Evidenziare la leggerezza e l’impalpabilità dell’essere è uno degli approcci possibili al vivere attuale tanto quanto al modo di fare arte, generando sia nell’autore che nell’osservatore la sensazione di trovarsi in una dimensione morbida e rassicurante in cui lasciar andare le ansie e le inquietudini del vivere contemporaneo per esplorare un mondo dove tutto si innalza verso una comunicazione lirica tra i paesaggi, spesso immaginati o ricordati dall’anima, e la melodia sottile di un’interiorizzazione che deve necessariamente astrarsi dal reale per cullarsi in un bozzolo protetto e avvolgente. La protagonista di oggi unisce nelle sue raffinate opere, l’eredità di due culture apparentemente opposte ma in realtà, come lei stessa dimostra, perfettamente armonizzabili in uno stile in grado di trasportare le emozioni in un’atmosfera magica e soffice e al contempo elegante nella sua finezza esecutiva e nella ricercatezza della mescolanza di tecniche che la contraddistinguono.
La fine dell’Ottocento fu un periodo vivace nell’arte tanto quanto nelle innovazioni e nelle facilitazioni della vita quotidiana, tra cui l’evoluzione dei mezzi di spostamento in virtù dei quali le distanze furono accorciate da tempi di percorrenza più brevi; fu in virtù di queste nuove aperture che molti protagonisti del panorama culturale e artistico dell’epoca si appassionarono di tutto ciò che proveniva dall’Africa e dal lontano Oriente, al punto di far desiderare alle nobili e benestanti famiglie borghesi di avere in casa oggetti e dipinti che in qualche modo corrispondessero a quei nuovi gusti. Il Giapponismo, che di fatto includeva tutta l’iconografia tradizionale dell’arte dell’estremo oriente, fu una di queste tendenze che si sviluppò in Francia grazie però all’importazione di stampe da parte della Compagnia delle Indie olandese, in particolare furono le opere del periodo ukiyo-e giapponese a suscitare l’ammirazione da parte dei salotti culturali, sia per la grafica fine e impalpabile, sia per le linee sinuose. Gli interpreti giapponesi più noti e ammirati furono Utamaro e Hokusai, la cui Grande Onda rappresenta un vero e proprio simbolo universalmente riconosciuto, e le loro iconografie influenzarono i grandi autori dell’epoca come Vincent Van Gogh, le cui opere Ritratto di père Tanguy e La cortigiana sono pienamente esplicative di quanto il tratto e le immagini del Giappone fossero presenti nella sua produzione pittorica, e poi ancora Édouard Manet, Claude Monet e Camille Pissarro; il tipo di rappresentazione bidimensionale con prevalenza grafica che divenne così un nuovo approccio pittorico, le narrazioni del mondo della natura tanto quanto le forme curve con la loro delicata raffinatezza, furono una base di partenza importante per l’elaborazione di quell’Art Nouveau che tanto prese piede tra l’ultimo decennio del Diciannovesimo e gli inizi del Ventesimo secolo. La fastosità e l’opulenza di quegli anni di ottimismo per l’emergere di una nuova ricchezza, senza lo spettro della guerra mondiale ancora lontana da venire, si manifestarono anche nell’arte, nell’architettura e nella decorazione di cui si trovano testimonianze in tutto il vecchio continente e che nella pittura sfociò, in particolar modo nel Secessionismo Viennese, in un largo utilizzo della foglia oro, in particolar modo in quello che viene definito il periodo aureo di Gustav Klimt, ma anche da uno dei maggiori rappresentanti dell’Art Nouveau, il ceco Alfons Mucha.
Le donne di entrambi gli autori erano circondate da fiori con steli sinuosi e rappresentate nella loro delicata quanto aristocratica bellezza, quasi fossero muse eteree e impalpabili poste in un contesto che le astraeva dalla realtà introducendole in un contesto idilliaco in cui l’estetica prevalesse su qualsiasi altro parametro artistico. Dunque la morbidezza, l’ispirazione floreale o comunque l’introduzione delle figure protagoniste in un contesto naturale sottolinearono quanto gli artisti del movimento furono influenzati dalle stampe giapponesi e dal gusto estetico lirico dei maestri dell’ukiyo-e. L’artista canadese Crystal Liu mostra le sue origini orientali liberandole sulle opere in maniera impalpabile, con una delicatezza espressiva che incanta per l’approccio poetico in grado di condurre letteralmente l’osservatore in una dimensione lontana nel tempo e nello spazio, come se l’evocazione dell’Oriente fosse in grado di far correre l’immaginazione verso un contesto atemporale in cui sono la mente e l’anima a tratteggiarne le caratteristiche.
In bilico tra astrazione e figurazione le opere dell’artista sembrano raccontare piccole favole piene di emozioni positive, di possibilità, di sentimenti elevati alla loro dimensione più romantica sottolineata dai titoli e dalla presenza della foglia oro che sembra richiamare la tecnica del kinsugi, l’arte di riparare le ceramiche rotte proprio con l’oro, donando loro un nuovo valore e collegandosi inequivocabilmente a quell’Art Nouveau del passato che in lei viene completamente rivisitata, attualizzata e trasformata non più solo in narrazione estetica bensì legandosi anche al messaggio che sotto l’impalpabilità delle opere viene lasciato dall’autrice.
Ecco dunque che le emozioni sognanti di Crystal Liu assumono maggiore rilevanza e valore esattamente per la presenza dello stesso elemento, quella patina aurea che va a mettere in evidenza elementi o dettagli essenziali per permettere al concetto insito in ogni opera di emergere inequivocabilmente andando a muovere le corde interiori dell’osservatore. La linea grafica tratteggiata e la leggerezza rappresentativa infondono una sensazione magica, quasi come se i paesaggi appartenessero alla dimensione incantata, a una favola tradizionale della zona di origine dell’artista.
I always meant to love you (My heart dropped II) non può non evocare la simbologia legata all’Oriente, definito appunto il paese del sol levante, anche se in questo caso la sensazione descritta da Crystal Liu è legata all’amore, o forse sarebbe meglio dire alla fine di un amore perché ciò di cui parla il titolo è un cuore spezzato, di qualcosa che pur volendo nell’intenzione rimanere eterno, ha dovuto avere un termine; il disco del sole è quello del tramonto, si nasconde infatti dietro i picchi delle montagne ed è arricchito, quasi fosse decorato, dalla presenza di delicati fiori bianchi come a sottolineare la preziosità di ciò che è stato vissuto, a prescindere dall’epilogo che ha avuto. Tuttavia fuoriesce una sottile malinconia da questo lavoro, come se lasciar andare un sentimento forte e intenso, per quanto positiva sia stata la sua presenza nella vita, generasse una frattura insanabile; ecco spiegato l’aspetto acuminato delle montagne, sembrano quasi pungere l’interiorità.
You gave me the moon rappresenta invece la freschezza di un inizio, la nascita di un’emozione che ha bisogno di prove e di manifestazioni di affidabilità per conquistare il cuore dell’altro e dunque Crystal Liu associa l’entusiasmo all’energia vitale dell’acqua di una cascata che, attraverso il suo discendere verso ciò che c’è al di sotto diviene canale di collegamento tra due emisferi differenti dello stesso mondo emotivo. Qui è la luna a essere protagonista, il cui disco sovrastante la parte alta della cascata, si riflette nello specchio d’acqua sottostante, dando l’impressione suggerita dal titolo, che essa sia stata donata dall’uno all’altro dei protagonisti di questa dolce fiaba; la forte e quasi predominante presenza della foglia oro sottolinea quanto sia fondamentale per l’artista coltivare la connessione con il sentimento più autentico, con la capacità di cogliere il romanticismo in ogni manifestazione della natura che diviene così interprete delle sensazioni profonde che appartengono all’essere umano e che spesso tendono a venire nascoste nella loro forma più pura.
L’opera The flowers down pour II è forse quella in cui il riferimento all’Art Nouveau è più evidente, perché è proprio la flora l’elemento che contraddistingue lo stile originale di fine Ottocento, e anche quello che più si avvicina alla ricerca estetica e puramente orientata al bello e al positivo che aveva contraddistinto l’opera di Mucha e quella di Gustav Klimt; differentemente dall’albero del maestro austriaco tuttavia, qui la tendenza non è quella di andare verso l’alto, di salire verso la vita, piuttosto Crystal Liu racconta di una caduta, della fine di un ciclo che tuttavia, attraverso il contatto con il terreno sottostante può andare a rigenerare un nuovo sviluppo e una nuova crescita nella stagione successiva. In qualche modo l’evocazione dell’artista fa riferimento al percorso dell’essere umano, a quel cadere funzionale a rialzarsi per procedere più forte e sicuro di sé, considerando dunque la caduta come un momento rigenerativo di cui raccogliere i frutti, o nel riferimento specifico, i semi della rinascita.
Inchiostro, acquarello e collage sono i materiali di cui l’artista si avvale per creare le sue opere eteree, impalpabili e intrise della poetica delicatezza orientale che conquistano l’osservatore facendone vibrare le corde interiori.
Crystal Liu, diplomata al San Francisco Art Institute e successivamente all’Ontario College of Art & Design, ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive negli Stati Uniti, in Canada, in Cina e in Polonia, e più di venti mostre personali a Toronto, San Francisco, New York, Singapore, San Raphael (California) e Hong Kong; le sue opere fanno parte di collezioni private e pubbliche di tutto il mondo.
CRYSTAL LIU-CONTATTI
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Poetic evocations in Crystal Liu’s imaginary landscapes, where Japanese painting meets Art Nouveau
Underlining the lightness and intangibility of being is one of the possible approaches to current living as much as to the way of making art, generating both in the author and in the observer the sensation of finding oneself in a soft and reassuring dimension in which to let go of the anxieties and anguishes of contemporary living in order to explore a world where everything rises towards a lyrical communication between landscapes, often imagined or remembered by the soul, and the subtle melody of an interiorisation that must necessarily abstract itself from reality to cradle in a protected and enveloping cocoon. Today’s protagonist unites in her refined artworks the heritage of two cultures that are apparently opposite but in reality, as she herself demonstrates, perfectly harmonisable in a style capable of transporting emotions in a magical and soft atmosphere and at the same time elegant in its executive finesse and in the refinement of the mixture of techniques that distinguish her.
The end of the 19th century was a lively period in art as much as in the innovations and facilitations of everyday life, including the evolution of means of transport by virtue of which distances were abbreviated by shorter travel times; it was by virtue of these new openings that many protagonists of the cultural and artistic scene of the time became fascinated by everything that came from Africa and the Far East, to the point of making noble and well-to-do bourgeois families want to have objects and paintings in their homes that in some way corresponded to those new tastes. Japonism, which in fact included all the traditional iconography of Far Eastern art, was one such trend that developed in France thanks, however, to the importation of prints by the Dutch East India Company. In particular, it was the works of the Japanese ukiyo-e period that aroused the admiration of the cultural salons, both for their fine and intangible graphics and their sinuous lines.
The best-known and most admired Japanese artists were Utamaro and Hokusai, whose Great Wave is a universally recognised symbol, and their iconography influenced the great authors of the time such as Vincent Van Gogh, whose works Portrait of Père Tanguy and The Courtesan are fully illustrative of the extent to which the stroke and images of Japan were present in his painting production, and then again Édouard Manet, Claude Monet and Camille Pissarro; the type of two-dimensional representation with a predominance of graphics that became a new pictorial approach, the narratives of the world of nature as well as the curved forms with their delicate refinement, were an important basis for the development of that Art Nouveau that became so popular between the last decade of the 19th and the beginning of the 20th century.
The sumptuousness and opulence of those years of optimism for the emergence of a new wealth, with the spectre of world war still far to come, also manifested itself in art, architecture and decoration of which can be found evidence all over the old continent and which in painting flowed, particularly in Viennese Secessionism, in the extensive use of gold leaf, especially in what is known as the Golden Age of Gustav Klimt, but also by one of the greatest representatives of Art Nouveau, the Czech Alfons Mucha. The women of both artists were surrounded by flowers with sinuous stems and depicted in their delicate yet aristocratic beauty, almost as if they were ethereal, intangible muses placed in a context that abstracted them from reality by introducing them into an idyllic setting in which aesthetics prevailed over any other artistic parameter. Thus the softness, the floral inspiration or in any case the introduction of the protagonist figures into a natural context underlined how much the artists of the movement were influenced by Japanese prints and the lyrical aesthetic taste of the ukiyo-e masters.
The Canadian artist Crystal Liu shows her Oriental origins by releasing them on her artworks in an impalpable manner, with an expressive delicacy that enchants with its poetic approach that literally takes the observer to a dimension far away in time and space, as if the evocation of the Orient were able to make the imagination run towards a timeless context in which it is the mind and soul that sketch out its characteristics. Hovering between abstraction and figuration, the artist’s works seem to tell little fairy tales full of positive emotions, of possibilities, of feelings elevated to their most romantic dimension, underlined by the titles and by the presence of gold leaf that seems to recall the technique of kinsugi, the art of repairing broken ceramics with gold, giving them a new value and unequivocally linking them to that Art Nouveau of the past that in her work is completely revisited, brought up to date and transformed no longer only into an aesthetic narrative, but also tying in with the message that is left by the author beneath the intangibility of the artworks. Here, then, Crystal Liu‘s dreamy emotions take on greater relevance and value precisely because of the presence of the same element, that golden patina that highlights essential elements or details to allow the concept inherent in each work to emerge unequivocally, moving the observer’s inner chords.
The dotted graphic line and the representative lightness instil a magical feeling, almost as if the landscapes belonged to the enchanted dimension, to a traditional fairy tale of the artist’s home area. I always meant to love you (My heart dropped II) cannot fail to evoke the symbolism linked to the East, named as the land of the rising sun, although in this case the sensation described by Crystal Liu is linked to love, or perhaps it would be better to say the end of a love, because what the title speaks of is a broken heart, of something that, although it intended to remain eternal, had to come to an end; the disc of the sun is that of sunset, it is in fact hidden behind the mountain peaks and is enriched, almost as if decorated, by the presence of delicate white flowers as if to emphasise the preciousness of what has been experienced, regardless of the epilogue it had. However emerges a subtle melancholy from this work, as if letting go of a strong and intense feeling, no matter how positive its presence in life, would generate an irremediable fracture; this explains the sharp appearance of the mountains, they almost seem to sting the interiority.
You gave me the moon, on the other hand, represents the freshness of a beginning, the birth of an emotion that needs trials and demonstrations of trustworthiness to conquer the heart of another, and so Crystal Liu associates enthusiasm with the vital energy of the water of a waterfall that, through its descent towards what lies below, becomes a channel connecting two different hemispheres of the same emotional world. Here it is the moon that is the protagonist, whose disc overhanging the upper part of the waterfall is reflected in the mirror of water below, giving the impression suggested by the title, that it has been donated by one of the protagonists of this sweet fairy tale to the other; the strong and almost predominant presence of gold leaf emphasises how fundamental it is for the artist to cultivate a connection with the most authentic sentiment, with the ability to capture the romanticism in every manifestation of nature, which thus becomes an interpreter of the deep feelings that belong to the human being and that often tend to be hidden in their purest form.
The work The flower down pour II is perhaps the one in which the reference to Art Nouveau is most evident, because it is precisely the flora that is the element that distinguishes the original style of the late 19th century, and also the one that comes closest to the aesthetic and purely positive-oriented research that had characterised Mucha‘s work and that of Gustav Klimt; unlike the Austrian master’s tree, however, here the tendency is not to go upwards, to climb towards life, rather Crystal Liu tells of a fall, of the end of a cycle which, however, through contact with the ground below can go on to regenerate new development and growth in the following season. In some way, the artist’s evocation refers to the path of the human being, to that fall functional to getting back up in order to proceed stronger and more self-confident, thus considering the fall as a regenerative moment from which to reap the fruits, or in the specific reference, the seeds of rebirth. Ink, watercolour and collage are the materials the artist uses to create her ethereal, impalpable artworks, imbued with the poetic delicacy of the Orient, which captivate the observer, making her inner chords vibrate. Crystal Liu, a graduate of the San Francisco Art Institute and later the Ontario College of Art & Design, has participated in group exhibitions in the United States, Canada, China and Poland, and has had more than twenty solo exhibitions in Toronto, San Francisco, New York, Singapore, San Raphael (California) and Hong Kong; her works are part of private and public collections worldwide.
