Alcuni artisti hanno la particolare capacità di entrare in profonda connessione con l’animo dei soggetti osservati che poi divengono protagonisti di un’opera; scavare all’interno delle espressioni rubate nei momenti in cui sono sovrappensiero o semplicemente ignorano di essere oggetto di attenzioni da parte di qualcuno, perché intenti a percorrere quel cammino di quotidianità che costituisce la loro modesta esistenza, richiede sensibilità e desiderio di andare oltre il visibile per interpretare tutto quel non detto che tuttavia traspare se filtrato dallo sguardo di un autore in grado di far emergere la loro essenza più autentica. Il protagonista di oggi ha esattamente questo tipo di approccio all’osservazione che precede l’atto pittorico, rendendo protagonisti gli umili, spesso invisibili in una società contemporanea votata al successo e all’edonismo, attraverso uno stile personale e coinvolgente.
Nel momento in cui l’arte non riusciva più a bastare a se stessa, quantomeno non nel senso di pura rappresentazione estetica come tradizionalmente inteso, fu necessario trovare linguaggi espressivi completamente differenti e funzionali a irrorare le tele di quell’emozione, di quel soggettivismo escluso nei periodi antecedenti ai primi anni del Ventesimo secolo che doveva essere recuperato in un’epoca in cui la fotografia stava prendendo piede divenendo un mezzo più economico per riprodurre l’osservato, e la rivoluzione industriale aveva spersonalizzato l’uomo comune divenuto ormai mero operatore di una catena di montaggio.
La risposta dei protagonisti dell’arte di quei tempi fu così un tendere in modo totale verso l’emotività in alcuni casi preponderante su ogni altro dettaglio stilistico; l’Espressionismo, che nacque dalle prime teorie eccessive e persino aggressive nella loro manifestazione elaborate dai Fauves francesi, annullò letteralmente tutte le regole che fino a quel momento erano sembrate irrinunciabili, escluse ogni tipo di sfumatura, di prospettiva, di aderenza alla realtà poiché ciò che invece contava davvero era rendere la pittura prolungamento delle sensazioni più intime e profonde prescindendo da ogni equilibrio formale ed estetico. Da Henri Matisse e Maurice de Vlaminck l’evoluzione del movimento condusse nel nord Europa a una manifestazione di irrequietezze e timori legati alle ingiustizie e alle sofferenze della vita e alle ipocrisie della società borghese, come nel caso di Edvard Munch e di Oskar Kokoschka, mentre in altri autori a un’attenuazione degli eccessi dei Fauves per spostarsi verso un esistenzialismo che necessitò una raffigurazione meno forte nel cromatismo ma ugualmente distorta nella forma, come nelle opere di Egon Schiele.
L’attenzione verso l’individuo e il suo sentire dominò letteralmente tutta l’arte figurativa della prima metà del Novecento, almeno quella che avvertì il bisogno di non perdersi dentro la rivoluzione assoluta costituita dall’Astrattismo, sfociando anche in un’analisi più psicologica della realtà e dell’interazione dell’individuo con essa. Abbandonati gli estremismi del Surrealismo, fu il Realismo Magico ad andare a studiare, mettendola in relazione con il sottile mistero dell’ambiente circostante i personaggi, la psicologia di protagonisti in primo piano i cui sguardi apparivano assorti e disorientati, quasi non riuscissero a mettere a fuoco i propri pensieri, o ponendoli all’interno di scene in cui l’atmosfera era incantata ma anche sottilmente inquieta. I volti straniati di Felice Casorati, i dialoghi silenziosi di Ubaldo Oppi, la semplicità giocosa di Antonio Donghi e l’intensità seriosa di Christian Schad sono sfaccettature diverse della stessa ricerca pittorica. L’artista ternano Costantino Massoli, insegnante di storia dell’arte per tutto il suo percorso professionale, unisce le caratteristiche principali dei due stili finora osservati per dare vita a una cifra stilistica personale attraverso la quale mette in risalto una sottile malinconia che si sostituisce all’enigma tipico del Realismo Magico, perché per lui ciò che conta è la quotidianità e il fascino di personaggi che semplicemente vivono, giorno dopo giorno.
La gamma cromatica e l’apparato strutturale delle tele, così come il tratto pittorico, si legano tuttavia all’Espressionismo per la caratteristica di delimitare i contorni delle figure, per quella di decontestualizzare a volte gli sfondi e anche per quella di stravolgere l’abituale proporzione descrittiva e cromatica, rinunciando alla profondità e alle sfumature se non per alcune parti del dipinto.
Per quanto riguarda invece l’analisi dei soggetti scelti da Costantino Massoli, si osservano essenzialmente due filoni rappresentativi, quello delle maschere e quello dei venditori ambulanti, probabilmente incontrati in occasione di viaggi in nord Africa o in Medio Oriente e che hanno catturato la sua attenzione per la dignità e la sottile arrendevolezza con la quale vivevano la loro condizione di indigenza.
Da un lato dunque emerge la sensibilità con cui l’artista rivolge il suo sguardo verso l’esterno a sé, quel mondo di cui nella fretta della modernità si tendono a perdere i dettagli, dall’altro la tematica sviluppata è quella delle maschere intese come identità che si modificano fin quasi a perdere l’autenticità, la reale personalità dell’individuo, rivolgendo all’osservatore uno sguardo costernato, quasi a si domandassero chi siano davvero e sotto quanti strati si nasconda il loro vero io.
La tela Venezia, la maschera 4 mostra esattamente questo aspetto del protagonista, quel disorientamento esistenziale che gli impedisce di ricordare chi sia perché troppo abituato a nascondere, celare, un’interiorità che poi si perde all’interno dei numerosi veli indossati nel vivere quotidiano per non soccombere o semplicemente per non mostrare la parte più fragile di sé; la maschera è spostata dal volto fingendo di scoprirlo, ma il volto stesso è rappresentato come se fosse un’ulteriore maschera, sottostante e probabilmente sovrapposta a innumerevoli altre, citando esplicitamente i concetti magistralmente espressi da Luigi Pirandello. La scelta di collocare la tematica Metafisica delle maschere nella città di cui il Carnevale è simbolo in tutto il mondo, va ad accrescere il senso magico dell’atmosfera, nonostante lo sfondo sia sfumato, tenue e monocromatico per contrastare ancor più nettamente i colori forti e pieni della figura in primo piano.
In Venezia, la maschera 3 la protagonista è ancor più intenzionata a nascondersi poiché al di là del volto, coperto e indistinguibile, si copre anche con un grande ventaglio, quasi il timore di essere riconosciuta la spaventasse al punto da desiderare di avere un’opportunità in più per scomparire tra le altre maschere; l’opera è dunque metafora del vivere attuale in cui sembra divenire necessario soffocare la propria individualità per essere accettati da una comunità che sceglie l’omologazione per permettere alle persone di sentirsi parte di un tutto. Qui la città lagunare è più presente per sottolineare la sensazione che la donna, di fatto l’individuo in senso più esteso, desidera adeguarsi ai canoni richiesti lasciando la personalizzazione solo e unicamente ad alcuni dettagli; in questo caso dunque la maschera esprime la necessità di rendersi anonima adeguandosi alle regole imposte dall’ambiente circostante per non sentirsene esclusa.
La serie di opere dedicate ai venditori ambulanti sposta invece l’attenzione sull’Espressionismo Esistenzialista poiché Costantino Massoli ritrae i suoi protagonisti con sguardo morbido, carezzevole ed empatico, ne mette in evidenza l’atteggiamento sereno, quasi rassegnato nei confronti di una vita che avrebbe potuto dare loro di più ma al contempo sentendosi grati e appagati per il poco che hanno; le pose sono spontanee, sembra che l’artista li abbia immortalati nell’istante in cui erano davanti a lui ignari di divenire personaggi principali di un’opera d’arte che li avrebbe messi per sempre al centro della scena. La loro umiltà è dignitosa, sanno di rendere un servizio che porterà vantaggio a loro e anche a chi si avvarrà del loro commercio nella consapevolezza che acquistando un piccolo oggetto o un pesce permetteranno a quelle persone di portare a casa il necessario per sfamare e nutrire i loro figli. Le proporzioni degli uomini e delle donne sono imprecise, verticalizzate proprio per enfatizzare la grandezza di chi deve lottare ogni giorno per sopravvivere ma sembra non lamentarsene, perché sa che in una società meno arrivista e vorace di quella occidentale troverà sempre accettazione e mutuo soccorso; è forse questo il messaggio che Costantino Massoli desidera lasciare all’osservazione, un’esortazione a riflettere sull’importanza dei veri valori, di quell’umanità ricca e piena di solidarietà che sembra essere stata sepolta dal cinismo di un mondo in cui l’accumulare, il possedere e il prevaricare sono gli imperativi necessari per sopravvivere. Con la serie dei Venditori ambulanti Costantino Massoli mostra così un’altra opportunità, un modo diverso di vivere eppure forse non meno appagante e soddisfacente, se solo l’uomo sapesse tornare ad apprezzare le piccole gioie quotidiane; questi lavori sono tutti realizzati in pastelli a olio su tavola, per ampliare il senso di morbidezza che li pervade e che appartiene allo sguardo dell’autore.
Costantino Massoli, nel corso della sua lunga carriera artistica ha realizzato manifesti per rievocazioni storiche, tromp l’oeil e dipinti murali per privati e strutture pubbliche, ha partecipato a mostre collettive in Italia e in Francia.
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The subtle melancholy of Costantino Massoli’s characters, between Expressionism and Magic Realism
Some artists have the particular ability to enter into a profound connection with the soul of the subjects observed, who then become the protagonists of an artwork; digging into the expressions stolen in moments when they are overthinking or simply unaware that they are the object of someone’s attention, because intent on following the path of everyday life that constitutes their modest existence, requires sensitivity and the desire to go beyond the visible to interpret all that unspoken that nevertheless transpires when filtered through the gaze of an author capable of bringing out their most authentic essence. Today’s protagonist has exactly this kind of approach to observation that precedes the act of painting, making the humble, often invisible in a contemporary society devoted to success and hedonism, protagonists through a personal and engaging style.
At a time when art could no longer suffice for itself, at least not in the sense of pure aesthetic representation as traditionally understood, it was necessary to find completely different expressive languages functional to sprinkle the canvases with that emotion, of that subjectivism excluded in the periods prior to the early years of the 20th century that had to be recovered in an era when photography was gaining ground by becoming a cheaper means of reproducing the observed, and the industrial revolution had depersonalised the common man who had become a mere operator on an assembly line. The response of the protagonists of art in those days was thus a total tendency towards emotionalism, in some cases preponderant over every other stylistic detail; Expressionism, which arose from the first theories, excessive and even aggressive in their manifestation, elaborated by the French Fauves, literally annulled all the rules that until that moment had seemed inalienable, excluding any kind of nuance, perspective, or adherence to reality because what really mattered was to make painting an extension of the most intimate and profound sensations, regardless of any formal and aesthetic balance. From Henri Matisse and Maurice de Vlaminck, the evolution of the movement led in northern Europe to a manifestation of restlessness and fears linked to the injustices and sufferings of life and the hypocrisies of bourgeois society, as in the case of Edvard Munch and Oskar Kokoschka, while in other authors a softening of the excesses of the Fauves to move towards an existentialism that required a depiction less strong in colour but equally distorted in form, as in the artworks of Egon Schiele. The focus on the individual and his feelings literally dominated all figurative art of the first half of the 20th century, at least that which felt the need not to get lost in the absolute revolution constituted by Abstractionism, also leading to a more psychological analysis of reality and the individual’s interaction with it.
Abandoning the extremism of Surrealism, it was Magic Realism that went on to study, relating it to the subtle mystery of the characters’ surroundings, the psychology of protagonists in the foreground whose gazes appeared absorbed and disoriented, almost as if they were unable to focus their thoughts, or placing them within scenes in which the atmosphere was enchanted but also subtly restless. The estranged faces of Felice Casorati, the silent dialogues of Ubaldo Oppi, the playful simplicity of Antonio Donghi and the serious intensity of Christian Schad are different facets of the same pictorial quest. The artist from Terni, Costantino Massoli, a teacher of art history throughout his career, combines the main characteristics of the two styles observed so far to give life to a personal stylistic code through which he emphasises a subtle melancholy that replaces the enigma typical of Magic Realism, because for him what counts is the everyday life and the charm of characters that simply live, day after day.
The chromatic range and the structural apparatus of the canvases, as well as the pictorial stroke, are, however, linked to Expressionism by the characteristic of delimiting the contours of the figures, by that of sometimes decontextualising the backgrounds and also by that of distorting the usual descriptive and chromatic proportions, renouncing depth and nuances except for certain parts of the painting. On the other hand, with regard to the analysis of the subjects chosen by Costantino Massoli, there are essentially two representative strands, that of the masks and that of the street vendors, probably encountered during trips to North Africa or the Middle East and who captured his attention for the dignity and subtle surrender with which they lived their condition of destitution. On the one hand, therefore, there emerges the sensitivity with which the artist turns his gaze to the world outside himself, that world whose details tend to be lost in the haste of modernity. On the other hand, the theme developed is that of masks, understood as identities that change almost to the point of losing their authenticity, the real personality of the individual, giving the observer a dismayed look, almost as if they were wondering who they really are and how many layers their true self is hiding under. The canvas Venice, the mask 4 shows exactly this aspect of the protagonist, that existential disorientation that prevents him from remembering who he is because he is too used to hiding, to concealing, an interiority that is then lost within the many veils worn in daily life so as not to succumb or simply not to show the most fragile part of himself; the mask is moved from the face pretending to uncover it, but the face itself is represented as if it were another mask, underlying and probably superimposed on countless others, explicitly citing the concepts masterfully expressed by Luigi Pirandello.
The decision to place the Metaphysical theme of the masks in the city of which the Carnival is a symbol throughout the world adds to the magical sense of atmosphere, despite the fact that the background is shaded, soft and monochrome to contrast even more sharply with the strong, full colours of the figure in the foreground. In Venice, the mask 3, the protagonist is even more intent on hiding herself as, in addition to her face, which is covered and indistinguishable, she also covers herself with a large fan, almost as if the fear of being recognised frightens her to the point that she wishes to have one more opportunity to disappear among the other masks; the work is therefore a metaphor for current living in which it seems to become necessary to stifle one’s individuality in order to be accepted by a community that chooses homologation to allow people to feel part of a whole. Here the lagoon city is more present to emphasise the feeling that women, in fact the individual in the broadest sense, wish to conform to the required standards, leaving personalisation solely and exclusively to certain details; in this case, therefore, the mask expresses the need to make oneself anonymous by adapting to the rules imposed by the surrounding environment so as not to feel excluded from it.
The series of artworks dedicated to street vendors, on the other hand, shifts the focus to Existentialist Expressionism as Costantino Massoli portrays his protagonists with a soft, caressing and empathetic gaze, highlighting their serene, almost resigned attitude towards a life that could have given them more, but at the same time feeling grateful and fulfilled for the little they have; the poses are spontaneous, it seems as if the artist has immortalised them in the instant they were in front of him, unaware that they would become the main characters in a work of art that would place them forever at centre stage. Their humility is dignified, they know they are rendering a service that will benefit them and also those who will profit from their trade in the knowledge that by buying a small object or a fish they will enable those people to take home enough to feed and nourish their children.
The proportions of the men and women are imprecise, verticalised to emphasise the greatness of those who have to struggle every day to survive but do not seem to complain about it, because they know that in a less arriviste and voracious society than in the West they will always find acceptance and mutual aid; this is perhaps the message that Costantino Massoli wishes to leave for observation, an exhortation to reflect on the importance of true values, of that rich humanity full of solidarity that seems to have been buried by the cynicism of a world in which accumulating, possessing and prevaricating are the imperatives needed to survive.
With the series of Street Vendors, Costantino Massoli thus shows another opportunity, a different way of living and yet perhaps no less fulfilling and satisfying, if only man knew how to return to appreciating the small joys of everyday life. These artworks are all executed in oil pastels on panel, to amplify the sense of softness that pervades them and that belongs to the author’s gaze. During his long artistic career, Costantino Massoli has created posters for historical re-evocations, tromp l’oeil and wall paintings for private individuals and public facilities, and has participated in group exhibitions in Italy and France.
