La scoperta del mondo attraverso sentieri emozionali nell’Espressionismo Astratto di Barbara Monti

Esistono approcci pittorici che non necessitano di essere espliciti, di raccontare in maniera chiara e facilmente visibile tutto ciò che l’autore desidera esprimere, bensì tendono a essere più sottili, si pongono nella dimensione dell’intuitività, della percezione legata all’immediatezza delle sensazioni che dall’emanazione dell’esecutore si propagano oltre la bidimensionalità della tela per andare a connettersi con le corde dell’osservatore. Lo stile più affine a una tale attitudine creativa è quello più vicino alla mancanza di forma, a quell’universo fatto di caos e di sfaccettature interpretative che induce chi riceve il messaggio visivo a compiere uno sforzo di approfondimento privo di razionalità, sulla base delle vibrazioni che spontaneamente gli arrivano mettendosi davanti alla tela. La protagonista di oggi modula la sua pittura in uno spazio a metà tra coscienza e consapevolezza, e intuizione immediata e priva di filtri che proviene dalla sua capacità di osservazione empatica di tutto ciò che la circonda e che attraverso il suo girovagare per il mondo scopre.

I primi decenni del Novecento furono caratterizzati dall’esplodere di nuove forme espressive che ebbero il compito di rompere gli equilibri accademici precedenti e di distaccarsi da tutte quelle regole apparentemente invalicabili che avevano predominato nell’arte tradizionale; tra questi movimenti spiccò l’Astrattismo che si allontanò inequivocabilmente da qualsiasi riferimento alla realtà osservata per affermare quanto il gesto plastico e l’arte in sé potessero sussistere indipendentemente dalla soggettività dell’autore o dalla riproduzione di ciò che lo sguardo coglieva intorno a sé. Movimenti come il più possibilista Astrattismo Lirico, il cui fondatore Wassily Kandinsky si apriva all’interazione con le emozioni al punto di associare ai colori le note musicali con cui si intratteneva dipingendo, o come i più rigorosi De Stijl, Suprematismo e Astrattismo Geometrico, mostrarono la superiorità di un’arte che poteva essere slegata da ogni tipo di rappresentazione del conosciuto. Tuttavia l’eccessiva razionalità di questi movimenti, se da un lato permise agli artisti che vi aderirono di oltrepassare il periodo buio delle guerre mondiali astraendo il significato dell’espressività dalle immagini terrificanti e dal dolore e la sofferenza che queste provocarono, dall’altro allontanò gli autori e il pubblico da un coinvolgimento necessario per creare il legame empatico e partecipativo che deve contraddistinguere l’arte. Il superamento di quell’immobilità avvenne con l’Espressionismo Astratto, movimento nato negli Stati Uniti ma poi diffusosi anche in Europa, in cui la mancanza completa di forma, persino di quella geometrica, e l’utilizzo di gamme cromatiche personalizzate sulla base del sentire del singolo autore introducevano l’innovazione del sentimento, della sensazione più impulsiva e immediata che trasformava il gesto pittorico in azione propulsiva e narrativa di tutto ciò che all’interno dell’artista si muoveva premendo per fuoriuscire. L’Action Painting, così venne definita la tecnica del dipingere senza schema e senza un’idea predefinita, si manifestava con diverse sfaccettature esecutive che passavano dall’irruenza assoluta del Dripping di Jackson Pollock e Lee Krasner al Color Field di Mark Rothko, più malinconico ed evocativo, e di Hans Hofmann che ne diede una visione più vivace e solare, fino ad arrivare alla pittura segnica nero su bianco di Franz Kline o a quella più sottile e meno impetuosa di Hans Hartung. Qualunque fosse l’inclinazione di ciascuno degli autori appena citati, ciò che contava e che doveva emergere in maniera intensa e dirompente era l’interiorità, il sentire che doveva prevalere sulla logica e sulla razionalità per lasciare il posto a tutto ciò che non poteva essere espresso diversamente se non attraverso la mescolanza di colori in perfetta armonia con le sensazioni. L’artista Barbara Monti, nella sua più recente produzione pittorica, si addentra in un equilibrio perfetto tra il suo lato più consapevole e il puro istinto che si traduce con uno stile dove la geometria del Tachisme, seppur sempre sfumato nei contorni, viene mescolata a un’indefinitezza che si apre al caos delle emozioni mantenendo tuttavia la calma contemplativa che appartiene alla natura dell’autrice.

Ogni tela si ispira a un panorama osservato durante i suoi viaggi, l’indole girovaga costituisce la linfa vitale e l’essenza stessa della sua arte perché la memoria emotiva si va a fondere con i colori, gli odori, la meraviglia con cui osserva gli usi e costumi di paesi lontani in grado di tracciare un percorso di sensazioni che si manifestano sotto forma di sfaccettature e sfumature cromatiche.

Il tratto dunque si fa più tondeggiante, meno rigoroso, quasi volesse introdurre visivamente tutta la casualità e l’immediatezza che lei stessa riceve ogni qualvolta si mette in posizione di osservazione della realtà che le ruota intorno, lasciando che essa si stratifichi divenendo solida e consistente per poi essere nuovamente liberata sulla tela. Di conseguenza il processo pittorico segue il medesimo cammino di alternanza tra percezione istintiva, consolidamento attraverso l’utilizzo di malta o smalto per concretizzare e fissare l’emozione, e infine l’intervento libero e catartico della pittura acrilica in virtù della quale lascia riemergere le tonalità che il suo sguardo ha catturato nella fase contemplativa.

La totale informalità delle opere più fortemente legate ai viaggi si interconnette con i dipinti ancora riconducibili al suo stile precedente, quello più fortemente tachiste, attraverso l’utilizzo di un Dripping che sceglie la morbidezza della circolarità, come se Barbara Monti avesse ancora bisogno di appartenere al suo lato più razionale malgrado la nuova tendenza ispirativa a lasciarsi guidare dall’immediatezza del caos emozionale.

La serie pittorica Amazzonia, realizzata dopo un viaggio compiuto nel cuore della giungla peruviana, mostra la nuova attitudine dell’autrice a lasciarsi completamente andare a quel groviglio di sensazioni ricevute quando era immersa nel verde ombroso di quel luogo e che si concretizza in modo particolarmente incisivo nella tela San Martin dove il verde della fitta vegetazione si intreccia indissolubilmente alle tonalità più vivaci riconducibili agli animali, ai fiori tropicali, alla terra umida a causa dell’impossibilità per i raggi del sole di penetrate il fitto fogliame e scaldare il suolo. Lo sfondo chiaro sembra richiamare l’atmosfera calda e umida della foresta amazzonica, la rarefazione generata dall’incontro tra le gocce delle foglie e l’alta temperatura di quella zona del mondo; su tutta la composizione morbida e sfumata, spiccano le note del rosso che potrebbero suggerire la presenza delle molte insidie che potrebbero essere incontrate, oppure il trucco con cui gli indigeni ancora oggi decorano i loro volti nelle celebrazioni ufficiali e quando vanno a caccia. Il Dripping appena accennato sottolinea il fitto mondo di insetti che trova il suo habitat perfetto proprio in quella regione ma anche le energie sottili e un po’ magiche che corrono sotto il visibile.

Scenario d’autunno mantiene invece il Tachisme tipico di Barbara Monti, qui però fortemente sfumato e accostato a un sottofondo più indefinito, come se in qualche modo le sensazioni volessero trovare la solidità di una forma, allegoria della ragione, in virtù della quale mantenersi stabile nel caos emotivo. Le tonalità ocra e rosate, mescolate a tocchi di rosso, mettono in luce la malinconia che inevitabilmente sopraggiunge quando la natura comincia a prepararsi all’inverno, all’arrivo della fine del suo ciclo vitale in attesa della rinascita primaverile e dunque anche la percezione che si riceve è quella del termine di una fase dell’esistenza in cui si deve lasciare andare l’allegria e la spensieratezza estiva per prepararsi a una stagione tutta da riscrivere. Questo è lo stato d’animo che l’autrice rivela e che, ancora una volta, presenta su uno sfondo chiaro, ricordando la luminosità dell’estate e anticipando il gelo e la neve dell’inverno. In questo caso il Dripping evoca il vento autunnale, quella brezza che lentamente porta via le foglie secche che si posano sulle strade enfatizzando l’atmosfera ovattata e intimista della stagione.

L’opera Informale 12 introduce un apporto materico, quello della malta, per costituire una solidità concreta attraverso cui Barbara Monti suggerisce le radici, che possono essere quelle familiari o quelle della logica, elemento di bilanciamento all’irrazionalità delle emozioni, da cui poi può lasciarsi andare a quel mondo illogico e istintivo necessario alla sua interiorità e alla sua anima creativa per esprimere tutto ciò che a parole sarebbe più difficile esprimere. Le macchie cromatiche qui sono più definite, più geometriche, a sottolineare il momento di passaggio tra lo stile precedente e il nuovo che, come ogni trasformazione artistica e personale, ha bisogno del suo tempo e di rispettare fasi che poi possono aprirsi alla modificazione completa; il Dripping circolare e circoscritto solo alla parte centrale della tela sembra anticipare la morbidezza delle tele della nuova serie più strettamente legata alle visioni paesaggistiche che emergono dalla sua anima.

Barbara Monti ha alle sue spalle un lungo percorso espositivo che l’ha vista presentare le sue opere in gallerie e luoghi istituzionali a Roma e nel Lazio, una collettiva a Barcellona e una presenza alla Vernice Art Fair di Forlì; è membro dell’Associazione Cento Pittori di via Margutta.

BARBARA MONTI-CONTATTI

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Discovering the world through emotional pathways in Barbara Monti’s Abstract Expressionism

There are approaches to painting that do not need to be explicit, to clearly and visibly convey everything the artist wishes to express, rather they tend to be more subtle, operating in the realm of intuition, of perception linked to the immediacy of sensations that emanate from the artist and extend beyond the two-dimensionality of the canvas to connect with the viewer’s innermost feelings. The style most akin to such a creative approach is the one that borders on formlessness, a universe of chaos and interpretive facets that prompts the viewer to engage in a non-rational exploration, guided by the vibrations that spontaneously reach him as he stand before the canvas. Today’s protagonist shapes her painting in a space halfway between consciousness and awareness, and immediate, unfiltered intuition that stems from her capacity for empathetic observation of everything around her and that she discovers through her wanderings around the world.

The early decades of the 20th century were marked by an explosion of new forms of expression that sought to disrupt the established academic order and break free from all those seemingly insurmountable rules that had dominated traditional art; among these movements stood out Abstract Art, unequivocally distancing itself from any reference to observed reality to assert that the plastic gesture and art itself could exist independently of the artist’s subjectivity or the reproduction of what the eye perceived around it. Movements such as the more open-ended Lyrical Abstraction, whose founder Wassily Kandinsky was so open to interaction with emotions that he associated colors with the musical notes he listened to while painting, or the more rigorous De Stijl, Suprematism and Geometric Abstraction, demonstrated the superiority of an art that could be detached from any form of representation of the known. However, the excessive rationality of these movements, while on the one hand allowing the artists who adhered to them to move beyond the dark period of the world wars by abstracting the meaning of expressiveness from the terrifying images and the pain and suffering they caused, on the other hand distanced the artists and the public from the engagement necessary to create the empathetic and participatory bond that must distinguish art.

This stagnation was overcome by Abstract Expressionism, a movement that originated in the United States but later spread to Europe, in which the complete absence of form, even geometric one, and the use of color palettes tailored to the individual artist’s sensibility introduced an innovation in feeling, a more impulsive and immediate sensation that transformed the act of painting into a propulsive and narrative action of everything within the artist that was stirring, pressing to break free. Action Painting, as the technique of painting without a plan or predefined idea came to be known, manifested itself through various stylistic approaches, ranging from the absolute impetuosity of Jackson Pollock and Lee Krasner’s Dripping to the Color Field of Mark Rothko, more melancholic and evocative, and of Hans Hofmann who gave a more vibrant and sunny interpretation, till coming to black and white sign paintig by Franz Kline or to the more subtle and less impetuous one by Hans Hartung. Whatever was the inclination of each of the artists just mentioned, what mattered and had to emerge in an intense and disruptive manner was interiority, the feeling that had to prevail over logic and rationality to make way for everything that could not be expressed otherwise except through the blending of colors in perfect harmony with sensations. The artist Barbara Monti, in her most recent body of work, strikes a perfect balance between her more conscious side and pure instinct resulting in a style where the geometry of Tachisme, though always softened at the edges, is blended with an indefiniteness that opens up to the chaos of emotions while still maintaining the contemplative calm that is inherent to the artist’s nature. Each canvas is inspired by a landscape observed during her travels, her wandering nature constitutes the lifeblood and very essence of her art because the emotional memory merges with the colors, scents, and wonder with which she observes the customs and traditions of distant lands capable of tracing a path of sensations that manifest as chromatic facets and nuances. The brushstroke thus becomes rounder, less rigorous, as if seeking to visually introduce all the spontaneity and immediacy she experiences whenever she positions herself observe the reality swirling around her, allowing it to layer and solidify before being released anew onto the canvas.

Consequently, the painting process follows the same pattern of alternation between instinctive perception, consolidation through the use of mortar or enamel to give concrete form to and fix the emotion, and finally the free and cathartic application of acrylic paint, through which the hues captured by her gaze during the contemplative phase are allowed to re-emerge. The total informality of the works most strongly linked to travel interconnects with the paintings still traceable to her previous style, the more strongly Tachist one, through the use of a Dripping that chooses the softness of circularity, as if Barbara Monti still needed to belong to her more rational side despite the new inspirational tendency to let herself be guided by the immediacy of emotional chaos. The Amazonia series of paintings, created after a journey into the heart of the Peruvian jungle, reveals the artist’s new willingness to let herself be completely swept away by the tangle of sensations she experienced while immersed in the shady greenery of that place, a sentiment that finds particularly striking expression in the canvas San Martin, where the green of the dense vegetation is inextricably intertwined with the more vibrant hues associated with animals, tropical flowers, and the damp earth, caused by the sun’s rays being unable to penetrate the dense foliage and warm the ground. The light background seems to recall the warm and humid atmosphere of the Amazon forest, the rarefaction generated by the encounter between the drops of the leaves and the high temperature of that area of ​​the world; throughout the soft and nuanced composition stand out the notes of red which could suggest the presence of the many dangers that could be encountered, or the make-up with which the natives still decorate their faces today in official celebrations and when they go hunting. The subtle dripping effect highlights the dense world of insects that finds its perfect habitat in that very region, as well as the subtle, somewhat magical energies coursing beneath the surface.

Scenario d’autunno (Autumn Scenery), on the other hand, retains Barbara Monti’s characteristic Tachisme, though here it is heavily softened and set against a more indefinite background, as if the sensations were somehow seeking the solidity of a form, allegory of reason, by virtue of which to remain stable amid emotional chaos. The ochre and pink tones, mixed with touches of red, highlight the melancholy that inevitably sets in when nature begins to prepare for winter, the arrival of the end of its life cycle as it awaits spring’s rebirth; thus, the perception conveyed is that of the conclusion of a phase of existence in which one must let go of summer’s joy and carefree spirit to prepare for a season yet to be rewritten. This is the mood the artist conveys, once again set against a light background that evokes the brightness of summer while foreshadowing the frost and snow of winter. In this case the Dripping evokes the autumn wind, that breeze that slowly carries away the dry leaves scattered on the streets, emphasizing the hushed, intimate atmosphere of the season.

The artwork Informale 12 introduces a material element, the mortar, to create a concrete solidity through which Barbara Monti suggests roots, which may be familial or those of logic, a balancing element to the irrationality of emotions, from which she can then let herself go into that illogical and instinctive world necessary for her inner self and her creative soul to express everything that would be more difficult to express in words. The chromatic patches here are more defined, more geometric, underscoring the moment of transition between the previous style and the new one, which, like any artistic and personal transformation, requires time and the respect for phases that may eventually open up to complete change; the circular dripping, confined solely to the central part of the canvas, seems to foreshadow the softness of the canvases in the new series, more closely linked to the landscape visions emerging from her soul. Barbara Monti has a long exhibition journey behind her which has seen her present her works in galleries and institutional places in Rome and Lazio, a collective exhibition in Barcelona and a presence at the Vernice Art Fair in Forlì; he is a member of the Associazione Cento Pittori of via Margutta.