Tra NeoCubismo e Art Déco, lo stile eclettico di Tanja Hirschfeld

Per alcuni interpreti dell’arte contemporanea, spostarsi tra uno stile e l’altro generando una sintesi personalizzata e originale dei movimenti che hanno segnato profondamente le epoche del passato costituisce una vera e propria linfa vitale alla creatività, come se spaziare tra linee guida differenti e persino opposte nell’intento espressivo fosse un’affascinante sfida con cui misurarsi per dare voce a un istinto narrativo che non accetta alcun tipo di limite o di restrizione. La protagonista di oggi incarna in pieno le caratteristiche di questa tipologia di autori, e va a generare una cifra stilistica dove la geometricizzazione scolpisce alcuni dettagli mentre il gioco di luci e ombre e le tonalità evanescenti ammorbidiscono l’aspetto finale delle tele.

Gli inizi del Ventesimo secolo videro l’affermarsi dell’esigenza di trovare nuovi approcci alla pittura, innovazioni rappresentative che non solo stravolsero i canoni accademici che erano stati la base imprescindibile dell’arte fino alla fine dell’Ottocento, ma rivelarono anche lo spostamento dell’attenzione degli autori che passò dalla pura contemplazione e riproduzione dell’osservato a un distacco totale da esso, come per l’Arte Astratta, oppure a una focalizzazione sul sentire dell’individuo, come per l’Espressionismo, e sulla sua psiche, come per il Surrealismo, o ancora con un approccio più tecnico, analitico e volto ad ampliare ed enfatizzare la ricerca sulla scomposizione dell’immagine e la geometricizzatà attraverso cui adeguarsi alla velocità dei tempi e a un atteggiamento più ottimista oppure a uno più critico della società e del suo atteggiamento inducendo così gli autori che studiarono proprio la suddivisione dell’immagine a dividersi tra Futurismo e Cubismo. Furono proprio questi ultimi due movimenti a determinare un vero e proprio distacco da tutte le regole tradizionali perché la loro interpretazione della realtà doveva essere prismatica, quasi caleidoscopica per infondere nell’osservatore la sensazione di rapido movimento e di ottimismo nei confronti del progresso e del futuro che contraddistinse le opere futuriste, oppure più orientata ad appiattire il tempo mostrando simultaneamente tutti gli aspetti dell’osservato in maniera bidimensionale e introducendo la geometricità per analizzare e studiare quanto la realtà potesse essere frammentata, suddivisa e rappresentata pittoricamente sotto un aspetto completamente diverso e quasi scientifico delle opere cubiste.

Georges Braque e Pablo Picasso vollero dare un’organizzazione diversa allo spazio pittorico, appiattirono le forme raccontandole in chiave volumetrica e moltiplicarono i punti di vista annullando così sia la prospettiva che la linea temporale dando una visione simultanea delle immagini narrate. Le innovazioni apportate nel mondo artistico dei primi decenni del Novecento divenne spunto e ispirazione anche per altri movimenti pittorici o per interpreti di altre correnti che introdussero un aspetto geometrico alle loro opere, come nel caso della Metafisica di Giorgio Morandi, o che ammorbidirono completamente l’atmosfera mantenendo tuttavia un utilizzo della luce e delle ombre in maniera netta e quasi spigolosa, dando in tal modo un aspetto affascinante e cristallino alle protagoniste e alle ambientazioni, caratteristiche queste che contraddistinsero lo stile unico dell’Art Déco pittorica di Tamara de Lempicka. Da un lato dunque un ammorbidimento delle atmosfere e una moderazione della forma geometrica che si limitava all’interpretazione delle nature morte del maestro italiano, dove la luce soffusa infondeva un senso di nostalgia quasi struggente a quegli oggetti familiari, dall’altro invece la celebrazione di un ritorno alla vita dopo la fine della prima guerra mondiale, il bisogno di buttarsi tutto alle spalle e di godere del bello della vita, del lusso, dello scintillìo dei luoghi aristocratici a cui si era dovuto rinunciare in precedenza, della grande interprete polacca dell’Art Déco.

L’artista tedesca Tanja Hirschfeld mostra quella particolare attitudine alla personalizzazione che è caratteristica degli autori contemporanei, e attinge a entrambe le esperienze pittoriche, il Cubismo e l’Art Déco, per dare vita a un NeoCubismo decisamente originale in cui l’aspetto geometrico viene ammorbidito, ingentilito da tonalità cromatiche tenui, in alcuni casi trasparenti per enfatizzare il senso della sovrapposizione e in qualche modo l’evanescenza della narrazione; d’altro canto tuttavia non si può non evidenziare anche l’aspetto patinato, ammaliante e glamour delle donne protagoniste, così come il fascino algido e distaccato con cui racconta le loro pose. Ma il carattere sperimentatore di Tanja Hirschfeld non si limita a mescolare i due stili, su cui in alcune tele subentrano anche dei lievi riferimenti Bauhaus, bensì allo stesso modo dell’Art Nouveau della fine del Diciannovesimo secolo sinergizza anche tecniche artigianali come il ricamo per dar vita a opere in cui, pur mantenendo l’aspetto neocubista che la contraddistingue, l’approccio coloristico è appunto affidato ai sottili fili con cui minuziosamente realizza i suoi soggetti. Pertanto il carattere eclettico dell’artista si manifesta e trova la sua dimensione in uno stile personale e distintivo in virtù del quale mette in luce le tematiche a lei più care come l’anticonformismo, l’omosessualità, la matrice destinica dell’esistenza rappresentata attraverso l’evocazione di personaggi immaginari, con l’esoterismo o con la presenza di simboli che sottolineano la casualità delle circostanze.

Essendo nata in Italia, ed essendo entrata in contatto con la cultura del Bel Paese, si lega alle carte da gioco napoletane, presenti in alcune tele come Asso di bastoni female in cui la carta di cui parla il titolo costituisce il collo della figura femminile, una signorina in stile Anni Venti, dunque appartenente a quel periodo in cui le donne cominciavano a rompere gli schemi tradizionali e ad assumere atteggiamenti anticonvenzionali, liberi e disinvolti e a vestirsi con abiti più comodi. I capelli corti e lo sguardo lontano dal punto di osservazione ricordano le opere di Tamara de Lempicka, così come il contrasto tra la spigolosità del volto e la morbidezza dell’abito che ricorda vagamente un kimono giapponese; Tanja Hirschfeld in questo lavoro sottolinea quanto anche la donna possa avere le caratteristiche di forza, determinazione, volitività che abitualmente sono collegate all’uomo, e dunque unisce un simbolo che evoca la virilità come l’asso di bastoni a una femminilità fascinosa quanto androgina.

Anche Pipe & Pearls rientra in questo punto di vista e mostra lo stesso forte legame con le carte da gioco; in questo caso a essere protagonista celato nel collo della ragazza è l’asso di spade, che rappresenta nell’interpretazione esoterica il coraggio e la capacità di superare ostacoli, quasi per quella figura che sembra riferirsi a una donna di colore sia stato persino più difficile conquistare la libertà di poter fumare una pipa. Dunque dal profilo appare sicura di sé, riservata ma al contempo incurante di chiunque possa dare un’opinione diversa rispetto a quella che è stata la sua scelta, ma in qualche modo attraverso il vezzo di adornare con le perle il velo che le copre la testa mostra comunque un rispetto per la tradizione e un legame con la sua natura femminile, quasi a suggerire che non è ciò che si sceglie di fare a modificare la propria essenza. In questo dipinto il Cubismo è attenuato e circoscritto solo alle sfumature e ai contrasti tra luci e ombre, mentre l’unica forma geometrica chiaramente visibile è quella sferica delle perle che terminano con l’asso di spade a cui si riallacciano le decorazioni dell’abito.

La regina della crescita ha un’accezione più misteriosa, quasi surrealista, pur presentando evidenti elementi cromatici e geometrici più vicini alla Bauhaus, a quella corrente Optical che contraddistinse gli anni Sessanta del Novecento e che affidò all’alternanza tra vuoti e pieni generata dal contrasto cromatico, l’effetto visivo del movimento e delle ondulazioni da cui emerge il volto della donna.

In questo caso però l’immagine evoca una spiritualità, un pensiero che spinge verso l’evoluzione, dunque anche il volto non è reale, la figura femminile non appartiene al mondo presente bensì si innalza verso una dimensione mistica sottolineando l’importanza di emergere dai dettagli del quotidiano e di guardare, attraverso l’anima, verso un punto superiore, di aspirare a tutto ciò che possa generare una trasformazione migliorativa.

Nell’opera La fata Tanja Hirschfeld racconta invece un’atmosfera più sognante, quasi la donna in basso, di origine africana, chiedesse silenziosamente l’intervento di una protezione magica e soprannaturale, o al contrario, fosse proprio lei la personificazione di un personaggio magico che l’autrice svela nella sua forma spirituale. Qui il Cubismo è molto marcato, i due volti sono incredibilmente sfaccettati, in particolar modo quello superiore legato alla spiritualità, mentre le tonalità sono più legate ai colori primari, quasi a evocare il De Stijl, nella figura reale in basso, e più evanescenti e delicate, persino trasparenti in alcuni punti, nella figura in alto.

Tanja Hirschfeld è fondatrice del collettivo artistico Die Villa, che dal 2018 si occupa in modo performativo del ruolo delle donne nella società e ha al suo attivo mostre in Germania, Italia, Spagna, Belgio e Stati Uniti e le sue opere fanno parte di collezioni private in tutto il mondo.

TANJA HIRSCHFELD-CONTATTI

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Between Neo-Cubism and Art Deco, Tanja Hirschfeld’s eclectic style

For some contemporary artists, moving between styles and creating a personalised and original synthesis of the movements that have profoundly marked past eras is a real lifeblood for creativity, as if ranging between different and even opposite guidelines in terms of expressive intent were a fascinating challenge to be faced in order to give voice to a narrative instinct that accepts no limits or restrictions. Today’s protagonist fully embodies the characteristics of this kind of artist, generating a stylistic signature where geometric shapes sculpt certain details while the play of light and shadow and evanescent tones soften the final appearance of the canvases.

The early 20th century saw the emergence of the need to find new approaches to painting, representative innovations that not only overturned the academic canons that had been the essential basis of art until the end of the 19th century, but also revealed a shift in the artists’ focus from pure contemplation and reproduction of what was observed to a total detachment from it, as in Abstract Art, or a focus on the individual’s feelings, as in Expressionism, and on his psyche, as in Surrealism, or even with a more technical, analytical approach aimed at expanding and emphasizing research into the decomposition of the image and the geometricity through which to adapt to the speed of the times and a more optimistic or critical attitude towards society and its attitude, thus inducing the authors who studied the subdivision of the image to share between Futurism and Cubism. It was precisely these last two movements that determined a real departure from all traditional rules because their interpretation of reality had to be prismatic, almost kaleidoscopic, in order to instill in the observer the sensation of rapid movement and optimism towards progress and the future that characterized Futurist works, or more oriented towards flattening time by simultaneously showing all aspects of the observed in a two-dimensional manner and introducing geometry to analyze and study how reality could be fragmented, subdivided, and represented pictorially in a completely different and almost scientific aspect of Cubist artworks.

Georges Braque and Pablo Picasso wanted to give a different organization to the pictorial space, flattening the forms by depicting them in a volumetric key and multiplying the points of view, thus eliminating both perspective and timeline, providing a simultaneous view of the images being narrated. The innovations introduced in the art world in the early decades of the 20th century also became a source of inspiration for other painting movements and artists from other schools who introduced geometric elements into their paintings, as in the case of Giorgio Morandi‘s Metaphysical Art, or who completely softened the atmosphere while maintaining a clear and almost angular use of light and shadow, thus giving a fascinating and crystalline appearance to the protagonists and settings, characteristics that distinguished the unique style of Tamara de Lempicka‘s Art Deco painting. On the one hand, therefore, there was a softening of the atmosphere and a moderation of the geometric form that was limited to the interpretation of the Italian master’s still lifes, where the soft light infused those familiar objects with an almost poignant sense of nostalgia; on the other hand, there was a celebration of a return to life after the end of the First World War, the need to put everything behind and enjoy the beauty of life, luxury, and the glitz of aristocratic places that had previously been renounced, of the great Polish interpreter of Art Deco.

German artist Tanja Hirschfeld displays the distinctive aptitude for personalization that is characteristic of contemporary artists, drawing on both pictorial experiences, Cubism and Art Deco, to create a decidedly original Neo-Cubism in which the geometric aspect is softened, refined by muted, sometimes transparent, chromatic tones to emphasize the sense of overlap and, in some ways, the evanescence of the narrative. On the other hand, however, one cannot fail to highlight the glossy, bewitching, and glamorous appearance of the female protagonists, as well as the cool, detached charm with which she depicts their poses. But Tanja Hirschfeld‘s experimental nature is not limited to mixing the two styles, which in some canvases also feature slight Bauhaus references, but rather, like the Art Nouveau of the late nineteenth century, she also synergizes artisanal techniques such as embroidery to create works in which, while maintaining the neo-Cubist aspect that distinguishes her, the coloristic approach is entrusted precisely to the thin threads with which she meticulously creates her subjects.

Thus, the artist’s eclectic character manifests itself and finds its dimension in a personal and distinctive style through which she highlights the themes dearest to her, such as nonconformity, homosexuality, the destiny matrix of existence represented through the evocation of imaginary characters, esotericism, or symbols that emphasize the randomness of circumstances. Having been born in Italy and having come into contact with the culture of the Bel Paese, she is drawn to Neapolitan playing cards, which appear in some of her paintings, such as Asso di bastoni female (Ace of Clubs Female), in which the card referred to in the title forms the neck of the female figure, a young woman in 1920s style, belonging to a period when women were beginning to break with tradition and adopt unconventional, free, and easygoing attitudes, dressing in more comfortable clothes.

The short hair and distant gaze are reminiscent of the works of Tamara de Lempicka, as is the contrast between the angularity of the face and the softness of the dress, which vaguely resembles a Japanese kimono. In this work, Tanja Hirschfeld emphasizes how women can also possess the characteristics of strength, determination, and willpower that are usually associated with men, thus combining a symbol that evokes masculinity, such as the ace of clubs, with a femininity that is as fascinating as it is androgynous. Pipe & Pearls also fits into this perspective and shows the same strong connection with playing cards; in this case, the protagonist hidden in the girl’s neck is the ace of spades, which in the esoteric interpretation represents courage and the ability to overcome obstacles, almost as if it were even more difficult for that figure, which seems to refer to a black woman, to gain the freedom to smoke a pipe. Therefore, from her profile, she appears self-confident, reserved but at the same time unconcerned about anyone who might have a different opinion than her own choice but, in some way, through the habit of adorning the veil covering her head with pearls, she still shows respect for tradition and a connection to her feminine nature, almost suggesting that it is not what one chooses to do that changes one’s essence. In this painting, Cubism is attenuated and limited only to the nuances and contrasts between light and shadow, while the only clearly visible geometric shape is the spherical shape of the pearls ending with the ace of swords, which is linked to the decorations on the dress.

The Queen of Growth has a more mysterious, almost surrealist meaning, despite presenting clear chromatic and geometric elements closer to Bauhaus, to the Optical art movement that characterized the 1960s and which relied on the alternation between empty and full spaces generated by chromatic contrast to create the visual effect of movement and undulations from which the woman’s face emerges. In this case, however, the image evokes a spirituality, a thought that pushes towards evolution, so even the face is not real, the female figure does not belong to the present world but rises towards a mystical dimension, emphasizing the importance of emerging from the details of everyday life and looking, through the soul, towards a higher point, aspiring to everything that can generate a transformative improvement. In the painting La fata (The Fairy), Tanja Hirschfeld depicts a more dreamlike atmosphere, as if the woman at the bottom, of African origin, were silently asking for magical and supernatural protection, or, on the contrary, were herself the personification of a magical character that the author reveals in her spiritual form. Here, Cubism is very marked, the two faces are incredibly multifaceted, especially the upper one linked to spirituality, while the tones are more related to primary colors, almost evoking De Stijl, in the real figure below, and more evanescent and delicate, even transparent in some places, in the figure above. Tanja Hirschfeld is the founder of the artistic collective Die Villa, which since 2018 has been performing on the role of women in society and has held exhibitions in Germany, Italy, Spain, Belgium, and the United States, with her works featured in private collections around the world.