Dalla riflessione interiore all’esplosione cromatica verso l’esterno nell’Espressionismo Astratto di Michaela Yearwood-Dan

L’equilibrio tra introspezione e presa di coscienza di ciò che ruota nella sfera più intima e nascosta, e il modo in cui si sceglie di essere quando ci si confronta con il mondo, diventa caratteristica peculiare di tutti quegli artisti che riescono a manifestare completamente se stessi solo attraverso l’espressività creativa, solo attraverso quella capacità di parlare senza parole e di gridare senza voce. Nel momento in cui questa tipologia di autori sceglie la dimensione della non forma, i colori diventano il loro unico mezzo narrativo adeguandosi a tutte le sfumature emozionali che contraddistinguono le loro opere. Michaela Yearwood-Dan appartiene a questa tipologia di artisti ma supera la divisione tra parola e arte visiva introducendo nelle sue tele frammenti di pensieri, di riflessioni, parti di canzoni o di appunti filosofici che vengono integrati e si trasformano in spunti concettuali su cui lo sguardo dell’osservatore si sofferma.

L’affermarsi dell’Espressionismo Astratto coincise con il periodo storico che seguì la fine del secondo conflitto mondiale quando molti appartenenti al mondo dell’arte considerata moderna erano stati costretti a fuggire dall’Europa per salvarsi dalle persecuzioni naziste ma anche per evitare che le loro opere fossero distrutte poiché considerate degenerate dal dittatore tedesco. Ritrovata la libertà negli Stati Uniti e incontrato il desiderio di un artista anticonformista e di forte personalità che rispondeva al nome di Jackson Pollock, questi autori decisero di unirsi per formare un nuovo movimento pittorico che non dovesse rispondere ad alcuna regola se non quella di poter liberare le proprie emozioni senza alcun limite formale, sanando pertanto anche la carenza dell’Arte Astratta precedente che aveva escluso il mondo interiore e la soggettività dalla rappresentazione plastica. L’Action Painting che contraddistinse la nuova corrente era dunque funzionale a lasciare che l’impulso e l’intuizione guidassero l’azione esecutiva creando una profonda connessione tra interiorità e narrazione artistica.

L’irruenza del Dripping, e dunque un gesto completamente impulsivo e a volte considerato irruento, fu tipico di Jackson Pollock e di Lee Krasner, sua moglie, mentre il Color Field di Mark Rothko fece da apripista a tutti gli autori successivi che volevano usare le macchie cromatiche per raccontare il ventaglio emozionale che si affollava dentro il loro sé, e dunque alla vivacità romantica di Helen Frankenthaler, alle intersezioni di tonalità piene e contrastanti di Clifford Still, ai quadrati e rettangoli sovrapposti in colori intensi di Hans Hofmann fino alla monocromia che sfocia nel Minimalismo di Barnett Newman. Ma l’attitudine alla libertà degli appartenenti al gruppo permise di accogliere anche autori che avevano un punto di vista diverso in cui il segno era pura espressione della loro interiorità al punto da divenire, in alcuni casi, predominante su tutto il resto. Questo fu il caso di Franz Kline che nell’essenzialità del nero sul bianco riusciva a manifestare tutto il suo sentire e l’urgenza di esprimere sulla tela ciò che ruotava all’interno di sé senza essere capace di fuoriuscire in altro modo.

E ancora l’impalpabilità della produzione artistica di Cy Twombly che affidava al disegno sottile e delicato una necessità espressiva evanescente eppure incisiva, come se il tratto della matita e dei pastelli potesse raccontare senza gridare, parlare senza incidere in maniera aggressiva lasciando quei gomitoli che sembravano essere il filo dei pensieri e delle sensazioni che riceveva dal mondo esterno al sé. In qualche modo tutti questi autori cercarono di dare ordine, oppure semplicemente lasciar esplodere, al caos che apparteneva irrimediabilmente all’interiorità dell’autore, la stessa che troppo a lungo era stata lasciata al di fuori dell’Arte Astratta e che con l’Informale aveva trovato una nuova dimensione narrativa.

L’artista londinese Michaela Yearwood-Dan appartiene all’universo del Color Field molto vicino alla cromaticità positiva e variopinta di Helen Frankenthaler e alla caleidoscopicità di Joan Mitchell confermando quanto l’interpretazione femminile dell’Espressionismo Astratto vada verso una rappresentazione morbida e piena di quelle tonalità più delicate e vivaci, in alcuni casi sfumate, che contraddistinguono un animo sensibile ed empatico; in lei la scelta dei colori si abbina fortemente alle riflessioni interiori e filosofiche esplicitate attraverso i titoli e rese intense dal vibrare della connessione tra i vari cromatismi, come se essi andassero a comporre un puzzle non solo emozionale bensì anche esistenziale proprio perché soggetto alla spinta che dall’interno si propaga verso l’esterno. Una delle caratteristiche principali delle tele di Michaela Yearwood-Dan è quella di inserire, per enfatizzare il concetto suggerito con i titoli, dei frammenti di parole, di testi di canzoni, di frasi ritagliate dagli appunti del suo diario, di parentesi appartenenti alla filosofia dell’essere su cui basa la sua vita e che la spingono a dipingere, come se il gesto plastico fosse un’esigenza dell’anima in virtù della quale può raccontare le varie sfaccettature del suo sé più autentico.

Le tonalità vanno da quelle più allegre, e quasi ironiche, a quelle più delicate e impalpabili, sempre con riferimenti alla natura e alla sua interazione con la vita umana, all’avvolgenza che genera e alla possibilità di poter osservare tutto con sguardo più sereno, più coinvolto, quasi all’incontro con essa l’occhio potesse lasciarsi andare alla comprensione dell’essenziale che emerge dalla magia della flora, stimolando al contempo l’introspezione verso la vera sostanza della vita. Non solo, all’interno dei campi cromatici densi e pieni, associati a tonalità contrastanti da cui allontanandosi emerge la sintesi attenuata dei colori usati, immette anche la materia che si incastona in maniera perfetta dentro il contesto delle sue grandi opere, evidenziando ancor più l’approccio femminile con cui riesce a guardare il mondo.

Foglia oro, cristalli Swarosky, inchiostro, carboncino e collage sono gli elementi che vanno a comporre una tecnica mista che mantiene la bidimensionalità pur mostrando piccoli frammenti di possibilità diverse, quelle del poter intravedere un rilievo, un’increspatura, un punto di osservazione inaspettato ma perfettamente inserito nel contesto generale e amalgamato all’intensa e divertente cromaticità.

The Summit of Beauty and Love mostra la gioia, la felicità intensa che scaturisce dall’unione di due sensazioni soggettive e in grado di coinvolgere l’interiorità in maniera diversa, una più visiva e una più emotiva, eppure simili nelle sfaccettature poiché è attraverso la sintesi di entrambe che l’essere umano riesce a sentirsi più coinvolto. La bellezza a cui Michaela Yearwood-Dan fa riferimento è quella della natura, di quei fiori in grado di sbocciare e di arricchire l’ambiente con i loro profumi e i loro colori stupefacenti, qui contraddistinti dall’unione tra il rosa e il turchese. Il concetto che emerge da questa tela è quello dell’amore che trasforma la percezione oggettiva poiché è in virtù di esso che si può intravedere una bellezza interiore, quella magari poco conforme ai canoni tradizionali ma che sa esplodere davanti agli occhi di sa guardare oltre.

That your Loving makes it Better mette ancora una volta in evidenza l’importanza del sentimento più alto che permette di oltrepassare ogni ostacolo, di superare ogni barriera quando è forte e autentico come quello ricercato e inseguito da ciascun individuo. Ma qui l’augurio è forse più universale, più globale poiché Michaela Yearwood-Dan lascia fluire il suo desiderio di qualcosa di migliore, forse il mondo attuale o forse semplicemente la vita di qualcuno che ha fatto fatica a riconoscere la propria vera essenza trovando nello sguardo dell’altro quella familiarità disarmante da cui non può che farsi coinvolgere. Il centro della tela completamente nero sembra richiamare l’attenzione verso una battaglia interiore, verso una difficoltà oggettiva che si è risolta grazie all’intervento della vivacità generata dal sentimento, da un coinvolgimento spontaneo ma temuto quasi, come se lasciarsi andare corrispondesse a mostrare il proprio lato fragile; ecco il motivo degli stralci di frasi che fuoriescono dalle macchie di colore, è il pensiero che lascia spazio alla spontaneità permettendole di travolgerlo.

All that I am invece racconta la semplicità che l’anima ritrova quando comprende che tutte le complicazioni, tutto il materialismo e l’arrivismo spesso non corrispondono alla propria vera essenza che in realtà ha bisogno di molto meno per sentirsi appagata e felice; il verde tenue della base del dipinto sottolinea quanto in fondo tutto sia più facile se ci si mette in ascolto della propria anima senza cercare più di ciò che scaturisce in maniera immediata trasmettendo serenità e calma in un’esistenza a volte troppo frenetica e distante dalla necessità interiore di ritmi più affini ai veri colori, quelli dell’anima.

Michaela Yearwood-Dan ha esposto le sue opere negli Stati Uniti, in Italia e in Marocco e sono state inserite nelle collezioni di musei a Washington D.C., a Miami, in Florida, a Sacramento, in California e a Columbus in Ohio.

MICHAELA YEARWOOD-DAN

Email: info@boeskygallery.com

Sito web: www.michaelayearwood-dan.com/

Instagram: www.instagram.com/artistandgal/

From inner reflection to an outward chromatic explosion in Michaela Yearwood-Dan’s Abstract Expressionism

The balance between introspection and awareness of what revolves within the most intimate and hidden sphere, and the way one chooses to be when confronting the world, becomes a distinctive trait of all those artists who manage to fully express themselves only through creative expression, only through that ability to speak without words and to shout without a voice. When this type of artist chooses the realm of formlessness, colors become their sole narrative medium, adapting to all the emotional nuances that define their artworks. Michaela Yearwood-Dan belongs to this category of artists but transcends the division between word and visual art by introducing into her canvases fragments of thoughts, reflections, parts of songs, or philosophical notes that are integrated and transformed into conceptual cues upon which the viewer’s gaze lingers.

The rise of Abstract Expressionism coincided with the historical period following the end of World War II, when many members of the so-called modern art world were forced to flee Europe to escape Nazi persecution but also to prevent their works from being destroyed, as they were deemed degenerate by the German dictator. Having regained their freedom in the United States and encountered the vision of a nonconformist artist with a strong personality named Jackson Pollock, these artists decided to join forces to form a new painting movement that would be bound by no rules other than the freedom to express their emotions without any formal constraints, thereby also addressing the shortcomings of earlier Abstract Art, which had excluded the inner world and subjectivity from visual representation. Action Painting, which characterized the new movement, was thus designed to let impulse and intuition guide the creative process, generating a deep connection between inner life and artistic expression.

The impetuosity of Dripping, and therefore a completely impulsive and sometimes considered impetuous gesture, was characteristic of Jackson Pollock and his wife, Lee Krasner, while Mark Rothko’s Color Field paved the way for all subsequent artists who sought to use chromatic patches to convey the emotional spectrum surging within their selves, and thus to the romantic vibrancy of Helen Frankenthaler, to the intersections of rich and contrasting tones in Clifford Still’s work, to the overlapping squares and rectangles in intense colors by Hans Hofmann, and finally to the monochromatic style which lead to Minimalism by Barnett Newman. But the group’s commitment to freedom allowed them to embrace artists who held a different perspective, in which the mark was a pure expression of their inner world to the point that, in some cases, it came to dominate everything else. This was the case with Franz Kline, who in the essentiality of black on white managed to convey all his feelings and the urgency to express on the canvas what was swirling within him, unable to escape in any other way.

And again, the impalpability of the artistic production by Cy Twombly who entrusted subtle and delicate drawing with an evanescent yet incisive expressive necessity, as if the pencil and pastel lines could narrate without shouting, speak without aggressively engraving, leaving behind those tangles that seemed to be the thread of thoughts and sensations he received from the world outside himself. In some way all these authors tried to give order, or simply let explode, to the chaos that irremediably belonged to the interiority of the author, the same one that for too long had been left outside of Abstract Art and that with Informal Art had found a new narrative dimension. London-based artist Michaela Yearwood-Dan belongs to the Color Field universe, very close to the positive and colorful chromaticity of Helen Frankenthaler and the kaleidoscopicity of Joan Mitchell, confirming how the female interpretation of Abstract Expressionism moves towards a soft representation full of those more delicate and lively shades, in some cases nuanced, which distinguish a sensitive and empathetic soul; in her, the choice of colors is strongly combined with the interior and philosophical reflections expressed through the titles and made intense by the vibration of the connection between the various chromatisms, as if they were composing a puzzle that is not only emotional but also existential precisely because it is subject to the push that propagates from the inside towards the outside.

One of the main characteristics of Michaela Yearwood-Dan‘s canvases is that of inserting, to emphasize the concept suggested by the titles, fragments of words, song lyrics, phrases cut from her diary notes, parentheses belonging to the philosophy of being on which she bases her life and which push her to paint, as if the plastic gesture were a need of the soul by virtue of which she can tell the various facets of her most authentic self. The shades range from the more cheerful, and almost ironic, to the more delicate and impalpable ones, always with references to nature and its interaction with human life, to the enveloping nature it generates and to the possibility of observing everything with a more serene, more involved gaze, almost as if upon encountering it the eye could let itself go to the understanding of the essential that emerges from the magic of flora, at the same time stimulating introspection towards the true substance of life. Not only that, within the dense and full chromatic fields, associated with contrasting tones from which, as one moves away, emerges the attenuated synthesis of the colors used, she also introduces the material that fits perfectly within the context of her large artworks, further highlighting the feminine approach with which she manages to look at the world.

Gold leaf, Swarovski crystals, ink, charcoal, and collage are the elements that make up a mixed technique that maintains two-dimensionality while revealing small fragments of different possibilities, such as being able to glimpse a relief, a ripple, an unexpected observing point yet perfectly inserted into the overall context and blended with the intense and playful chromaticism. The Summit of Beauty and Love shows the joy and intense happiness that arises from the union of two subjective sensations capable of engaging the interiority in different ways, one more visual and one more emotional, yet similar in their facets since it is through the synthesis of both that the human being manages to feel most involved. The beauty Michaela Yearwood-Dan referes to is that of nature, of those flowers able to bloom and enrich the environment with their scents and stunning colors, here characterized by the union of pink and turquoise. The concept that emerges from this canvas is that of love which transforms objective perception, because it is through it that we can glimpse an inner beauty, one that perhaps does not conform to traditional canons but can explode before the eyes of those who know how to look beyond. That Your Loving Makes It Better once again highlights the importance of the highest feeling that allows to overcome every obstacle, every barrier when it is strong and authentic like the one sought and pursued by each individual.

But here the wish is perhaps more universal, more global as Michaela Yearwood-Dan lets flow her desire for something better, perhaps the current world or perhaps simply the life of someone who has struggled to recognize their true essence, finding in the gaze of another that disarming familiarity that cannot help but be drawn into it. The center of the canvas, completely black, seems to draw attention to an internal struggle, to an objective difficulty resolved thanks to the intervention of the vivacity generated by emotion, by a spontaneous yet almost fearful involvement, as if letting go meant revealing one’s fragile side. This is the reason for the snippets of sentences emerging from the splashes of color; it is the thought that leaves room for spontaneity, allowing it to overwhelm it.

All that I am, on the other hand, speaks of the simplicity the soul rediscovers when it understands that all the complications, all the materialism and careerism often do not correspond to its true essence, which in reality needs much less to feel fulfilled and happy. The pale green at the base of the painting emphasizes how, ultimately, everything is easier if one listens to one’s soul without seeking more than what goes out in an immediate way transmitting serenity and calm in an existence that is sometimes too frenetic and distant from the inner need for rhythms more akin to the true colors, those of the soul. Michaela Yearwood-Dan has exhibited her paintings throughout the United States, Italy, and Morocco, and her works have been included in museum collections in Washington, D.C., Miami, Florida, Sacramento, California, and Columbus, Ohio.