Volti cancellati e identità nascoste nell’essenza emotiva nell’Espressionismo di Norris Yim

La tendenza a mettere in evidenza l’esteriorità, appartenente quasi indissolubilmente alla società contemporanea che naviga sulla superficie di una patina spesso ritenuta prioritaria rispetto alla sostanza più autentica, induce molti autori a compiere un percorso inverso di approfondimento, di analisi e ricerca di tutto ciò che resta nel momento in cui quello strato esterno viene grattato via. A quel punto diviene necessario abbandonare l’estetica, intesa nel senso più tradizionale del termine, per spingersi verso un approccio espressivo che possa mettere in evidenza il substrato della vera identità di ciascun individuo e davanti alla quale non è più necessario andare a riprodurre fedelmente i tratti esteriori poiché ciò che conta davvero è la profondità, quella che identifica davvero le persone. Il protagonista di oggi esplora le personalità autentiche spogliandole da ogni riferimento riconducibile alla realtà osservata proprio per tendere verso tutto il significato emozionale in grado di fuoriuscire quando si va oltre l’estetica e ci si focalizza sull’anima.

Verso la fine dell’Ottocento, un gruppo di artisti francesi determinò un cambio di paradigma delle linee guida pittoriche fino a quel momento ritenute irrinunciabili, mettendo in secondo piano l’estetica e la resa del reale per dare spinta a tutti quei moti interiori, a tutta la soggettività autoriale che non era mai stata inclusa nell’espressione creativa se non in alcuni rari casi. I Fauves invece, questo il nome che fu attribuito al gruppo di autori di cui fecero parte Henri Matisse, André Derain e Maurice de Vlaminck, optarono per un utilizzo dei colori pieno, piatto, quasi aggressivo, privando le loro tele di ogni regola prospettica, di chiaroscuro e di profondità; la gamma cromatica si connetteva indissolubilmente all’emozione raffigurando un mondo decontestualizzato dal visibile ma perfettamente affine alle sensazioni provate rispetto alle scene descritte, sia che appartenessero alla loro quotidianità come nel caso degli interni di Matisse, sia che invece raccontassero luoghi vissuti od osservati ma che toccavano il cuore come nei paesaggi di de Vlaminck. Dalle teorie dei Fauves si sviluppò quello che a tutt’oggi è considerato come il movimento più di tutti legato alle emozioni, cioè l’Espressionismo, che prese piede nei primi decenni del Novecento a causa dei conflitti mondiali, in presenza dei quali molti autori non riuscivano a non lasciar permeare le sensazioni, le angosce e la disperazione, ma anche come denuncia dell’ipocrisia della società europea di quegli anni.

Dalla critica feroce emergente dai personaggi grotteschi e distorti di Oskar Kokoschka alle atmosfere cupe e angoscianti di Evard Munch, passando per i sogni ideali di Marc Chagall e le visioni folli quanto ingenue di Vincent Van Gogh, l’Espressionismo racchiuse in sé sfaccettature differenti ma tutte unite dall’irrinunciabile esigenza di abbandonare l’estetica, la bellezza e la rappresentazione dell’osservabile per svelare la vera faccia della realtà, un punto di vista indubbiamente soggettivo ma grazie al quale poté emergere la personalità di ogni singolo artista e le sue riflessioni sul mondo. Il tema della distorsione, della narrazione della fragilità interiore che si manifestava nella patina esteriore fu ripreso da un gruppo di autori appartenenti alla cosiddetta Scuola di Londra, che di fatto fondarono il NeoEspressionismo, e di cui facevano parte Lucian Freud, Francis Bacon e Paula Rego.

Diversi nelle caratteristiche figurative, tutti immisero nei loro lavori le sensazioni di nostalgia ma anche della denuncia di una società ancora troppo chiusa e legata a regole anacronistiche, come nelle tele di Paula Rego, troppo incurante delle ferite interiori inferte agli individui che determinano e segnano la vita interiore, come nei volti deformati e urlanti di Francis Bacon, oppure troppo incapace di considerare l’esteriorità solo come involucro di ciò che galleggia all’interno e che induce l’essere umano a sentirsi solo e impotente quando si mette in dialogo riflessivo con se stesso come nei corpi in sovrappeso e nudi di Lucian Freud. L’artista cinese Norris Yim adotta l’Espressionismo come unico linguaggio in virtù del quale permettere al suo approccio alla vita e alla pittura di emergere rivelandosi all’osservatore che viene chiamato a meditare sul senso della struttura superficiale su cui si basa la società contemporanea, inducendolo a domandarsi in quale momento l’uomo ha scelto di allontanarsi dalla profondità dell’essere per correre verso l’effimero dell’avere e dell’apparire.

L’ispirazione più evidente è tratta dalle opere di Francis Bacon tuttavia in Norris Yim non si percepisce la sofferenza, il dolore, l’angoscia, piuttosto a emergere è la necessità di mettere in luce i veri colori, le sensazioni che fuoriescono da ciascun individuo se solo si compie lo sforzo di andare oltre la corazza che ciascuno indossa davanti al mondo per autoproteggersi dall’esterno. Non solo, la cancellazione compiuta dall’autore rende possibile oltrepassare l’estetica per focalizzarsi sulla purezza dell’emozione, individuale o condivisa, che si espande e si propaga esattamente in virtù della rinuncia al dettaglio, alla narrazione particolareggiata dei volti e delle pose dei protagonisti, quasi come se nei dipinti di Norris Yim essi venissero spogliati di tutto ciò che non è essenziale, che è superfluo e distraente rispetto alla sostanza dell’anima.

I suoi colori infatti, al di là degli sfondi completamente decontestualizzati e di tonalità diverse sulla base del personaggio protagonista contraddistinto dal titolo Nameless e da un numero che lo identifica, sono ben lontani dalla cupezza e dalla distorsione baconiana, piuttosto appaiono come tinte sottili e collegabili a una natura caratteriale che non si può nascondere molto a lungo.

La scelta di non dare titoli a questa serie di tele deriva dalla necessità di lasciar parlare l’interiorità senza fornire particolari che distrarrebbero dalla pura emozione a cui l’autore vuole ricondurre i suoi dipinti, quell’ascolto empatico di una voce interna e profonda che dovrebbe essere l’unico metro di valutazione di un individuo, tralasciando tutto l’apparato estetico che devia l’attenzione da ciò che conta davvero. Il tema della dissolvenza, funzionale non tanto a cancellare quanto in realtà ad amplificare e diffondere come un’eco cromatica la forza delle emozioni, è ripetuto anche laddove Norris Yim racconta di istanti condivisi, da lui denominati come ultimi probabilmente intesi nel senso di più recenti e non nell’accezione definitiva del termine.

La scia del sentimento provato oltrepassa il momento contingente e si propaga attraverso il tempo, avvolgendo non solo i personaggi che di volta in volta vivono quel frangente, bensì anche l’osservatore che si trova coinvolto in un turbinìo di ricordi appartenenti al suo vissuto e in cui si può immedesimare proprio in virtù della mancanza di riferimenti visivi, dell’assenza di dettagli specifici che lo allontanerebbero dalla magia dell’emozione che in tal modo può essere rivissuta in prima persona.

In The Last Hug l’uomo e la donna sono immortalati in uno struggente abbraccio che anticipa un allontanamento, un’inevitabile distanza a cui dovranno far fronte malgrado il loro evidente desiderio di rimanere insieme; Norris Yim scardina ogni tipo di riferimento temporale e di luogo disorientando lo sguardo per farlo affondare nelle sensazioni più intime, attingendo alla memoria emotiva dove a sua volta i dettagli sono sfumati e l’unico nesso identificabile è quello che collega la mente al cuore. L’orologio dell’uomo sembra essere messo sapientemente in primo piano quasi a sottolineare l’importanza del tempo nella vita e nelle emozioni, ma forse anche per suggerire che non è possibile sapere quanto lungo sarà quell’allontanamento, potrebbe durare il tempo di una notte o di un giorno, ma questo non annulla il dolce dolore del distacco dei due amanti.

Nel dipinto Van Gogh III invece, a divenire protagonista assoluto è il genio incompreso dell’Espressionismo del Novecento, un uomo che nonostante la follia e malgrado l’inseguimento di un successo che non riusciva ad arrivare in vita, ha coltivato ostinatamente il suo sogno, ha continuato a credere nei cieli stellati e nella vivacità dei campi di girasole dove il suo sguardo si perdeva. Norris Yim reinterpreta pertanto uno dei numerosi autoritratti del pittore olandese e ne lascia fuoriuscire tutte quelle tonalità sfaccettate, vivaci ed eccentriche che avevano contraddistinto la sua strana esistenza e che avevano caratterizzato una personalità fuori dagli schemi dell’epoca decretando di fatto il suo isolamento e la chiusura all’interno di un istituto di igiene mentale. La cancellazione del volto, a parte uno degli occhi, è funzionale in questo caso a mettere in luce la crudeltà di una società incapace di accogliere e comprendere chi non accetta di adeguarsi alle regole, e lo sguardo di Van Gogh costituisce un monito all’uomo contemporaneo di non giudicare solo in base alle apparenze, visto e considerato il successo che egli ha riscosso dopo la sua morte.

Norris Yim, che vive e opera a Hong Kong, ha al suo attivo la partecipazione alla Paris ArtFair con la Van Gogh Art Gallery, alla Parallax Art Fair di Londra, una mostra personale a Oslo presso la Finart Gallery che lo rappresenta dal 2020 e alla TriCera Art di Tokyo, in Giappone.

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Ereased faces and hidden identities in the emotional essence of Norris Yim’s Expressionism

The tendency to emphasize outward appearances almost inextricably linked to contemporary society, which navigates the surface of a veneer often considered more important than authentic substance, leads many authors to take the opposite path of deepening, analyzing, and researching everything that remains when that outer layer is scraped away. At that point, it becomes necessary to abandon aesthetics, understood in the most traditional sense of the term, in order to move towards an expressive approach that can highlight the substrate of each individual’s true identity, where it is no longer necessary to faithfully reproduce external features because what really matters is depth that is what truly identifies people. Today’s protagonist explores authentic personalities by stripping them of any reference to observed reality in order to focus on the emotional meaning that emerges when we go beyond aesthetics and focus on the soul.

Towards the end of the 19th century, a group of French artists brought about a paradigm shift in the pictorial guidelines that had been considered indispensable until then, putting aesthetics and the rendering of reality in the background in order to give impetus to all those inner movements, to all the authorial subjectivity that had never been included in creative expression except in a few rare cases. The Fauves, as the group of artists including Henri Matisse, André Derain, and Maurice de Vlaminck came to be known, opted for a full, flat, almost aggressive use of color, depriving their canvases of any rules of perspective, chiaroscuro, and depth; the color range was inextricably linked to emotion, depicting a world decontextualized from the visible but perfectly akin to the sensations experienced in relation to the scenes described, whether they belonged to their everyday life, as in the case of Matisse‘s interiors, or whether they recounted places experienced or observed but which touched the heart, as in de Vlaminck‘s landscapes.

The theories of the Fauves gave rise to what is still considered the movement most closely linked to emotions, namely Expressionism, that took hold in the early decades of the 20th century due to the world wars in the presence of which many authors were unable to prevent their feelings, anxieties, and despair from permeating their work, but also as a denunciation of the hypocrisy of European society in those years. From the fierce criticism emerging from Oskar Kokoschka‘s grotesque and distorted characters to the dark and distressing atmospheres of Evard Munch, passing through the ideal dreams of Marc Chagall and the crazy yet naive visions of Vincent Van Gogh, Expressionism encompassed different facets, all united by the unavoidable need to abandon aesthetics, beauty, and the representation of the observable in order to reveal the true face of reality, a undoubtedly subjective point of view but one that allowed to emerge the personality of each individual artist and his reflections on the world. The theme of distortion, of the narration of inner fragility manifested in the outer patina, was taken up by a group of artists belonging to the so-called London School, who in fact founded Neo-Expressionism, and which included Lucian Freud, Francis Bacon, and Paula Rego.

Although different in their figurative characteristics, they all incorporated feelings of nostalgia into their works, but also denounced a society that was still too closed and bound by anachronistic rules, as in Paula Rego‘s paintings, too careless of the inner wounds inflicted on individuals that determine and mark their inner lives, as in Francis Bacon’s deformed and screaming faces, or too incapable of considering outward appearance as merely a shell for what lies beneath, leading human beings to feel alone and powerless when they engage in reflective dialogue with themselves, as in Lucian Freud‘s overweight, naked bodies. Chinese artist Norris Yim adopts Expressionism as the only language through which to allow to emerge his approach to life and painting, revealing himself to the observer who is called upon to meditate on the meaning of the superficial structure on which contemporary society is based, prompting to wonder at what point humans chose to distance themselves from the depths of being in order to rush towards the the ephemeral nature of having and appearing.

The most obvious inspiration is drawn from the works of Francis Bacon, yet in Norris Yim one does not perceive suffering, pain, or anguish, rather, what emerges is the need to highlight the true colors, the feelings that come out of each individual if only one makes the effort to go beyond the armor that each wears in front of the world to protect oneself from the outside. Not only that, but the artist’s erasure makes it possible to go beyond aesthetics and focus on the purity of emotion, whether individual or shared, which expands and spreads precisely because of the renunciation of the particular, of the detailed narration of the faces and poses of the protagonists, almost as if in Norris Yim‘s paintings they were stripped of everything that is not essential, that is superfluous and distracting from the substance of the soul. In fact, beyond the completely decontextualized backgrounds and different shades based on the protagonist, distinguished by the title Nameless and a number that identifies them, his colors are far from the gloom and Baconian distortion, appearing instead as subtle hues connected to a character trait that cannot be hidden for long.

The choice not to give titles to this series of canvases stems from the need to let the inner self speak without providing details that would distract from the pure emotion to which the author wants to bring his paintings, that empathetic listening to an inner and profound voice that should be the only yardstick for evaluating an individual, leaving aside all the aesthetic apparatus that diverts attention from what really matters. The theme of functional fading, not so much to erase as to amplify and spread the power of emotions like a chromatic echo, is also repeated where Norris Yim recounts shared moments, which he refers to as ‘last’, probably meaning most recent rather than definitive. The trail of the feeling experienced goes beyond the contingent moment and spreads through time, enveloping not only the characters who experience that moment from time to time, but also the observer, who finds himself involved in a whirlwind of memories belonging to his own experience and with which he can identify precisely because of the lack of visual references, the absence of specific details that would distance them from the magic of the emotion, which can thus be relived firsthand. In The Last Hug, the man and woman are immortalized in a poignant embrace that anticipates a separation, an inevitable distance they will have to face despite their obvious desire to stay together; Norris Yim undermines any reference to time and place, disorienting the gaze so that it sinks into the most intimate sensations, drawing on emotional memory where, in turn, the details are blurred and the only identifiable link is that which connects the mind to the heart.

The man’s watch seems to be cleverly placed in the foreground, almost as if to emphasize the importance of time in life and emotions, but perhaps also to suggest that it is impossible to know how long this separation will last; it could last a night or a day, but this does not negate the sweet pain of the lovers’ separation. In the painting Van Gogh III, on the other hand, the absolute protagonist is the misunderstood genius of 20th-century Expressionism, a man who, despite his madness and despite the pursuit of a success that he could not achieve in life, stubbornly cultivated his dream and continued to believe in starry skies and the liveliness of sunflower fields where his gaze was lost. Norris Yim thus reinterprets one of the Dutch painter’s numerous self-portraits, bringing out all the multifaceted, lively, and eccentric tones that had marked his strange existence and characterized a personality that was outside the norms of the time, effectively decreeing his isolation and confinement in a mental institution.

The erasure of the face, apart from one of the eyes, serves in this case to highlight the cruelty of a society incapable of accepting and understanding those who refuse to conform to the rules, and Van Gogh‘s gaze serves as a warning to contemporary man not to judge solely on the basis of appearances, given the success he enjoyed after his death. Norris Yim, who lives and works in Hong Kong, has participated in the Paris ArtFair with the Van Gogh Art Gallery, the Parallax Art Fair in London, a solo exhibition in Oslo at the Finart Gallery, which has represented him since 2020, and TriCera Art in Tokyo, Japan.