L’incontro tra Surrealismo, Espressionismo e Batik nelle opere di Halena Cline

La contaminazione stilistica è un imperativo quasi esistenziale per tutti quegli autori che necessitano imprimere nelle loro tele tutte le conoscenze ed esperienze creative funzionali a permettergli di manifestare un originale approccio alla pittura, un punto di vista che consenta di non conformarsi o appartenere a un solo e unico stile bensì dare vita a un linguaggio di fusione in cui possono liberare la propria identità espressiva. All’interno dell’innovativa autonomia narrativa appartenente a questo secolo, tutto può essere plasmato, adattato e sperimentato sulla base dell’inclinazione e della natura del singolo autore che diviene così una voce solista forte e incisiva nel mondo dell’arte attuale. La protagonista di oggi appartiene a questa categoria di creativi che mostrano il loro desiderio di generare un percorso in cui poter lasciarsi andare all’immediatezza pittorica che nasce dal suo bisogno di essere pienamente se stessa e di raccontare il mondo così come lo intuisce, lo immagina e lo sogna lei.

L’attitudine a mescolare esperienze artistiche ad altre discipline in precedenza non riconducibili strettamente all’arte cominciò a emergere a fine Ottocento, quando l’Arts and Crafts inglese realizzò che la tecnica artigianale, con la sua manifattura e l’armonia esecutiva, tanto quanto la pittura e la scultura, erano in grado di contrastare l’effetto boomerang della Rivoluzione Industriale che aveva relegato l’uomo comune a essere una parte dell’ingranaggio della catena di montaggio. Recuperare la manualità, la decorazione e i motivi floreali, era dunque un modo per ritrovare un umanesimo sacrificato in nome del progresso, e vennero applicati dall’Art Nouveau anche all’arredamento, all’architettura, alla cristalleria e molte altre discipline. Da quella prima esperienza, e dopo essere entrati nel nuovo secolo, il Ventesimo, il concetto di sinergia e di contaminazione tra diversi linguaggi espressivi venne adottato anche da molti movimenti avanguardisti che allargarono i propri orizzonti creativi aprendosi alla fotografia, al teatro, al cinema; il Dadaismo prima e il Surrealismo poi, utilizzarono diversi mezzi per rafforzare il loro orientamento a mettere in primo piano il subconscio umano, gli incubi e le paure relegati in un angolo remoto della mente che attraverso la tela venivano raccontati e rappresentati in tutta la loro forza spaventosa. D’altro canto gli esponenti dell’Espressionismo ma anche del Cubismo, come Paul Gauguin per il primo e Pablo Picasso per il secondo, introdussero nelle loro opere elementi esotici che caratterizzarono fortemente la loro produzione artistica; il colore espressionista di Gauguin si legava indissolubilmente all’emozione e alle sensazioni dell’autore e all’immediatezza e alla semplicità della vita degli indigeni, mentre le tonalità cubiste di Picasso infondevano mistero e solennità all’iconografia primitiva delle maschere africane.

Dopo la metà del Novecento tutti questi movimenti subirono una trasformazione ma anche una fusione in virtù della quale le linee guida vennero sfumate e mescolate per dar vita a un’evoluzione più moderna che si adeguasse al nuovo mondo emergente e destinato a cambiare la società; dunque il Surrealismo, pur mantenendo alcune caratteristiche, sfociò nel Pop Surrealismo o Low Brow, adeguandosi alla cultura underground e metropolitana, l’Espressionismo sfociò in alcuni casi nella Pop Art, come nel caso dei colori Fauves di Andy Warhol; il Cubismo si estinse ma lasciò in eredità il concetto dell’analisi dello spazio e della geometricità più tardi ripresa da alcuni esponenti della Metafisica e del Gruppo Novecento, e infine l’esoticità che tanto aveva affascinato Gauguin e altri esponenti dell’Espressionismo si aprì a culture lontane che grazie a una sempre più facilitata possibilità di viaggiare potevano essere conosciute e apprezzate anche nelle loro manifestazioni artistiche tradizionali.

L’artista statunitense Halena Cline costituisce una vera e propria sintesi della maggior parte dei movimenti appena menzionati, poiché all’interno della sua cifra stilistica è possibile evidenziare tratti cromatici riconducibili all’Espressionismo, l’irrealtà e la presenza di alcuni elementi tipici del Surrealismo, i motivi floreali delicati ed eterei dell’Art Nouveau e infine le influenze grafiche delle stampe Batik appartenenti all’Indonesia; anche la sua tecnica è sperimentale, è un’unione tra acquerello, inchiostro e collage che rende le sue opere impalpabili ma al contempo profonde e concrete, evanescenti ma solide, generando un’unione tra mondo immateriale, sogno e memoria ancestrale, con quello del mito o dell’interpretazione della realtà.

Le atmosfere appaiono pertanto simboliche, intrise di significati spirituali che si vanno a collegare con il sentire dell’autrice ma anche con le esperienze inconsce di ciascun individuo perché è proprio nell’inspiegabile, nel bizzarro che si nasconde l’essenza di una mente che sa molto di più di quanto creda. Ma all’interno di ogni tela Halena Cline inserisce anche un concetto globale, universale che tocca non solo la coscienza del singolo inducendolo a riflettere sulla sostanza espressa, bensì si estende e vibra in senso più ampio diffondendosi e chiamando a sé tutte quelle tematiche che l’uomo contemporaneo rinuncia spesso a prendere in considerazione poiché richiederebbero uno sforzo di approfondimento che nella superficialità attuale comporta uno sforzo che per lo più non si vuole compiere.

Questo è il caso dell’opera Our Time in cui due entità che rappresentano l’essere umano del passato e quello del futuro, appaiono come omini di latta, marionette di fatto costantemente manipolate da chi è al di sopra di loro pur illudendoli di avere il pieno controllo; sulla parte inferiore del dipinto, le acque che inghiottono tutti i simboli di ciò che, nel corso dei secoli, l’uomo ha costruito lasciando un patrimonio inestimabile a rischio di distruzione a causa della noncuranza verso la natura stessa. Nel lato a sinistra dunque, l’entità raccontata potrebbe essere quella di una rinascita da cui inizia un nuovo ciclo più saggio e rispettoso, oppure quella di un passato che assiste a ciò che sta accadendo irridendo l’altro per non aver compreso l’importanza di prendersi cura della civiltà conquistata.

In Hearts and Bones, al contrario, il mare sottostante è tranquillo, sostiene i quattro animali al di sotto della scena mentre i monumenti, ancora una volta emblema della civiltà, fluttuano, leggeri come le due grandi piume collocate sul lato sinistro della tela, perché in questo caso il cuore di cui parla il titolo è stato capace di prendersi cura di quella flora e quella fauna che infatti qui Halena Cline rende così visibili da essere predominanti. Le ossa sono solo menzionate, quasi l’autrice volesse renderle un’allegoria della struttura su cui ogni realtà si fonda, quasi costituissero lo scheletro di un vivere basato sulla convivenza armonica, sulla non prevaricazione e non distruzione dell’habitat fondamentale per l’esistenza. Anche qui il Surrealismo emerge in maniera evidente attraverso la presenza di occhi dall’alto che scrutano e osservano come entità giudicanti ma anche veglianti, un monito nei confronti dell’individuo che gli ricordi di rimanere umano.

Nel lavoro Morpheus, Halena Cline si collega al mito greco del figlio di Ipso e di Notte che aveva il compito di cullare i sogni ma anche di portare messaggi importanti assumendo forme diverse; l’autrice inserisce i papaveri, tradizionalmente simboleggianti il sonno e dunque elemento chiave del dio greco, al di sotto della giovane donna più a destra, come se fossero un soffice letto avvolgente all’interno del quale il suo dormire è protetto. Le due ragazze sono completamente abbandonate, indifese ma immerse nella magia della loro immaginazione, dei desideri della mente che durante il giorno non osano chiedere e che invece si manifestano durante il riposo; in questa tela emerge un riferimento Art Nouveau proprio per la caratteristica di impalpabilità, di delicatezza con cui la donna era, e in questo caso è, tratteggiata, una creatura eterea e circondata da un’armonia cromatica in accordo con il mondo onirico della piacevolezza.

Red Moons torna verso i disegni Batik e una figurazione ben delineata, più netta rispetto alla tela precedente, per rappresentare il significato attribuito nel susseguirsi dei secoli al colore rosso della luna, presagio di guerra, di carestie, di terremoti, della fine del mondo conosciuto che Halena Cline racconta con la presenza di animali feroci, di croci legate al concetto di morte, ma che può anche rappresentare un grande cambiamento spirituale, ambivalenza questa messa in evidenza da una Venere che rinasce dopo la catastrofe. Nell’opera dell’autrice dunque la duplicità interpretativa è fondamentale per comprendere quanto ogni cosa nell’esistenza possa avere un punto di vista opposto eppure ugualmente valido, doppio significato che emerge da ciascuna sua tela, quasi lo yin e lo yang non potessero esistere l’uno senza l’altro, come a sottolineare quanto l’alternanza tra elementi antitetici sia funzionale alla consapevolezza e alla crescita.

7 Beautiful Garden 2 – acquerello e inchiostro su tela, 76,2×55,8cm

Halena Cline, che vive ed esercita la sua professione di artista a Cincinnati in Ohio, dal 1982 a oggi è stata protagonista di mostre collettive e personali negli USA – Lexington, Cincinnati, Louisville, Seattle, Covington, sono solo alcune tra le principali città – e in Italia a Venezia; le sue opere fanno parte di collezioni private e pubbliche negli Stati Uniti e in Germania.

HALENA CLINE-CONTATTI

Email: halenacline@gmail.com

Sito web: www.halenacline.com/

Facebook: www.facebook.com/halena.cline

Instagram: www.instagram.com/halenaclineart/

Linkedin: www.linkedin.com/in/halena-cline-b1b05316/

The encounter between Surrealism, Expressionism, and Batik in the artworks by Halena Cline

Stylistic contamination is an almost existential imperative for all those artists who need to imprint on their canvases all the knowledge and creative experiences that enable them to express an original approach to painting, a point of view that allows them not to conform or belong to a single style, but rather to give life to a fusion language in which they can liberate their expressive identity. Within the innovative narrative autonomy of this century, everything can be shaped, adapted, and experimented with based on the inclination and nature of the individual artist, who thus becomes a strong and incisive solo voice in the world of contemporary art. Today’s protagonist belongs to this category of creatives who show their desire to generate a path in which they can let themselves go to the pictorial immediacy that arises from their need to be fully herself and to describe the world as she intuits, imagines, and dreams it.

The tendency to mix artistic experiences with other disciplines not previously strictly related to art began to emerge in the late 19th century, when the English Arts and Crafts movement realized that craftsmanship, with its craftsmanship and harmonious execution, as much as painting and sculpture, were able to counteract the boomerang effect of the Industrial Revolution, which had relegated the common man to being a cog in the assembly line. Recovering manual skills, decoration, and floral motifs was therefore a way of rediscovering a humanism sacrificed in the name of progress, and Art Nouveau applied them to furniture, architecture, glassware, and many other disciplines. From that first experience, and after entering the new century, the 20th, the concept of synergy and contamination between different expressive languages was also adopted by many avant-garde movements that broadened their creative horizons by opening up to photography, theater, and cinema; first Dadaism and then Surrealism used different means to reinforce their focus on bringing to the forefront the human subconscious, nightmares, and fears relegated to a remote corner of the mind which were recounted and represented in all their frightening force through the canvas. On the other hand, the exponents of Expressionism and Cubism, such as Paul Gauguin for the former and Pablo Picasso for the latter, introduced exotic elements into their artworks that strongly characterized their artistic production; Gauguin‘s expressionist color was inextricably linked to the artist’s emotions and sensations and to the immediacy and simplicity of the indigenous people’s lives, while Picasso‘s cubist tones infused mystery and solemnity into the primitive iconography of African masks. After the mid-20th century, all these movements underwent a transformation but also a fusion, whereby the guidelines were blurred and mixed to give rise to a more modern evolution that adapted to the new emerging world destined to change society; thus, Surrealism, while retaining some of its characteristics, led to Pop Surrealism or Low Brow, adapting to underground and metropolitan culture, while Expressionism led in some cases to Pop Art, as in the case of Andy Warhol‘s Fauves colors; Cubism died out but left behind the concept of the analysis of space and geometry, which was later taken up by some exponents of Metaphysical Art and the Novecento Group and finally, the exoticism that had so fascinated Gauguin and other exponents of Expressionism opened up to distant cultures that thanks to increasingly easy travel could also be known and appreciated in their traditional artistic expressions.

The American artist Halena Cline is a true synthesis of most of the movements mentioned above, as her style features chromatic traits reminiscent of Expressionism, the unreality and presence of certain elements typical of Surrealism, the delicate and ethereal floral motifs of Art Nouveau, and finally the graphic influences of Indonesian Batik prints; also her technique is experimental combining watercolor, ink, and collage to make her works intangible yet profound and concrete, evanescent yet solid, creating a union between the immaterial world, dreams, and ancestral memory, with that of myth or the interpretation of reality. The atmospheres therefore appear symbolic, imbued with spiritual meanings that connect with the author’s feelings but also with the unconscious experiences of each individual, because it is precisely in the inexplicable, in the bizarre, that is hidden the essence of a mind which knows much more than it believes. But within each canvas, Halena Cline also inserts a global, universal concept that touches not only the consciousness of the individual, inducing him to reflect on the expressed substance, but rather it extends and vibrates in a broader sense, spreading and calling upon all those themes that contemporary man often refuses to take into consideration since they would require an effort of in-depth analysis which in the current superficiality involves an effort that for the most part one does not want to make.

This is the case of the work Our Time, in which two entities representing human beings from the past and the future appear as tin men, puppets constantly manipulated by those above them, while deceiving them to believe they are in full control; in the lower part of the painting the waters swallow up all the symbols of what humans have built over the centuries, leaving an invaluable heritage at risk of destruction due to their disregard for nature itself. On the left side, therefore, the entity depicted could be that of a rebirth from which a new, wiser and more respectful cycle begins, or that of a past that witnesses what is happening, mocking the other for not understanding the importance of taking care of the civilization that has been conquered. In Hearts and Bones, on the contrary, the sea below is calm, supporting the four animals below the scene while the monuments, once again emblematic of civilization, float, light as the two large feathers on the left side of the canvas, because in this case, the heart referred to in the title has been able to take care of the flora and fauna that Halena Cline makes here so visible to become predominant. The bones are only mentioned, as if the author wanted to make them an allegory of the structure on which all reality is based, as if they constituted the skeleton of a life based on harmonious coexistence, on non-prevarication and non-destruction of the habitat fundamental to existence.

Here too, Surrealism emerges clearly through the presence of eyes from above that scrutinize and observe as judging but also watchful entities, a warning to the individual to remember to remain human. In the painting Morpheus Halena Cline connects to the Greek myth of the son of Hypnos and Nyx, who had the task of lulling dreams but also of bringing important messages by taking different forms; the author places poppies, traditionally symbolizing sleep and therefore a key element of the Greek god, beneath the young woman on the far right, as if they were a soft, enveloping bed in which her sleep is protected. The two girls are completely abandoned, defenseless but immersed in the magic of their imagination, of the desires of the mind that they dare not ask for during the day but which manifest themselves during rest; in this canvas emerges an Art Nouveau reference precisely due to the characteristic of impalpability, of delicacy with which the woman was, and in this case is, outlined, an ethereal creature surrounded by a chromatic harmony in accordance with the dream world of pleasantness.

Red Moons returns to Batik designs and a well-defined figuration, clearer than in the previous canvas, to represent the meaning attributed over the centuries to the red color of the moon, a harbinger of war, famine, earthquakes, the end of the known world, which Halena Cline depicts with the presence of ferocious animals and crosses linked to the concept of death, but which can also represent a great spiritual change, an ambivalence highlighted by a Venus reborn after the catastrophe. In the artist’s work, therefore, interpretative duality is fundamental to understanding how everything in existence can have an opposite yet equally valid point of view, a double meaning that emerges from each of her canvases, almost as if yin and yang could not exist without each other, as if to emphasize how the alternation between antithetical elements is functional to awareness and growth. Halena Cline, who lives and works as an artist in Cincinnati, Ohio, has been featured in group and solo exhibitions in the US since 1982—Lexington, Cincinnati, Louisville, Seattle, and Covington are just a few of the major cities—and in Venice, Italy; her artworks are part of private and public collections in the United States and Germany.