Le sensazioni più nascoste continuano a galleggiare nelle profondità dell’animo fino al momento in cui viene trovato un canale comunicativo in virtù del quale lasciar andare tutto ciò che abitualmente viene trattenuto dandogli una forma affine all’emozionalità più autentica; negli artisti questo tipo di percorso espressivo si manifesta con differenti sfaccettature, sotto varie forme proprio per coniugarsi al meglio con un’indole creativa che non può essere filtrata da regole o schemi. Ed è esattamente per un’esigenza di libertà realizzativa che molti autori scelgono un linguaggio informale, per permettere all’interiorità di lasciarsi andare senza doversi attenere ad alcuna base preparatoria che costituirebbe un limite, un ulteriore freno a ciò che invece ha bisogno di fluire spontaneamente. L’artista di cui vi racconterò oggi fa della pittura il mezzo attraverso il quale ascolta, prende atto e poi esprime tutte le sue emozioni, tutto il sentire che riceve dagli impulsi esterni o dai suoi pensieri più intimi, trasformandoli in forme colorate.
Quando il mondo dell’arte di inizi Novecento fu scosso dalla spinta innovativa che induceva i creativi a cercare nuove interpretazioni, nuove modalità realizzative e soprattutto ad andare contro quelle regole puramente estetiche e riproduttive che avevano predominato per tutta l’arte precedente legandosi a una figurazione tradizionale ormai non più al passo con il cambiamento dei tempi, si delineò uno stile pittorico completamente al di fuori dagli schemi perché rifiutava nettamente ogni tipo di immagine riconducibile alla realtà osservata focalizzandosi invece su forme indefinite che dovevano determinare l’autonomia dell’arte da tutto ciò che apparteneva alla contingenza. Secondo le idee e le linee guida del suo fondatore Vassily Kandisky, l’Astrattismo era una manifestazione di sensazioni collegabili all’armonia della musica da cui si faceva accompagnare durante l’esecuzione di un’opera, al punto di associare ogni colore a una nota del pentagramma realizzando tele in cui le forme sembravano letteralmente danzare sulla tela. Poco dopo però, e con le interpretazioni date dagli artisti appartenenti al Suprematismo e al De Stijl, si scelse di escludere ogni soggettività dalla realizzazione di un dipinto perché lo scopo essenziale era quello di affermare il predominio del puro atto plastico su qualsiasi tipo di emozionalità dell’autore o di collegamento con la realtà intorno a sé. Sebbene Paul Klee, il più astrattista tra tutti gli appartenenti al gruppo Der Blaue Reiter, avesse arricchito le sue tele in cui la geometria predominava di una suggestione morbida e intensa che non poteva non chiamare in causa il coinvolgimento dell’osservatore proprio in virtù dell’atmosfera impressa dall’autore, fu necessario attendere gli inizi degli anni Cinquanta del Ventesimo secolo per introdurre a pieno titolo l’emozione all’interno dell’Arte Astratta, che perse così ogni figurazione geometrica per entrare nel regno della totale mancanza di forma.
L’Espressionismo Astratto, movimento nato negli Stati Uniti dall’intuizione e dalla determinazione di Jackson Pollock, Franz Kline, Arshile Gorky e Mark Rothko, liberò la pittura da ogni tipo di regola lasciando al singolo autore la possibilità di scegliere l’impostazione stilistica più affine alla propria natura ma sottolineando la condizione, unica linea guida della corrente artistica, che ogni gesto e impulso espressivo fossero un’estensione del sentire interiore, dell’emozione e delle profondità dell’esecutore. Che il gesto creativo fosse determinato dal Dripping, o dal Color Field, o dalla pittura segnica, ciò che contava era parlare attraverso i colori assecondandoli alla propria indole e al momento percettivo. L’artista francese Pascale Rey-Texier, in arte Kloo, adotta l’Espressionismo Astratto come stile identificativo del suo percorso pittorico ma anche come esigenza realizzativa poiché è attraverso la connessione con la sua interiorità che l’istinto la induce a scegliere la tonalità cromatica che sarà protagonista di una tela, come se le parole e i pensieri potessero chiarirsi e manifestarsi grazie alle sfumature, alle declinazioni in grado di assumere una propria forma indefinita per divenire voce della presa d’atto di tutto ciò che cattura la sua sensibile attenzione.
Artista fin da bambina con il sogno nel cassetto di trasformare la sua passione in una professione, a causa di scelte di vita rinuncia a dipingere pur restando legata al mondo della creatività in virtù della musica e della danza; molti anni dopo, intorno al 2012, un evento personale la costringe a guardarsi dentro per ritrovare la sua vena creativa e da quel momento in avanti Pascale Rey-Texier non ha più smesso di dare vita ai suoi pensieri e alle sue emozioni. Le tonalità predominanti variano sulla base di ciò che ha bisogno di esprimere di opera in opera ma sempre presentano sfumature sfaccettate; a volte predomina la scala di colore in cui emergono elementi di rottura dell’equilibrio, altre invece gradazioni diverse e in contrasto prendono il sopravvento per sottolineare quanto in alcuni casi sia necessario prendere in considerazione aspetti differenti di una medesima emozione, e ancora in qualche tela, in particolar modo quelle legate ai primi tempi del ritorno al suo percorso creativo, hanno una dominante bianca che sembra racchiudere i segreti intimi del cuore e dell’animo dell’artista.
Ma ciò che più prevalentemente ispira la produzione pittorica di Pascale Rey-Texier è il mare, con la sua fluidità, con il suo costituire un costante rinnovamento, una purificazione in grado di permettere quei cambiamenti necessari a generare l’evoluzione a cui l’essere umano più o meno consapevolmente tende e per cui ha bisogno di un percorso introspettivo che può essere compiuto lasciandosi andare allo scorrere delle circostanze; il mare dunque evocato attraverso una sottile figurazione o semplicemente in virtù di un cromatismo che gli appartiene, è un punto focale dei dipinti dell’artista, quasi costituisse una culla protettiva da cui cominciare a prendere coscienza di sé.
L’opera Chute mostra tutte le gradazioni di azzurro che appartengono all’acqua, come se la goccia a cui fa riferimento il titolo fosse un’esplosione di purezza, di dimostrazione di quanto pur scegliendo per natura la malleabilità e la plasmabilità, si possa in ogni caso mantenere la propria fermezza, quella delicata travolgenza in grado di modificare le situazioni e la realtà intorno a sé. È infatti proprio l’acqua che riesce a scavare la roccia, zampillo dopo zampillo pertanto l’invito di Pascale Rey-Texier è di prendere esempio dal più duttile degli elementi per procedere nella vita accettando le proprie debolezze per trasformarle in punti di forza; il colore è steso in modo pieno e denso, quasi la parte chiara che ricorda la schiuma delle onde del mare avesse bisogno di maggiore concretezza per enfatizzare la sua forza, quasi il contorno blu scuro volesse contenerla non riuscendovi.
In Naitre invece le tonalità sono molto sfumate ma piatte, come se la base schiumosa si dischiudesse per lasciar emergere una nuova vita intesa probabilmente come elemento imprevisto che va a generare inedite opportunità, un punto di vista non considerato in precedenza che però grazie all’apertura generata, diviene possibile; la base dello sfondo è ancora una volta costituito dall’azzurro del mare, a sottolineare l’importanza generativa dell’acqua che tutto avvolge con la sua fondamentale presenza, mentre l’arancio e il rosso appena accennati rappresentano la nascita, quell’entrare all’interno di un equilibrio prestabilito quasi in punta di piedi, quasi volendo solo far intravedere il loro ingresso attendendo il momento giusto per svilupparsi e prendere il proprio spazio. La nascita simboleggia dunque i pensieri, le idee, le considerazioni che giorno dopo giorno si generano andando ad aggiungersi a tutto ciò che è già stato acquisito e consolidato all’interno della struttura interiore.
In Volutes la tecnica pittorica di Pascale Rey-Texier si avvicina molto di più al Color Field di Mark Rothko piuttosto che all’impulsività travolgente delle opere finora esaminate, e le gradazioni di azzurro tendono più verso l’acqua lacustre o lagunare, in qualche modo allegoria di una calma e di una tranquillità collegabili alla sensazione che l’artista provava nel momento in cui si apprestava a dipingere. Fuoriesce infatti una spinta meditativa da questa tela, un bisogno di entrare nella dimensione equilibrata della riflessione, perché spesso la scelta migliore è quella di sedersi e aspettare, ascoltando, di mettersi in profonda connessione con le energie sottili che ruotano intorno all’esistenza e che spesso non vengono ascoltate a causa del rumore generato dal caos metropolitano.
Caos che invece appartiene, con tutta la sua vivacità e prorompenza, al dipinto Fracas che rappresenta un po’ il concatenamento di eventi che si susseguono dopo che una circostanza improvvisa sopraggiunge a rompere la stabilità generando nuove prospettive che, come indica la gamma cromatica scelta, introducono una vitalità e aperture positive malgrado la tendenza dell’individuo a rimanere chiuso all’interno della sua zona di sicurezza. Le tonalità tenui della parte inferiore del dipinto lasciano intuire quella serenità che si potrà raggiungere dopo essersi fatti travolgere dai vortici degli eventi, come se essi fossero necessari alla crescita interiore.
Pascale Rey-Texier ha al suo attivo sette mostre personali e la partecipazione a mostre collettive in Francia, è stata selezionata per molti premi d’arte in Francia, Grecia e Lussemburgo, e fa parte di importanti gruppi artistici e associazioni della sua città.
PASCALE REY TEXIER-CONTATTI
Email: rey.pascale16@gmail.com
Sito web: www.artkloo.com/
Facebook: www.facebook.com/Klooartiste
Linkedin: www.linkedin.com/in/pascale-rey/
Instagram: www.instagram.com/klooartiste/
The emotional chromatics of Pascale Rey-Texier’s Abstract Expressionism, when interiority finds its true voice in color
The most hidden sensations continue to float in the depths of the soul until the moment when is found a communicative channel by virtue of which to let go of all that is habitually held back by giving it a form akin to the most authentic emotionality; in artists this type of expressive path manifests itself with different facets, under various forms precisely to combine best with a creative nature that cannot be filtered by rules or schemes. And it is exactly because of a need for freedom of realization that many authors choose an informal language, to allow interiority to let go without having to adhere to any preparatory basis that would constitute a limitation, a further brake on what instead needs to flow spontaneously. The artist I will tell you about today makes painting the medium through which she listens, takes note and then expresses all her emotions, all the feeling she receives from external impulses or from her innermost thoughts, transforming them into colorful forms.
When the art world of the early twentieth century was shaken by the innovative thrust that induced creatives to seek new interpretations, new modes of realization and above all to go against those purely aesthetic and reproductive rules that had predominated for all previous art by tying itself to a traditional figuration that was no longer in step with the changing times, emerged a style of painting completely outside the box because it clearly rejected any kind of image that could be traced back to observed reality, focusing instead on undefined forms that were to determine the autonomy of art from everything that belonged to contingency.
According to the ideas and guidelines of its founder Vassily Kandisky, Abstractionism was a manifestation of sensations that could be linked to the harmony of music by which it was accompanied during the execution of an artwork, to the point of associating each color with a note on the pentagram by making canvases in which the forms seemed to literally dance on the canvas. Soon afterwards, however, and with the interpretations given by artists belonging to Suprematism and De Stijl, was made the choice to exclude all subjectivity from the making of a painting because the essential purpose was to assert the predominance of the pure plastic act over any kind of emotionality on the part of the author or connection with the reality around him. Although Paul Klee, the most abstractionist of all the members of the Der Blaue Reiter group, had enriched his canvases in which geometry predominated with a soft and intense suggestion that could not fail to call upon the viewer’s involvement precisely by virtue of the atmosphere imparted by the author, it was necessary to wait until the early 1950s to fully introduce emotion within Abstract Art, which thus lost all geometric figuration to enter the realm of total lack of form.
Abstract Expressionism, a movement born in the United States out of the insight and determination of Jackson Pollock, Franz Kline, Arshile Gorky and Mark Rothko, liberated painting from all kinds of rules, leaving it up to each painter to choose the stylistic approach most akin to his own nature but emphasizing the condition, the only guideline of the artistic current, that every gesture and expressive impulse be an extension of the performer’s inner feeling, emotion and depths. Whether the creative gesture was determined by Dripping, or Color Field, or sign painting, what mattered was to speak through colors by indulging them to one’s temperament and perceptual moment. The French artist Pascale Rey-Texier, aka Kloo, adopts Abstract Expressionism as the identifying style of her pictorial path but also as a realizational need since it is through the connection with her interiority that instinct induces her to choose the chromatic tonality that will be the protagonist of a canvas, as if words and thoughts could clarify and manifest themselves thanks to the nuances, the declinations able to take their own indefinite form to become the voice of the acknowledgement of everything that captures her sensitive attention. An artist since childhood with a dream in the drawer of transforming her passion into a profession, due to life choices she gave up painting while remaining linked to the world of creativity by virtue of music and dance; many years later, around 2012, a personal event forced her to look inside herself to rediscover her creative vein and from that moment on Pascale Rey-Texier has never stopped giving life to her thoughts and emotions.
The predominant tones vary based on what she needs to express from work to work but always present multifaceted nuances; sometimes predominates the color scale in which elements of breaking balance emerge, other times different and contrasting gradations take over to emphasize how much in some cases it is necessary to take into account different aspects of the same emotion, and still in some canvas, especially those related to the early days of the return to her creative path, have a white dominant that seems to enclose the intimate secrets of the artist’s heart and soul. But what most predominantly inspires Pascale Rey-Texier‘s pictorial production is the sea, with its fluidity, with its constituting a constant renewal, a purification capable of allowing those changes necessary to generate the evolution to which human beings more or less consciously tend and for which they need an introspective path that can be accomplished by letting go of the flow of circumstances; the sea therefore evoked through subtle figuration or simply by virtue of a chromaticism that belongs to it, is a focal point of the artist’s paintings, as if it constituted a protective cradle from which to begin to become self-aware.
The painting Chute shows all the gradations of blue that belong to water, as if the drop to which the title refers were an explosion of purity, of demonstration of how although choosing by nature malleability and mouldability, one can in any case maintain his firmness, that delicate overwhelmingness capable of modifying situations and reality around. It is indeed water that manages to excavate the rock, gush after gush therefore Pascale Rey-Texier‘s invitation is to take example from the most ductile of elements to proceed in life accepting one’s weaknesses to transform them into strengths; the color is spread in a full and dense way, almost as if the light part that recalls the foam of the sea waves needed more concreteness to emphasize its strength, almost as if the dark blue outline wanted to contain it failing to do so. In Naitre, on the other hand, the tones are very shaded but flat, as if the foamy base would open up to let emerge a new life, probably understood as an unexpected element that goes on to generate unprecedented opportunities, a previously unconsidered point of view that, however, thanks to the opening generated, becomes possible; the base of the background is once again made up of the blue of the sea, underlining the generative importance of water that envelops everything with its fundamental presence, while the orange and red barely hinted at represent birth, that entering within a predetermined equilibrium almost on tiptoe, almost wanting only to catch a glimpse of their entrance waiting for the right moment to develop and take their own space.
Birth thus symbolizes the thoughts, ideas, and considerations that are generated day after day going to add to all that has already been acquired and consolidated within the inner structure. In Volutes, Pascale Rey-Texier‘s painting technique is much closer to Mark Rothko‘s Color Field rather than to the overwhelming impulsiveness of the works examined so far, and the gradations of blue tend more toward lacustrine or lagoon water, somehow allegorical of a calm and tranquility that can be linked to the feeling the artist felt at the moment she was about to paint. Indeed, a meditative urge escapes from this canvas, a need to enter the balanced dimension of reflection, because often the best choice is to sit and wait, listening, of getting deeply connected with the subtle energies that revolve around existence and that often go unheard because of the noise generated by metropolitan chaos.
Chaos, belongs intstead, with all its liveliness and burst, to the painting Fracas which somewhat represents the concatenation of events that follow one another after a sudden circumstance arises to break the stability by generating new perspectives that, as indicated by the chosen color palette, introduce a vitality and positive openings despite the individual’s tendency to remain closed within his safety zone. The muted tones of the lower part of the painting hint at the serenity that can be achieved after being swept away by the whirlwinds of events, as if they were necessary for inner growth. Pascale Rey-Texier has seven solo exhibitions and participation in group exhibitions in France to her credit, has been selected for many art awards in France, Greece and Luxembourg, and is a member of important art groups and associations in her city.
