Sottili metafore esistenzialiste nel Realismo paesaggistico di Franco Ranaldi, tra riflessioni e contemplazione della natura

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paesaggio con lavanda e vecchia casa

Esistono artisti per cui narrare la natura diviene possibilità di rimanere fortemente legati a un’essenza che riesce a manifestarsi solo attraverso un atteggiamento introspettivo sollecitato in particolar modo quando lo sguardo riesce a perdersi dentro le atmosfere bucoliche, lontane dal rumore delle città, perché in quella dimensione può porsi in ascolto di tutto ciò che appartiene alla sostanza dell’essere. Questi autori a volte restano focalizzati sulla pura bellezza, altre reinterpretano il paesaggio sulla base del proprio approccio alla vita e alle emozioni, e poi vi sono quelli per cui comunicare, o meglio lasciar intuire, un messaggio più profondo che possa emergere dalla perfezione estetica delle vedute raccontare diviene il punto focale della propria produzione pittorica. L’artista di cui vi racconterò oggi appartiene a quest’ultimo gruppo di autori, riuscendo ad attrarre lo sguardo in virtù di un’esecuzione impeccabile dei dettagli dell’osservato ma poi conducendo lentamente il fruitore in un significante che non può fare a meno di indurlo a riflettere su concetti appartenenti al vivere contemporaneo, suscitando interrogativi senza però mai dare risposte.

La pittura di paesaggio è stata considerata, almeno fino agli inizi dell’Ottocento, un genere artistico secondario, legato prevalentemente ad autori minori che in tal modo riuscivano a guadagnarsi di che vivere; con l’avvento dell’Arte Romantica tuttavia, e grazie soprattutto al talento e alla capacità innovativa degli esponenti inglesi del movimento, William Turner e John Constable in particolar modo, i paesaggi assunsero un nuovo e predominante posto all’interno di quella ricerca sulla luce, sul rapporto tra uomo e natura, e sulle inedite possibilità che di fatto diedero inizio all’epoca moderna. Qualche anno dopo la Scuola di Barbizon, in Francia, adeguò il paesaggio alle linee guida del Realismo in cui gli artisti si soffermarono principalmente sulla rappresentazione oggettiva di tutto ciò che si trovava davanti ai loro occhi, evidenziando la bellezza e la perfezione nell’aderenza alla realtà. Anche il successivo Impressionismo, sebbene utilizzasse una tecnica pittorica completamente differente, priva di disegno preparatorio e senza avvalersi della tavolozza per mescolare i colori, si concentrò prevalentemente sull’obiettivo di riuscire a riprodurre immagini più vicine possibile all’osservato, all’armonia cromatica e all’ambientazione scelta, prediligendo vedute e scorci di paesaggi all’aperto in cui talvolta esaltare il bel vivere della borghesia dell’epoca.

Il Divisionismo italiano fu anch’esso orientato a riprodurre la luce, la bellezza incontaminata dei panorami ma ancora senza introdurre la sensazione, l’emozione o la percezione che dall’interrelazione tra uomo e natura poteva nascere. Fu invece il Simbolismo a proseguire la linea tracciata da William Turner introducendo il concetto, quell’energia sottile appartenente alla vita e percepita dall’essere umano a livello inconscio; l’eredità di questo movimento di fine Ottocento fu raccolta e approfondita dal Surrealismo, in particolar modo da quello Metafisico che congiunse alla pittura di René Magritte quella enigmatica di Giorgio De Chirico, dove il tratto pittorico era pulito e nitido e dove dunque l’occhio poteva immergersi in atmosfere apparentemente familiari che però un attimo dopo destabilizzavano introducendo elementi fuori contesto, insoliti oppure funzionali a un approfondimento necessario a scoprire il messaggio lasciato dall’autore.

aprile in sabina
1 Aprile in Sabina – acrilico su tela, 80x60cm

L’artista laziale Franco Ranaldi oltrepassa il confine di appartenenza a un movimento, sfugge alle definizioni poiché il suo punto di arrivo, il paesaggio, è frutto di sperimentazione, di un percorso evolutivo della sua arte iniziato con la raffigurazione della figura umana e passando per il disegno che tutt’ora porta avanti in parallelo alla produzione pittorica; dunque i suoi paesaggi sono da un lato figli di un particolareggiato e dettagliato Realismo da cui però emerge anche una minuziosità riproduttiva a metà tra Puntinismo e Divisionismo dove la luce predomina in maniera preponderante su qualsiasi ombra che emerge, tuttavia, in maniera inaspettata dalle riflessioni suscitate dall’artista attraverso il silenzio, attraverso dettagli inizialmente trascurati ma che poi si ampliano quando lo sguardo si sofferma rapito dalla perfezione estetica.

paesaggio con ulivi e ginestra
2 Paesaggio con ulivi e ginestra – acrilico su tela, 80x60cm

Questa seconda fase contemplativa delle opere di Franco Ranaldi, svela un’attenzione quasi esistenzialista a tutto ciò che appartiene alla vita in virtù della quale egli trasforma le vedute narrate in simbolo del cammino dell’individuo, in esortazione ad ascoltare quei significati nascosti che possono emergere da un sentiero, da un soffio di vento, da una distesa di fiori, quasi come se la natura sussurrasse segreti che possono essere svelati solo attraverso l’interiorità e l’interpretazione soggettiva.

dune fiorite in toscana
3 Dune fiorite in Toscana – acrilico su tela, 70x50cm

La gamma cromatica delle opere è fortemente aderente ai paesaggi osservati tuttavia vira sempre verso la brillantezza e la luce, quasi come se fosse necessario avvicinarsi gradualmente a quell’universo più mentale e metafisico che viene sollecitato a uscire in un secondo momento ma in virtù del quale i dipinti assumono una connotazione diversa, più avvolgente e sicuramente più introspettiva; l’uso del colore è sapiente, ogni dettaglio è minuziosamente riprodotto quasi per Franco Ranaldi fosse fondamentale preparare la scena per poi condurre l’osservatore nel suo mondo meditativo e ricco di spunti.

paesaggio campestre innevato
4 Paesaggio campestre innevato – acrilico su tela, 50x35cm

La tela Paesaggio campestre innevato, immortalato in una fase di disgelo, quando il tepore dei raggi del sole comincia a sciogliere il bianco candido che ne nasconde i prati e parte degli arbusti, sembra essere un invito a contrastare le difficoltà, a continuare nel proprio cammino nonostante le avversità che sembrano essere un ostacolo insormontabile; il panorama è aperto, dunque non si intravedono salite che potrebbero provocare un’esitazione, eppure non è possibile vedere cosa vi sia oltre la curva pertanto diviene necessario affidarsi all’istinto, e all’interpretazione personale di ciascuno, per scegliere se proseguire o tornare sui propri passi, di fatto rinunciando però a concedersi la possibilità di andare verso un’incognita potenzialmente molto positiva. Il freddo che avvolge la scena costituisce un presente immobile, ma il sopraggiungere del tepore, e soprattutto il verde acceso del tronco vicino alla curva, suggerisce una rassicurazione, un invito a intraprendere quei passi in grado di condurre verso una primavera interiore.

la nebbia del mattino
5 La nebbia del mattino – acrilico su tela, 80x60cm

Ne La nebbia del mattino, al contrario, l’atmosfera è più soffusa, il sole non è ancora sopraggiunto a dissolvere l’umidità, la stagione è quella di inizio autunno, quando la natura si prepara al sonno invernale; la scelta di immortalare quel preciso scorcio in cui il muretto di demarcazione della proprietà all’interno della quale la nebbia sembra addensarsi, è probabilmente funzionale a stimolare quegli interrogativi spontanei su cosa vi sia oltre il cancello aperto, su quanto sia importante oltrepassare le proprie paure, i propri limiti che suggerirebbero di restare all’interno del sentiero più familiare per trovare il coraggio di rompere lo schema e fare un salto nel buio funzionale a mettersi in discussione, a immergersi in un inconosciuto attraverso cui sarà possibile approfondire la conoscenza di sé. Il cancello è dunque metafora di un’interiorità che ha bisogno di uscire dal guscio protettivo dentro cui tende a rifugiarsi, necessita uno sforzo di apertura verso tutto ciò che può solo apparentemente costituire una minaccia ma che può invece essere un pretesto per una crescita personale che contempla anche la possibilità di rischiare qualche certezza.

campo di lavanda con ulivo
6 Campo di lavanda con ulivo – acrilico su tela, 50x70cm

Nella tela Campo di lavanda con ulivo Franco Ranaldi cela ancora una volta il senso esistenziale della vita in un’immagine serena, delicatamente colorata secondo la tavolozza spontanea della natura nell’esplosione vitale della stagione primaverile eppure, in quel tronco solitario immerso nel campo dei fiori di lavanda, non si riesce a non vedere la similitudine con il vivere contemporaneo dove l’individualismo induce le persone a sentirsi sole anche quando circondate da molte altre. Il tronco dell’albero è intrecciato come se fosse ritorto in se stesso, come se quelle curve fossero un’allegoria della difficoltà di vivere un’esistenza in cui non si può contare su nessuno se non se stessi e la propria forza nel rimanere in piedi a dispetto delle avversità; da un altro punto di vista tuttavia, quell’albero è un emblema di resilienza, di capacità di adattarsi alle differenti situazioni che si possono presentare mantenendosi saldi nei propri princìpi, costituiti idealmente dalle radici da cui il tronco nasce e si sviluppa. Franco Ranaldi mostra dunque sempre una doppia opzione interpretativa perché socraticamente pone interrogativi per indurre il fruitore ad approfondire, a immergersi dopo aver ammirato la patina perfetta della superficie e a lasciarsi andare alla riflessione secondo il proprio punto di vista, il proprio cammino evolutivo e la sensazione che da ogni opera riceve perché in fondo il compito della pittura è quello di condurre verso l’evoluzione del sé che nasce spesso proprio in virtù del contatto con una natura, atavico e primordiale malgrado l’uomo contemporaneo si sia da essa allontanato ma a cui non può fare a meno di tornare.

autumn morning
7 Autumn morning – acrilico su tela, 50x70cm

Franco Ranaldi ha alle sue spalle un lunghissimo percorso nel mondo artistico, la sua prima mostra personale risale al 1980, che lo ha visto esporre in personali e collettive in Italia e all’estero; le sue opere fanno parte di collezioni private, oltre che in Italia, anche in Francia, Gran Bretagna, Germania, Svizzera, Lussemburgo, Romania, Repubblica Ceca, Benin, Stati Uniti, Argentina, Australia, Cina, Giappone e Benin.

FRANCO RANALDI-CONTATTI

Email: francoranaldi@tiscali.it

Sito web: www.ranaldifranco.it/index.php

Instagram: www.instagram.com/franco_ranaldi_/

Subtle existentialist metaphors in Franco Ranaldi’s landscape realism, between reflection and contemplation of nature

There are artists for whom narrating nature becomes an opportunity to remain strongly attached to an essence which can only manifest itself through an introspective attitude that is particularly stimulated when the gaze can lose in bucolic atmospheres, far from the noise of cities, because in that dimension it can listen to everything that belongs to the substance of being. These authors sometimes remain focused on pure beauty, others reinterpret the landscape on the basis of their own approach to life and emotions, and then there are those for whom communicating, or rather allowing a deeper message to emerge from the aesthetic perfection of the views to be told becomes the focal point of their pictorial production. The artist I am going to tell you about today belongs to the latter group of authors, succeeding in attracting the gaze by virtue of an impeccable execution of the details of the observed, but then slowly leading the viewer into a signifier that cannot help but induce him to reflect on concepts belonging to contemporary living, raising questions without ever giving answers.

Landscape painting was considered, at least until the beginning of the 19th century, a secondary artistic genre, linked mainly to minor artists who managed to earn a living that way; with the advent of Romantic Art, however, and thanks above all to the talent and innovative capacity of the English exponents of the movement, William Turner and John Constable in particular, landscapes took on a new and predominant place within that research into light, the relationship between man and nature, and the unprecedented possibilities that in fact initiated the modern era. A few years later, the School of Barbizon, in France, adapted landscape to the guidelines of Realism in which artists mainly focused on the objective representation of everything before their eyes, emphasising beauty and perfection in adherence to reality. Even the later Impressionism, although used a completely different painting technique, with no preparatory drawing and no use of a palette to mix colours, focused mainly on the objective of being able to reproduce images as close as possible to the observed, to the chromatic harmony and to the chosen setting, preferring views and glimpses of open-air landscapes in which they sometimes exalted the fine living of the bourgeoisie of the time.

Italian Divisionism was also oriented towards reproducing light, the pristine beauty of landscapes but still without introducing the sensation, emotion or perception that could arise from the interrelation between man and nature. Instead, it was Symbolism that continued the line traced by William Turner by introducing the concept, that subtle energy belonging to life and perceived by human beings at an unconscious level; the inheritance of this late 19th century movement was taken up and deepened by Surrealism, particularly Metaphysical, which united René Magritte‘s painting with Giorgio De Chirico‘s enigmatic one, where the pictorial stroke was clean and sharp and where the eye could therefore immerse itself in apparently familiar atmospheres that, however, a moment later destabilised by introducing elements out of context, unusual or functional for a deeper exploration necessary to discover the message left by the author. The artist from Lazio, Franco Ranaldi, goes beyond the boundary of belonging to a movement, eluding definitions because his point of arrival, the landscape, is the result of experimentation, of an evolutionary path of his art that began with the depiction of the human figure and moved on to drawing, which he still pursues in parallel with his pictorial production; thus, his landscapes are, on the one hand, the offspring of a detailed Realism from which, however, also emerges a reproductive meticulousness somewhere between Pointillism and Divisionism where light predominates over any shadows that emerge, however, in an unexpected way from the reflections aroused by the artist through silence, through details that are initially overlooked but then expand when the gaze lingers enraptured by aesthetic perfection. This second contemplative phase of Franco Ranaldi‘s artworks reveals an almost existentialist attention to all that belongs to life, by virtue of which he transforms the narrated views into a symbol of the individual’s journey, into an exhortation to listen to those hidden meanings that can emerge from a path, from a breath of wind, from an expanse of flowers, almost as if nature whispers secrets that can only be revealed through interiority and subjective interpretation.

The chromatic range of the works is strongly adherent to the landscapes observed, yet it always veers towards brilliance and light, almost as if it were necessary to gradually approach that more mental and metaphysical universe that is urged to come out at a later date but by virtue of which the paintings take on a different, more enveloping and certainly more introspective; the use of colour is skilful, every detail is meticulously reproduced almost as if it were essential for Franco Ranaldi to prepare the scene and then lead the observer into his meditative and richly inspired world. The canvas Paesaggio campestre innevato (Snow-covered country landscape), immortalised in a thawing phase, when the warmth of the sun’s rays begins to melt the snowy white that hides the meadows and part of the shrubs, seems to be an invitation to counter difficulties, to continue on one’s path despite the adversities that seem to be an insurmountable obstacle; the panorama is open, so there are no glimpses of climbs that might provoke hesitation, yet it is not possible to see what lies beyond the curve, so it becomes necessary to rely on instinct, and on each person’s personal interpretation, to choose whether to continue or to retrace one’s steps, in effect giving up the possibility of moving towards a potentially very positive unknown. The cold that envelops the scene constitutes an immobile present, but the arrival of warmth, and especially the bright green of the trunk near the bend, suggests a reassurance, an invitation to take those steps capable of leading towards an inner spring.

In La nebbia del mattino (The morning mist), on the contrary, the atmosphere is more subdued, the sun has not yet come to dissolve the humidity, the season is that of early autumn, when nature is preparing for its winter sleep; the decision to immortalise that precise glimpse of the demarcation wall of the property within which the fog seems to thicken, is probably functional to stimulate those spontaneous questions about what lies beyond the open gate, about how important it is to go beyond one’s fears, one’s limits, which would suggest staying within the more familiar path to find the courage to break the pattern and take a leap into the dark, functional to question oneself, to immerse in an unknown through which it will be possible to deepen one’s knowledge of oneself. The gate is therefore a metaphor for an interiority that needs to break out of the protective shell within which it tends to take refuge, requiring an effort of openness towards everything that may only apparently constitute a threat but which can instead be a pretext for personal growth that also contemplates the possibility of risking some certainty. In the canvas Campo di lavanda con ulivo (Lavender field with olive tree), Franco Ranaldi once again conceals the existential meaning of life in a serene image, delicately coloured according to the spontaneous palette of nature in the vital explosion of the spring season and yet, in that solitary trunk immersed in the field of lavender flowers, one cannot fail to see the similarity with contemporary living where individualism leads people to feel alone even when surrounded by many others.

The trunk of the tree is intertwined as if it were twisted in on itself, as if those curves were an allegory of the difficulty of living an existence in which one cannot count on anyone but oneself and one’s own strength to remain standing in spite of adversity; from another point of view, however, that tree is an emblem of resilience, of the ability to adapt to the different situations that may arise while remaining firm in one’s own principles, ideally constituted by the roots from which the trunk is born and develops. Franco Ranaldi therefore always shows a double interpretative option because he Socratically poses questions to induce the viewer to go deeper, to immerse himself after admiring the perfect patina of the surface and to let himself go to reflection according to his own point of view, his own evolutionary path and the sensation he receives from each artwork because, in the end, the task of painting is to lead towards the evolution of the self that often arises precisely in virtue of contact with nature, atavistic and primordial despite the fact that contemporary man has distanced himself from it even if he cannot help but return to it. Franco Ranaldi has a very long career in the art world behind him, his first solo exhibition dates back to 1980, which has seen him exhibit in solo and group exhibitions in Italy and abroad; his artworks are part of private collections not only in Italy, but also in France, Great Britain, Germany, Switzerland, Luxembourg, Romania, the Czech Republic, Benin, the United States, Argentina, Australia, China and Japan.