L’immediatezza narrativa della monocromia nel Color Field Minimalista di Aimée Adriansen

Molto spesso gli artisti mostrano il bisogno di lasciarsi andare in modo completamente spontaneo e immediato, senza alcun tipo di regola espressiva o di schema che presupponga l’intervento della ragione, proprio perché il caos interiore ha bisogno di fuoriuscire liberamente per essere in grado di consentire all’autore di raggiungere la consapevolezza delle proprie emozioni. In alcuni casi questa forza narrativa si manifesta attraverso un’azione pittorica impulsiva, concitata e quasi impetuosa, in altri al contrario con un gesto moderato, riflessivo e intriso della capacità di fermarsi ad ascoltare tutto ciò che proviene dal profondo delle sensazioni prima di potersi esprimere sulla tela. La protagonista di oggi si racconta in maniera evocativa, permette al silenzio di divenire voce incisiva e concreta attraverso opere in cui la suggestione si mescola alla semplicità di una scelta cromatica in cui solo le sfumature leggere introducono il concetto di imperfezione e di rottura di un equilibrio apparentemente perfetto.

Intorno agli anni Cinquanta del Novecento sorse negli Stati Uniti un movimento, l’Espressionismo Astratto, funzionale agli artisti che volevano rimanere completamente staccati dalla realtà visibile e desiderosi di agganciarsi alla ricerca compiuta precedentemente dalle varie interpretazioni dell’Astrattismo senza tuttavia lasciare mai più escluso il mondo emozionale, quelle sensazioni intense e dirompenti che a seguito dell’atmosfera cupa della seconda guerra mondiale dovevano essere liberate sulla tela. Gli autori appartenenti al movimento stabilirono come unica regola espressiva quella di lasciar parlare l’interiorità senza alcun altro limite formale, e soprattutto inglobando il gesto, l’atto pittorico, all’interno dell’opera d’arte; Jackson Pollock infatti eseguiva le sue opere in diretta, davanti al pubblico, valorizzando l’azione che entrava di diritto come elemento irrinunciabile della creazione artistica.

La sua irruenza esecutiva trovò la modalità più funzionale nel Dripping, ma vi furono altri autori, come Franz Kline, che invece si esprimevano attraverso larghi e incisivi segni neri su fondo bianco, stile quello segnico ripreso anche dall’italiano Emilio Vedova. Nell’altro emisfero espressivo, quello più contemplativo e meditativo, emersero invece la calma, la tranquillità e la riflessione profonda del Color Field di Mark Rothko e quella più leggera e solare di Helen Frankenthaler, e all’interno di questo approccio si formarono sfaccettature persino più radicali, come nel caso di Ad Reinhardt e Barnett Newman, in cui il colore unico si stemperava solo in virtù di sottili sfumature o di sovrapposizione di trasparenze in scala cromatica. In questo caso l’atto esecutivo era bilanciato dalla necessità di sussurrare più che gridare, di analizzare più che lasciar esplodere, di sospendere più che riversare fuori, e di fatto si collegò a tutta la ricerca dello Spazialismo europeo, di cui Lucio Fontana fu ideatore e capostipite, in cui venne sottolineata l’importanza dell’unicità tonale per mettere in evidenza un gesto artistico persino più estremo, quello attraverso il quale l’autore agiva direttamente sulla tela dipinta per creare i tagli che la mettevano in connessione con la terza dimensione.

Anche Enrico Castellani e Agostino Bonalumi, a loro volta esponenti dello Spazialismo, cercarono l’interazione con lo spazio circostante apponendo sotto le tele, ancora una volta monocrome, chiodi e sagome in metallo che creavano rilievi in virtù dei quali l’osservatore poteva essere colpito dall’alternanza di luci e ombre. Il colore utilizzato come voce solista diede vita alla possibilità di utilizzare un approccio artistico sottinteso, dove a colpire non doveva essere il caos, piuttosto a essere fondamentale era il silenzio, l’eco di emozioni che proprio in virtù della lentezza osservativa, priva di qualsiasi distrazione, potevano liberarsi dall’interno per fuoriuscire verso un esterno spesso troppo rumoroso e coinvolto nella contingenza per poter accogliere l’intimità di un pensiero. L’artista olandese Aimée Adriansen si avvicina alla poetica espressiva del Color Field, dunque sceglie l’accezione più moderata e minimalista dell’Espressionismo Astratto, per raccontare le emozioni suscitate da riflessioni, da momenti introspettivi, da pensieri che partono dalla testa per poi scendere nelle profondità dell’anima e infine risalire connettendo la sensibilità interiore all’esecutività creativa che trasforma il Color Field in manifestazione di quel gomitolo di emozioni che ne derivano.

L’autrice trova infatti il suo equilibrio in quella terra di mezzo tra ordine e caos, tra rigore della monocromia e le sfumature che in esso si insidiano, quasi l’imperfezione fosse funzionale a mostrare il risvolto della medaglia, a rompere uno schema all’interno del quale l’essere umano tende a chiudersi dimenticando quanto invece sia proprio la rottura che apre alle domande indispensabili per l’evoluzione.

I colori di cui si avvale variano sulla base della sensazione del momento esecutivo ma anche del concetto che poi viene esplicitato attraverso il titolo il quale, di volta in volta, diviene guida per l’osservatore inizialmente avvolto dal silenzio suggestivo che dalla tela emana, e in un secondo momento costretto a spostare lo sguardo verso quei filamenti, quelle macchie delicate a cui riesce a dare un senso nel momento in cui cerca lo spunto delle parole con cui Aimée Adriansen denomina la tela.

Il Minimalismo dunque si mescola al Color Field, perché manca la monocromia assoluta del primo così come le variazioni tonali del secondo, entrando quindi in un universo in cui le due tecniche esecutive si mescolano per dar vita a un linguaggio più moderno in cui l’artista si prende la libertà di trovare una propria personale cifra stilistica. Nel caso di Aimée Adriansen tutta la realtà percepita è sfumata, ovattata, come se attraversasse il silenzio a lei necessario per entrare nella dimensione creativa e si manifestasse con la suggestione di una libertà misurata, calma, consapevole di tutte le sfumature appartenenti alla sfera emozionale, di fatto tutto ciò su cui la natura umana si basa, a dispetto della convinzione che sia la ragione a predominare.

L’opera Evening light, pur evocando la sera nel titolo, non si sviluppa esplorando le sfumature del buio, né quelle della luce che irrompe nella notte, piuttosto si sofferma su un’atmosfera crepuscolare, quando ancora il giorno non ha lasciato lo spazio all’ombra ed entrambe convivono in una terra di mezzo dove ogni dettaglio, ogni pensiero, ogni sfaccettatura, divengono più introspettivi, intimi perché inducono l’individuo ad allontanarsi dalla fretta della quotidianità e ad assaporare il ritmo lento della fine della giornata.

Winter light blue dal punto di vista cromatico è invece più affine alla realtà osservabile poiché i colori scelti da Aimée Adriansen ricordano le distese innevate, il ghiaccio di cui si avvolgono i paesaggi nella stagione più fredda dell’anno, quella che però è funzionale a preparare la natura al risveglio che di lì a poco arriverà. Il chiarore diffuso sull’intera tela viene raccontato attraverso i toni del bianco e del celeste polvere, mentre al centro dell’opera è visibile una macchia grigio ferro che sta a rappresentare il nucleo da cui poi si genererà la rinascita primaverile; oppure osservando il senso metaforico quella parte scura è il riferimento, il contatto con la realtà necessario quando tutto sembra raffreddarsi e perdere quel calore di cui invece l’interiorità ha bisogno.

Ecco dunque emergere l’Esistenzialismo che si intreccia alla manifestazione artistica, come se non fosse possibile per l’autrice concepire la pittura senza immettere in essa la sua profonda riflessione tra visibile e invisibile, tra presenza e assenza, tra pensiero ed esternazione di esso. In Crimson bloom Aimée Adriansen accosta il termine fioritura al colore rosso rendendo così l’opera fortemente simbolica poiché va a legarsi alla passione, alla forza, all’energia vitale che ha bisogno di essere lasciata crescere e prosperare allo stesso modo di un fiore; le consapevolezze e le sensazioni interiori devono essere ascoltate e assecondate nella loro accezione più positiva perché è solo così che l’individuo riesce a far convivere tutte le parti del sé, senza mettere in secondo piano nessuna di esse e dunque eliminando il rischio di sentir frustrato o mortificato il lato che si potrebbe scegliere di lasciare in silenzio per paura del giudizio o per timore che venga ferito. La voluttuosità del rosso intenso viene enfatizzata dalle lacerazioni tonali che sembrano ferite oppure, al contrario, sono i segni indimenticabili a cui la memoria interiore si aggrappa quando ha bisogno di ricordare cosa l’ha fatta sentire viva.

E poi Holding che mette in luce la sensazione di sentirsi all’interno della morsa del possesso, come se esso fosse una trappola costituita nell’opera dalle striature rosse che sembrano contenere l’interno più tenue, più delicato. Aimée Adriansen, che vive e opera ad Amsterdam, ha al suo attivo mostre collettive e personali nei Paesi Bassi e in Francia.

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The narrative immediacy of monochrome in Aimée Adriansen’s Minimalist Color Field

Very often, artists feel the need to let themselves go in a completely spontaneous and immediate way, without any kind of expressive rule or pattern that requires the intervention of reason, precisely because inner chaos needs to flow freely in order to allow the artist to become aware of their own emotions. In some cases, this narrative force manifests itself through an impulsive, agitated, and almost impetuous painterly action; in others, conversely, through a moderate, reflective gesture imbued with the ability to pause and listen to everything arising from the depths of sensation before expressing it on the canvas. Today’s protagonist tells her story in an evocative manner, allowing silence to become an incisive and concrete voice through works in which suggestion blends with the simplicity of a color palette where only subtle nuances introduce the concept of imperfection and the disruption of an apparently perfect balance.

Around the 1950s arose a movement in the United States, Abstract Expressionism, which served artists who wanted to remain completely detached from visible reality and eager to connect with the research previously carried out by the various interpretations of Abstractionism, without however ever excluding the emotional world, those intense and explosive sensations that, following the gloomy atmosphere of the Second World War, had to be released on canvas. The artists belonging to the movement established as their sole expressive rule, to let interiority speak without any other formal limitations, and above all to incorporate the gesture, the pictorial act, within the artwork; Jackson Pollock, in fact, executed his artworks live, in front of an audience, valorizing the action, which rightfully became an essential element of artistic creation. His impetuous execution found its most effective expression in Dripping, but other artists, such as Franz Kline, instead expressed themselves through broad, incisive black marks on a white background, a style the sign painting also adopted by the Italian artist Emilio Vedova. In the other expressive hemisphere, the more contemplative and meditative one, emerged the calm, tranquility, and profound reflection of Mark Rothko‘s Color Field and the lighter, more sunny approach of Helen Frankenthaler, and within this approach took shape even more radical facets, as in the cases of Ad Reinhardt and Barnett Newman, in which the single color was tempered only by subtle nuances or the superimposition of transparencies in a chromatic scale. In this case, the executive act was balanced by the need to whisper rather than shout, to analyze rather than let explode, to suspend rather than pour out, and in fact it was connected to the entire research of European Spatialism, of which Lucio Fontana was the creator and founder, in which the importance of tonal uniqueness was underlined to highlight an even more extreme artistic gesture, one through which the author acted directly on the painted canvas to create the cuts that connected it to the third dimension.

Also Enrico Castellani and Agostino Bonalumi, others exponents of Spatialism, also sought interaction with the surrounding space by placing nails and metal shapes under the canvases, once again monochrome, which created reliefs by virtue of which the observer could be struck by the alternation of light and shadows. The color used as a solo voice gave rise to the possibility of employing an implicit artistic approach, where to strike had not to be the chaos but rather to be fundamental was the silence, the echo of emotions which precisely by virtue of the slow observation, devoid of any distraction, could be freed from within and flow out towards an external that was often too noisy and caught up in the contingency to be able to accommodate the intimacy of a thought. Dutch artist Aimée Adriansen approaches the expressive poetics of Color Field, thus choosing the more moderate and minimalist interpretation of Abstract Expressionism, to describe the emotions aroused by reflections, introspective moments, and thoughts that start in the head then descend into the depths of the soul, and finally rise again, connecting inner sensitivity to the creative execution that transforms Color Field into a manifestation of the tangle of emotions that derive from it.

The author finds her balance in that middle ground between order and chaos, between the rigor of monochrome and the nuances that creep in, almost as if imperfection were functional to reveal the other side of the coin, to break a pattern within which human beings tend to close himself off, forgetting that it is precisely this crack that opens up the questions essential for evolution. The colors she uses vary based on the sensation of the moment of execution but also on the concept that is then made explicit through the title which, from time to time, becomes a guide for the observer who is initially enveloped by the evocative silence emanating from the canvas, and then forced to shift his gaze towards those filaments, those delicate stains to which he manages to give meaning as he searches for the inspiration of the words with which Aimée Adriansen names the canvas. Minimalism thus blends with Color Field, because it lacks the absolute monochrome of the former as well as the tonal variations of the latter, thus entering a universe in which the two executive techniques blend to give life to a more modern language in which the artist takes the liberty of finding her own personal stylistic signature. In Aimée Adriansen‘s case, all perceived reality is nuanced, muffled, as if it were passing through the silence necessary for her to enter the creative dimension and manifesting itself with the suggestion of a measured, calm freedom, aware of all the shades belonging to the emotional sphere, in fact everything on which human nature is based despite the belief that to predominate is the reason.

The artwork Evening Light, although evoking the evening in its title, does not develop by exploring the nuances of darkness, nor those of the light that bursts into the night, rather it lingers on a twilight atmosphere, when the day has not yet given way to shadow and both coexist in a no man’s land where every detail, every thought, every facet, becomes more introspective, intimate because they induce the individual to distance himself from the haste of everyday life and savor the slow rhythm of the end of the day. Winter Light Blue from a chromatic point of view is instead more akin to observable reality since the colors chosen by Aimée Adriansen recall the snow-covered expanses, the ice that envelops the landscapes in the coldest season of the year, the one that, however, serves to prepare nature for the awakening that will soon arrive. The diffused light across the entire canvas is expressed through shades of white and powder blue, while at the center of the work, a visible iron-gray stain represents the nucleus from which the spring rebirth will then arise; or, looking at the metaphorically meaning, that dark part is the reference, the necessary contact with reality when everything seems to be cooling and losing the warmth that interiority needs. Here, then, emerges Existentialism intertwined with artistic expression, as if it were not possible for the author to conceive of painting without infusing it with her profound reflection on the visible and the invisible, on presence and absence, on thought and its externalization.

In Crimson Bloom, Aimée Adriansen pairs the term bloom with the color red, making the work highly symbolic because it connects with passion, strength, and the vital energy that needs to be allowed to grow and thrive like a flower; inner awareness and sensations must be listened to and embraced in their most positive sense, because only in this way can an individual integrate all parts of the self, without overshadowing any of them and thus eliminating the risk of feeling frustrated or mortified by the side he might choose to leave silent for fear of judgment or hurt. The voluptuousness of intense red is emphasized by tonal lacerations that resemble wounds or, conversely, are the unforgettable marks to which inner memory clings when it needs to remember what made it feel alive. And then Holding which highlights the sensation of being gripped by possession, as if it were a trap constituted in the work by the red streaks that seem to contain the more subtle, more delicate interior. Aimée Adriansen, who lives and works in Amsterdam, has had group and solo exhibitions in the Netherlands and France.