconterò oggi trova la sua identità artistica all’interno di questo percorso di distacco dalla realtà che le consente di dare la propria versione fortemente emozionale di tutto ciò che fuoriesce dal gesto creativo, introducendo la magia della spontaneità espressiva che la spinge verso un immaginario sempre legato al reale.

Nel momento in cui emerse la forte spinta a mettere l’individuo, inteso anche come soggetto creativo, al centro della ricerca pittorica e scultorea in quel rivoluzionario periodo storico che può essere contestualizzato tra la fine dell’Ottocento e gli inizi del Novecento, fu necessario stravolgere tutte le regole precedenti e il forte legame con le rigide regole accademiche. Ne conseguirono stili avanguardisti, anticonvenzionali, dove l’interiorità era prioritaria sulla forma, dove il sentire doveva fuoriuscire dalla tela mettendo in ombra il semplice osservare; l’Espressionismo fu forse il primo movimento pittorico a generare un approccio diverso in cui la forma e l’equilibrio estetico furono completamente eclissati per dare la priorità al sentire, alle sensazioni e ai sentimenti degli autori di un’opera. Fu in particolare la Francia, nelle teorie degli artisti Fauves, a generare il distacco più netto fin quasi a rinunciare a qualsiasi armonia estetica, come nelle opere a tinte forti e quasi aggressive di Henri Matisse, in cui il mondo domestico e familiare era riproposto in chiave emozionale, proprio perché legata al suo sentire.

La corrente artistica si diffuse ben presto in tutto il continente europeo, seppur reinterpretata o attenuata sulla base della personalità espressiva del singolo autore, dunque più cupa e tormentata negli artisti nord europei, come Edvard Munch o Emil Nolde, o decisamente più ironica nell’austriaco Oskar Kokoschka oppure più sognatrice come nel caso del russo naturalizzato francese Marc Chagall. Fu proprio nella dimensione dell’immaginario e del sogno che si affermò un’altra corrente parallela all’Espressionismo, il Naïf, nato dalle intuizioni di Henri Rousseau che, privo di qualsiasi tipo di formazione accademica, tratteggiò un mondo fatto di giungla, di animali feroci totalmente immaginati, decretando le linee guida del nuovo movimento artistico che aveva come caratteristiche principali la spontaneità e la semplicità narrativa.

Altri grandi interpreti dello stile furono Camille Bambois, le cui grandi figure raccontavano il mondo che aveva avuto a lungo intorno a sé, come i personaggi del circo o le scene di vita quotidiana delle campagne, e Séraphine de Senlis che invece concentrò il suo lavoro sulla riproduzione di fiori e piante, spesso con un’accezione surrealista, attraverso cui l’autrice si astraeva da un’esistenza per lo più vissuta in povertà. L’utilizzo del colore in maniera piena e piatta, l’assenza della ricerca della riproduzione perfetta dell’osservato, del chiaroscuro e della profondità, e la presenza di contorni più o meno evidenti, furono caratteristiche che accomunarono l’Espressionismo al Naïf, differenti tuttavia per le atmosfere: decisamente ingenue e sognanti quelle degli autori del secondo, mentre più esistenzialiste, intimiste e a volte sofferenti quelle dei primi. Eppure in entrambi i casi non poteva fare a meno di emergere la personalità espressiva degli autori, la loro attitudine al considerare l’arte come mezzo per permettere a ciò che avevano dentro di fuoriuscire raggiungendo l’osservatore. L’artista ungherese Mary Wind compie una fusione tra i due stili appena descritti poiché da un lato utilizza le tonalità forti e irreali che in alcune tele la avvicinano ai Fauves francesi, dall’altro racconta di un mondo ideale, quasi fiabesco, in cui la natura predomina quasi fosse un mezzo per lasciar andare la fantasia e il desiderio di leggerezza che la avvicina al Naïf di Séraphine de Senlis, però ampliato al paesaggio e alle distese di prati fioriti prevalentemente presenti nelle sue tele.

In qualche modo la pittura ha costituito per Mary Wind un percorso di guarigione poiché attraverso di essa ha superato una perdita familiare e una malattia a causa della quale ha preferito rinunciare a lavorare, dunque la libertà di gestire il suo tempo le ha ricordato quanto profondo fosse l’amore per la pittura, ostacolato e deluso dalle circostanze della vita. Il ritorno all’arte ha generato in lei l’esigenza di raccontare il mondo secondo le sue sensazioni più spontanee quelle che si liberano nel momento in cui l’immaginazione entra in contatto con la natura, con quel mondo fiorito e pieno di verde che le consente di elevarsi e di perdersi nella leggerezza della bellezza più semplice.

Il tratto pittorico è dunque una sintesi tra impulsività espressionista dove i dettagli non hanno bisogno di essere narrati in maniera perfetta o totalmente aderente alla realtà, e precisione minuziosa dei dettagli tipica dello stile Naïf che le consente di tratteggiare alcuni paesaggi della memoria, alcune scene viste o ricordate o ancora idealizzate con l’attitudine al sogno che la contraddistingue.

Lady Rose è una delle poche tele in cui prevale la figura umana, quella di una donna che sembra più una principessa fiabesca, eppure Mary Wind non riesce a rinunciare alla presenza dei fiori trasformati in meraviglioso abito da festa, tanto quanto lo sfondo evoca il verde di un prato; entrambi questi dettagli enfatizzano il simbolo che la figura femminile rappresenta, quel misto di poesia e di delicatezza che la contraddistinguono e con cui vive ogni singolo istante della sua vita. Forse questa tela è il simbolo della rinascita della stessa autrice, quel ritrovare l’amore per l’arte attraverso cui ha potuto curare la sua anima e di conseguenza il suo corpo, ecco perché quell’esplosione di fiori sull’abito.

Mediterranean gate with orange tree sottolinea la sua tendenza alla caratterizzazione Naïf dove i dettagli sono sottilmente messi in evidenza pur distaccandosi dalla perfezione realista, perché ciò che deve emergere è quella terra di mezzo tra narrazione emozionale, enfatizzata dai contrasti di tonalità tra gli aranci, allegoria del sole e dell’estate, e gli azzurri del cielo e del mare. La prospettiva è piatta, come da linee guida espressioniste, e volutamente sembra non esserci confine tra il mattonato del pavimento e l’inizio del mare, perché è proprio in quell’atmosfera sospesa che l’autrice si sente cullata.

Poppy field abstract volge in maniera più decisa verso l’Espressionismo, infatti la parte della collina oltre la distesa di papaveri assume colori innaturali che si vanno però ad armonizzare con le sensazioni di energia e di forza interiore che Mary Wind sente affermarsi dentro di sé opera dopo opera, rafforzamento dopo rafforzamento sia della consapevolezza del valore della sua espressività artistica sia della sensazione seguita alla guarigione fisica in virtù della quale la vita ha assunto un nuovo senso. Sopra gli intensi gialli e rossi della collina infatti il cielo è azzurro, solcato solo da nuvolette leggere e passeggere, allegoria del sereno dopo la tempesta, della discesa dopo una difficoltosa salita, della serenità dopo un periodo più difficile. I papaveri, emblema della memoria, tengono l’autrice legata ai ricordi, quasi fossero un monito a non dimenticare mai la strada compiuta.

In Fishing cat Mary Wind svela ancora una volta il suo amore per tutto ciò che appartiene alla natura, rendendo assoluto protagonista del dipinto un gattino nel momento, improbabile, in cui si lancia nell’acqua per catturare un pesciolino; lo sguardo del piccolo felino, diretto verso l’osservatore, è dolce, ingenuo, concentrato nell’impresa impossibile e presenta tutte le caratteristiche di un Espressionismo personalizzato e al contempo sorridente e positivo, mostrando l’attitudine della pittrice a lasciarsi trasportare in un mondo sognante, dove ogni elemento sembra prendere vita perché ha un suo senso specifico che spesso l’essere umano non riesce a percepire. In fondo, sembra suggerire Mary Wind, attraverso l’immaginazione e la fantasia è possibile vivere avventure affascinanti, sorvolare paesaggi incredibili senza muoversi dalla propria casa, tendere verso un universo dove tutto è possibile e dove non tutto deve avere il senso razionale e logico che appartiene al pragmatismo della quotidianità.

E in virtù di questo suo approccio dove Espressionismo e Naïf si tendono la mano ogni descrizione ha quel senso di fiaba che non può che avvolgere e coinvolgere l’osservatore per la semplicità con cui viene raccontata, come se l’autrice aprisse una porta nel mondo dell’infanzia, lo stesso a cui la parte bambina all’interno di ogni adulto rimane indissolubilmente legata. Mary Wind ha al suo attivo la partecipazione a tre mostre personali a Budapest e mostre collettive a Budapest, presso la Golden Duck Gallery e la MűvészTerem (K Gallery), a Vienna, in Francia e in Romania.

MARY WIND-CONTATTI

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Mary Wind’s Naïve Expressionism, when nature becomes a fantastical setting

The need to find an escape for the soul and its journey of healing from the limits of contingency becomes, for some artists, the main impulse for creation, that expressive drive through which they can redesign reality according to their deepest feelings, listening to an inner voice that suggests finding a means of communication to express their dreamlike approach, elevating themselves above what they observe and giving life to scenarios in which the imagination can lose itself and find full expression. The painter I am going to tell you about today finds her artistic identity within this path of detachment from reality, which allows her to give her own highly emotional version of everything that emerges from the creative gesture, introducing the magic of expressive spontaneity that pushes her towards an imagination always linked to reality.

When emerged the strong urge to place the individual, also understood as a creative subject, at the center of pictorial and sculptural research in that revolutionary historical period that can be contextualized between the end of the 19th century and the beginning of the 20th century, it was necessary to overturn all the previous rules and the strong link with rigid academic rules. This led to avant-garde, unconventional styles, where interiority took precedence over form, where feelings had to spill out of the canvas, overshadowing simple observation. Expressionism was perhaps the first pictorial movement to generate a different approach in which form and aesthetic balance were completely eclipsed in order to give priority to the feelings, sensations, and emotions of the authors of an artwork. It was France in particular, in the theories of the Fauves artists, that generated the clearest break, almost to the point of renouncing any aesthetic harmony, as in the strong and almost aggressive paintings of Henri Matisse, in which the domestic and family world was reinterpreted in an emotional key, precisely because it was linked to his feelings.

The artistic movement soon spread throughout the European continent, albeit reinterpreted or attenuated on the basis of the expressive personality of the individual artist, thus becoming more gloomy and tormented in Northern European artists such as Edvard Munch or Emil Nolde, or decidedly more ironic in the Austrian Oskar Kokoschka, or more dreamy in the case of the Russian-born French artist Marc Chagall. It was precisely in the realm of imagination and dreams that emerged another movement parallel to Expressionism: Naïf art, born from the intuitions of Henri Rousseau who, without any kind of academic training, sketched a world made up of jungles and ferocious animals that were entirely imaginary, establishing the guidelines for a new artistic movement whose main characteristics were spontaneity and narrative simplicity. Other great interpreters of the style were Camille Bambois, whose large figures depicted the world that had long surrounded him, such as circus characters or scenes of everyday life in the countryside, and Séraphine de Senlis, who instead focused her work on the reproduction of flowers and plants, often with a surrealist meaning, through which the author abstracted herself from an existence mostly lived in poverty. The use of color in a full and flat manner, the absence of the search for perfect reproduction of what was observed, of chiaroscuro and depth, and the presence of more or less evident contours were characteristics that Expressionism and Naïf had in common, although they differed in atmosphere: the latter being decidedly naive and dreamy, while the former were more existentialist, intimate, and sometimes painful.

Yet in both cases, the expressive personalities of the artists could not help but emerge, as could their tendency to view art as a means of allowing what was inside them to flow out and reach the observer. Hungarian artist Mary Wind blends the two styles described above, using strong, unreal tones that in some paintings bring her close to the French Fauves, while on the other hand she depicts an ideal, almost fairy-tale world in which nature predominates, as if it were a means of letting go of the imagination and the desire for lightness that brings her closer to the Naïf style of Séraphine de Senlis, but extended to the landscape and expanses of flower-filled meadows that feature predominantly in her canvases. In some ways, painting has been a path to healing for Mary Wind, as it has helped her overcome a family loss and an illness that led her to give up work. The freedom to manage her own time reminded her of how deep her love for painting was, hindered and disappointed by the circumstances of life. Her return to art generated in her the need to describe the world according to her most spontaneous feelings, those that are released when her imagination comes into contact with nature, with that flowery, and full of greenery that allows her to rise and lose herself in the lightness of the simplest beauty.

The pictorial style is therefore a synthesis between expressionist impulsiveness, where details do not need to be narrated in a perfect manner or totally adhering to reality, and the meticulous precision of detail typical of the Naïf style, which allows her to sketch some landscapes from memory, some scenes seen or remembered or even idealized with the dreamlike attitude that distinguishes her. Lady Rose is one of the few canvases in which the human figure prevails, that of a woman who looks more like a fairy-tale princess, yet Mary Wind cannot give up the presence of flowers transformed into a wonderful party dress, just as the background evokes the green of a meadow; both of these details emphasize the symbol that the female figure represents, that mixture of poetry and delicacy that distinguishes her and with which she lives every single moment of her life. Perhaps this canvas is a symbol of the artist’s own rebirth, of rediscovering her love for art through which she was able to heal her soul and, consequently, her body, which is why there is that explosion of flowers on the dress.

Mediterranean gate with orange tree emphasizes her tendency toward Naïf characterization, where details are subtly highlighted while distancing themselves from realistic perfection, because what must emerge is that middle ground between emotional narration, underlined by the contrasting tones between the orange trees, allegory of the sun and summer, and the blues of the sky and sea. The perspective is flat, as per expressionist guidelines, and there seems to be no boundary between the brick floor and the beginning of the sea, because it is precisely in that suspended atmosphere that the author feels cradled. Poppy field abstract turns more decisively towards Expressionism, in fact, the part of the hill beyond the field of poppies takes on unnatural colors that harmonize with the feelings of energy and inner strength that Mary Wind feels asserting themselves within her, work after work, strengthening her awareness of the value of her artistic expressiveness and the feeling that followed her physical recovery, thanks to which life has taken on a new meaning.

Above the intense yellows and reds of the hill, the sky is blue, crossed only by light, passing clouds, an allegory of calm after the storm, of descent after a difficult climb, of serenity after a difficult period. Poppies, symbols of remembrance, keep the artist tied to her memories, as if they were a warning never to forget the path she has traveled. In Fishing Cat, Mary Wind once again reveals her love for everythin that belongs to nature, making a kitten the absolute protagonist of the painting in the unlikely moment when it leaps into the water to catch a small fish. The little feline’s gaze, directed towards the observer, is sweet, naive, focused on the impossible task, and presents all the characteristics of a personalized Expressionism that is at once smiling and positive, showing the painter’s ability to let herself be carried away into a dreamy world, where every element seems to come to life because it has its own specific meaning that humans often fail to perceive.

After all, Mary Wind seems to suggest that through imagination and fantasy it is possible to experience fascinating adventures, fly over incredible landscapes without leaving one’s home, and strive towards a universe where everything is possible and where not anything has to have the rational and logical meaning that belongs to the pragmatism of everyday life. And by virtue of this approach, where Expressionism and Naïf reach out to each other, every description has that fairy-tale feel that cannot fail to envelop and engage the observer with the simplicity with which it is told, as if the author were opening a door to the world of infancy, the same world to which the child within every adult remains inextricably linked. Mary Wind has participated in three solo exhibitions in Budapest and group exhibitions in Budapest, at the Golden Duck Gallery and MűvészTerem (K Gallery), in Vienna, France and in Romania.